Жан Антуан Ватто
Предвестием этого направления в искусстве, но и явлением значительно более глубоким, не укладывающимся в рамки какого-то одного направления, был художник Жан Антуан Ватто, создавший в искусстве свой, неповторимый образ. Ватто нашел себя, свою тему, когда приехал в Париж: это так называемые галантные празднества — аристократическое общество в парке, музицирующие, танцующие, праздное; живопись, в которой как будто нет ни действия, ни сюжета, — сцены беспечной жизни, переданные с утонченной грацией. Все это увидено как бы со стороны тонким, чуть ироничным наблюдателем с налетом меланхолии и грусти. Колорит Ватто — одно из сильнейших качеств его дарования — построен на тонких нюансах серых, коричневых, бледно-сиреневых, желто-розовых тонов. В картинах Ватто никогда нет чистого тона. Как в цвете даны все тончайшие оттенки любовного чувства. В 1717 году художник создал одно из самых больших произведений «Паломничество на остров Цитеру». В этой картине отражена тончайшая палитра чувств, которая прежде всего создана самим цветом. Но все это не любовь, а игра в любовь, театр. Театральность характерна для всего искусства XVШ в., и для Ватто особенно. Он не скрывает театрального приема в композиции. Искусство театра не только было модно в век Ватто, театром была вся жизнь общества, которое пишет художник.
Ватто вообще очень близко знал актерский быт и не раз писал актеров итальянской и французской комедии. Делакруа называл технику Ватто изумительной, объединившей Фландрию и Венецию. В самом конце жизни Ватто создал свою последнюю работу — это вывеска антикварной лавки, которая так и называется «Лавка Жерсена». В ней он возможно хотел показать, как быстротечна «слава мира», как коротка власть и сама жизнь, а вечно лишь одно искусство.
Жан Антуан Ватто «Любовная песня»
Описание стиля
Название стиля произошло от французского слова rocaille, что в переводе означает «скальный». Этимологически термин «скальный» так же связан с декором гротов и парковых павильонов Версаля и Марли. В отличие cartoccio, voluta, (художественные элементы в виде закругленных уголков, завитков, спиралей), присущих барокко, завиткам «скального» стиля характерен разрушающий, атектонический характер. Характерным элементом стиля, давшим ему название, является рокайль – морская раковина. Это своеобразная форма завитка, напоминающего морскую раковину.
Впервые именно рококо внесло единство в интерьер. Едиными и гармонирующими стали стены, потолки, мебель в помещениях. Появилась некая цельность и в архитектуре.
Рококо ввел в моду различные безделушки, которые также украшались узорами и орнаментами, характерными для этого стиля. Тяготение к светлым тонам заметно и в живописи, и в декорировании стен, безделушек, обивке тканей на мебели. «Скальному» стилю присущи пастельные, светлые оттенки, белые, золотистые голубые сиреневые цвета.
Легкость, игривость, царившая в этом направлении искусства, создавалась асимметрией расположения декоративных элементов, их формой. В лепнине применяются обрамления, переплетения, завитки, головки амуров, разорванные картуши, гротеск, как сочетание, казалось бы, несочетаемых элементов. Гармонично вписалось в рокайль китайское искусство.
Творчество Фрагонара
В 1752 за картину «Жертвоприношение Иеровоама» получил Большую Римскую премию и отправился в Рим.
Подружившись здесь с живописцем Юбером Робером, он совершил вместе с ним и с любителем искусства Сен-Ноном поездку на юг Италии. Плодом этой поездки было издание увража: «Voyage de Naples et de Sicile», в котором большинство рисунков гравировано Фрагонаром.
По возвращении в Париж он выставил в салоне 1765 года картину: «Смерть Кортеса» (находится в Луврском музее в Париже), за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены. Однако вскоре после того он прекратил заниматься историческим родом живописи и, последовав вкусам эпохи, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием.
В больших исторических картинах Фрагонара мало оригинальности; в его пейзажах природа является слишком переиначенной и приукрашенной; зато жанровые его картины, хотя и не чуждые манерности, пленяют зрителя умно изобретённой композицией, грациозностью рисунка, изящностью и деликатностью колоритных тонов, плавностью и сочностью письма и вообще большим вкусом исполнения.
К числу известнейших принадлежат: «Урок музыки», «Пастораль» (амуры указывают отдыхающим под деревом любовникам на циферблат), «Купальщицы», «Спящая нимфа», «Амур, снимающий сорочку с красавицы» (La chemise enlevee), «Молодой гитарист», «Молодая читательница» и «Вдохновение», в Луврском музее; «Семейство фермера» и «Поцелуй украдкою», в Эрмитаже; «В отсутствии отца и матери», «Прятки», «Замок», «Генрих IV и Габриэль» и «Учёные собаки», в разных частных коллекциях.
Из гравюр Фрагонара особенно интересны: «Шкаф» (родители девушки находят возлюбленного дочери, спрятанного в шкафу, собственная композиция художника; очень редкий лист), «Обрезание» с Тьеполо, «Антоний и Клеопатра», с Либери, «Вечеря в Эммаусе», с Риччи, и «Сретение Господне», с Тинторетто.
Жан Оноре Фрагонар
Жан Оноре Фрагонар (1732–1806), французский живописец и график. Учился в Париже у Ж.Б.С. Шардена, Ф. Буше, К. Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756–1761); работал в Париже. В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея — Лувра. Продолжая традиции искусства рококо, Фрагонар достиг особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. Его произведения, исполненные трепетной эмоциональности, чувственной неги, ощущения радости бытия, отличаются изысканной декоративностью колорита, легкостью живописной манеры, плавными композиционными ритмами (“Качели”, 1766, собрание Уоллес, Лондон; “Праздник в Сен-Клу”, 1775, Французский банк, Париж; “Поцелуй украдкой”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Тонкие светотеневые эффекты характерны для офортов и многочисленных рисунков Фрагонара — штудий натуры и пейзажей, выполненных в технике сангины, бистра, иногда сепии. Связь с рококо проявляется в заостренно-пикантных и вместе с тем иронических ситуациях («Свидание», «Погоня»). Художник стремился передать интенсивную красочность реального мира, любил теплую золотистую гамму, игру света. Стиль и манера Фрагонара разнообразны, они менялись, эволюционировали от декоративного решения то к классическому, с характерным для него точным, упругим рисунком и локальным сдержанным цветом, данным в границах формы («Задвижка!», 1778г.), то к романтическому, с типичной для него экспрессивностью мазка, живописностью (серия портретов 1760-х гг.), тонкостью световоздушных эффектов. Он мастер мимолетного наброска с натуры. В портретах Фрагонар стремился запечатлеть творческую импульсивность, душевную взволнованность, страстность переживаний, которые должны неизбежно перейти в действие, вывести за пределы обыденности, из интимной сферы жизни. Художник смело разрушал каноны аристократического портрета XVIII в. В «Портрете Дидро» (Париж, частное собрание) он запечатлел философа в мгновение внутреннего озарения, оторвавшегося от чтения, с устремленным вдаль вдохновенным взглядом. Экспрессивная роль света, динамика композиционного и живописного решения рождают впечатление изменчивости натуры. За пределы портретного жанра несколько выходит образ «Вдохновения» (1769, Париж, Лувр), подчиненный одной страсти — патетическому взлету мысли, мечты. В интимно-лирических портретах Фрагонара наметились тенденции, ставшие характерными для романтизма XIX-го века.
Жан Оноре Фрагонар «Качели»
Жан Оноре Фрагонар «Сувенир»
В чем ценность «Качелей» Фрагонара
Не стоит относится к «Качелям», как к чему-то однозначно декоративному. Хотя я сама ещё пару лет назад фыркала при виде работ в стиле рококо, считая их пустыми и не стоящими моего внимания.
Все важно воспринимать в контексте. И «Качели» – это живописный отклик на нравы французского общества 18 века
А значит картина может быть любопытна как минимум в качестве свидетеля того, что творилось в умах тогдашней аристократии.
Мы их можем осуждать за поверхностность их интересов. За чрезмерную зацикленность на флирте. На избыточном украшательстве.
А уж что говорить о свободе нравов, когда наличие любовника или любовницы – не то, что было нормой, а прямо-таки из серии «стыдно не иметь».
Выставки
- Фрагонар, провансальский в Нидерландах , Грасс , вилла-музей Жана Оноре Фрагонара , с 1 июля по30 сентября 2016 г..
- Жан-Оноре Фрагонар, рисунки из Лувра , Парижа , Музея Лувра ,3 декабря 2003 г. в 8 марта 2004 г..
- Фрагонар, удовольствия века , Париж, музей Жакемара-Андре ,3 октября 2007 г. в 13 января 2008 г..
- Ле Фрагонар де Безансон , Музей изящных искусств и археологии Безансона ,8 декабря 2006 г. в 2 апреля 2007 г..
- Дизайнер Фрагонара , Музей изящных искусств Кана ,17 октября 2009 г. в 18 января 2010 г.. Другое название — выставка Безансона в 2006-2007 годах.
- От Ватто до Фрагонара, галантных фестивалей , Парижа, музея Жакемара-Андре , от14 марта в 21 июля 2014 г..
- Влюбленный Фрагонар , Париж, Люксембургский музей ,16 сентября 2015 г. в 24 января 2016 г..
Рококо в России
В России рококо расцвел во время правления Елизаветы Петровны, которая получила образование во Франции. Правда, в благочестивой, патриархальной России он не получил столь чувственной направленности и выражался более в архитектуре фасадов, интерьеров, в убранстве залов, чем в живописи или скульптуре. Впрочем, здесь можно вспомнить нескольких художников, работавших в рокайльной направленности:
- И.П. Аргунов. «Умирающая Клеопатра»,
- И.Я. Вишняков. Портрет Сары Элеоноры Фермор
- Б.В. Суходольский. «Астрономия».
Для Аргунова эта картина, скорее исключение из правил. Иван Петрович был склонен к классицизму, граничащему с реализмом. Это великолепный портретист, сохранивший истории лица императриц Елизаветы Петровны, Екатерины II, ряда видных государственных деятелей и аристократов, приближенных к царскому двору. Иван Вишняков тоже портретист, но он писал портреты во французском стиле рококо. Суходольский – мастер пейзажа и крупных композиций в том же стиле, характерном для галантного века.
В архитектуре стиль рококо отразился в следующих памятниках русской архитектуры:
- Китайский дворец и дворец Петра III в Ораниенбауме;
- Китайский театр в Царском селе;
- Летний дворец Елизаветы Петровны в Петербурге. Здание не сохранилось, но есть картина М. И. Махаева с его изображением и дающая полное представление о нем.
В зданиях, созданных итальянцем Растрелли, присутствуют элементы рококо и барокко. Так, в декоре уже упомянутого дворца Елизаветы Петровны присутствуют картуши, рокайли, маски львов, сдвоенные колонны, ризалиты, вазы, формирующие визуальную неровность стен. Архитектурный ансамбль дополняют статуи.
Век под лозунгом «искусство как наслаждение»
Художественной культуре каждого исторического периода присущ свой, только для него характерный и им обусловленный и поэтому неповторимый стиль со своими особенностями, своеобразием пластического языка.
Рококо – стилистическое направление европейского искусства первой половины и середины XVIII века, получившее распространение во Франции, Германии, Австрии и других странах. Первоначально ярче всего этот стиль проявился в аристократических кругах Франции. В ранний период рококо во Франции (примерно до 1725 года) существовал так называемый “стиль регентства”. С началом нового, XVIII столетия совершенно очевидно обозначился процесс разложения французской абсолютной монархии. Смерть в 1715 году ”короля-солнца” Людовика XIV, в последнее десятилетие лишь формально сохранившего могущество, была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготавливали приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве. Начало регентства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика X, было ознаменовано сменой строгого придворного этикета совершенно противоположной сферой: легкомыслия, жажды наслаждений, развлечений, роскоши не столь тяжеловесной, как в ушедшую пору и жизненного распорядка не столь торжественного. Но в этом бурном веселье, желании успеть насладиться всем была и доля бравады тревоги, предчувствие краткости мгновения надвигающихся грозных бедствий.
Рококо получил своё название от характерного для данного стиля орнамента рокайль. Рокайль (от фр.rok – скала, утёс) – главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился во Франции в начале XVIII века, при украшении парковых павильонов – гротов деталями, имитирующими природные элементы – морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение названия “рокайль”. В последствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень.
Многие исследователи считают рококо лишь ответвлением позднего барокко, потерявшим монументальность великого стиля. Рококо – порождение исключительно светской культуры, ещё уже – двора, французской аристократии, тем не менее оно сумело не только оставит след в искусстве, но и повлиять на дальнейшее её развитие.
Франсуа Буше
Подлинным представителем французского рококо стал Франсуа Буше, ибо в его искусстве гедонизм рококо, доходящий до фривольности, пренебрежение к конструктивному, рациональному, разумному, как и вся утонченная культура «рокайльного языка», выразилось в полной мере.
Франсуа Буше (1703–1770), французский живописец, рисовальщик, гравер и декоратор. Родился 29 сентября 1703 в Париже, где и прожил всю жизнь. Самым известным из его учителей был Франсуа Лемуан. В 1723 Буше получил гран-при Королевской академии и в 1727 отправился на четыре года в Италию. В Риме на него произвели особенно сильное впечатление декоративные работы Пьетро да Кортона и Джованни Ланфранко. Несомненно, художник был знаком и с венецианской традицией монументально-декоративной живописи, хотя неизвестно, ездил ли он в Венецию; позже Буше стал коллекционировать рисунки Тьеполо.
В 1734 Буше стал членом Королевской академии, с 1755 – директором Королевской мануфактуры гобеленов, а десятью годами позже – директором Королевской академии живописи и скульптуры и «первым живописцем короля». Умер Буше в Париже 30 мая 1770.
Буше – самый знаменитый и удачливый мастер, работавший в стиле рококо. Он получал заказы на создание декоративных картин для резиденций короля и мадам де Помпадур, а также частных особняков в Париже. Буше делал декорации для опер и спектаклей и картоны для гобеленов мануфактуры Бове; две серии картонов, Итальянские деревенские праздники (1736) и Благородная пастораль (1755), находятся в коллекции Хантингтон в Сан-Марино (Калифорния). Достойны внимания многочисленные серии гравюр Буше, среди которых иллюстрации к произведениям Мольера и других авторов, а также серия «Крики Парижа» с изображениями уличных сценок. Художник выполнял также эскизы для изделий из фарфора Венсенской и Севрской мануфактур.
Спектр сюжетов картин Буше охватывает всю тематику, характерную для стиля рококо. Он обращался к литературным, аллегорическим и мифологическим сюжетам (особенно связанным с Венерой), изображал деревенские ярмарки, фешенебельную парижскую жизнь, игривые экзотические «китайские» сценки и пасторали, писал пейзажи и портреты, а иногда и картины на религиозные темы. У Буше во всем чувствуется свойственное рококо сочетание острой наблюдательности и декоративной утонченности, чувственной непосредственности и игривого притворства. Среди его лучших произведений – картина «Туалет Венеры» (1740, Стокгольм, Национальный музей) и Портрет «мадам де Помпадур».
Франсуа Буше «мадам де Помпадур»
Ложка дёгтя в «Качелях» Фрагонара
Казалось бы, картина полна праздности и легкомыслия. Но меня, честно говоря, смущает сад, в котором происходят события. Старое, узловатое дерево с очень кривыми и даже уродливыми ветвями скорее напоминают какие-то трещины.
Жан-Оноре Фрагонар. Качели. 1767 г. Собрание Уоллеса, Лондон
Зелень так сильно клубится, как будто все происходит в непроходимой чащобе, а не в саду. Деревья создают такую густую крону, что «внутри» картины очень темно, не считая просвета посередине, в который и «угодила» барышня на качелях.
Почему Фрагонар выбирает такую обстановку? Почему бы не изобразить классический французский сад с постриженными деревьями, где все освещено солнцем?
Дикий лес у учителя Фрагонара, Франсуа Буше, и то выглядит более ухожено, чем этот парк.
Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва
Как будто Фрагонар пытается сбить чрезмерную слащавость. Сделать картину значащей нечто большее, чем просто декоративная работа для услады глаз.
Возможно, Фрагонар понимал, что такое поведение, как бы оно ни приветствовалось обществом, на самом деле не делает никого счастливым. И даже уже сейчас, намереваясь «наставить рога» супругу, девица сгущает вокруг себя тучи. Темнота надвигается на всех троих.
Недаром же «Качели» стали культовой работой. Именно ее чаще всего вспоминают, когда речь заходит о рококо. Видимо за счёт того, что она не так поверхностна, как большинство работ посредственных мастеров.
Биография Жана-Оноре Фрагонара
Жан Оноре Фрагонар родился 5 апреля в 1732 году на юге Франции, в Граccе. Отец художника, Франсуа Фрагонар, был перчаточником. Дела его шли плохо: он попробовал вложить капитал в новое прибыльное дело и разорился. Неудачи заставляют его переехать вместе с семьей в Париж. Подростка сына, Жана-Оноре, устраивают вначале в качестве младшего служащего в контору нотариуса, но он работает там очень неохотно. Тогда в семье решают выполнить его заветное желание — отдают на обучение к живописцу. Так советует и хозяин его, нотариус, заметивший склонность юноши к рисованию. Перейти от нотариуса к художнику во французской ремесленной среде XVIII века — значило лишь изменить специальность, решиться иным способам зарабатывать себе на жизнь.
Учился в Париже у Шардена, Буше, Ванлоо, во Французской академии в Риме (1756–1761); работал в Париже.
В 1789-1794 Фрагонар был хранителем Национального музея — Лувра.
В 1793 году Фрагонар уехал из Парижа в Грасс. В начале XIX века он вернулся в Париж, где умер в 1806 году, почти полностью забытый.
Краткая биография
Жан Оноре Фрагонар (1732, Грас, Прованс – 1806, Париж) в 1747 стал учеником Жан-Батиста Симеона Шардена, а затем учился живописи у Франсуа Буше, оказавшего на Фрагонара большое влияние. В 1752 был отмечен Римской премией и зачислен в класс Карла ван Лоо. Учился с 1756 по 1761 в качестве стипендиата во Французской академии в Риме. По возвращении во Францию был принят в Парижскую академию. Во второй раз побывал в Италии в 1773, посетив также Австрию и Германию. Наряду с Антуаном Ватто и Франсуа Буше Фрагонар считается крупнейшим автором бытовых картин эпохи конца абсолютизма. Будучи художником, писавшим в стиле рококо, Фрагонар не принял новую эстетику, привнесенную во французское искусство идеями революции.
Биография
Жан-Оноре Фрагонар родился в Грасе, в семье перчаточника Франсуа Фрагонара и Франсуазы Пети. Двоюродный брат анатома Оноре Фрагонара. Сперва ученик Жана-Симеона Шардена, а потом Франсуа Буше. Прежде чем отправиться в Рим, он продолжал учиться в течение трёх лет под руководством Шарля-Андре ван Лоо. В 1752 году за картину «Жертвоприношение Иеровоама» получил Большую Римскую премию и отправился в Рим. В Риме значительное влияние оказали на него итальянские мастера XVII века Бароччо, Солимена, Пьетро да Кортона и в особенности Тьеполо. Подружившись здесь с живописцем Юбером Робером, он совершил вместе с ним и с любителем искусства Сен-Ноном поездку на юг Италии. Плодом этой поездки было издание увража «Voyage de Naples et de Sicile», в котором большинство рисунков гравировано Фрагонаром. По возвращении в Париж он выставил в салоне 1765 года картину «Корес и Каллироя» (находится в Луврском музее в Париже), за которую королевская академия художеств приняла его в свои члены.
Фрагонар, Поцелуй украдкой. Эрмитаж
Однако вскоре после того он прекратил заниматься историческим родом живописи и, последовав вкусам эпохи, стал писать идеалистические жанры и пасторали в духе Ватто и Буше, сцены интимной жизни пикантного, иногда беззастенчиво-эротического содержания, декоративные панно, портреты, миниатюры, акварели, пастели и по временам заниматься офортным гравированием. Произведения его вошли в большую моду и продавались по высокой цене, благодаря чему он заработал хорошие средства. Но вспыхнувшая революция разорила его, а классицизм, новый стиль во французском искусстве, основанный Жаком-Луи Давидом, лишил его прежней популярности. В 1769 году он женился на Мари-Анне Жерар (1745—1823), которая также была художницей; у них родилось двое детей: дочь Розали (1769—1788) и сын Александр-Эварист (1780–1850), вслед за отцом также ставший живописцем.
В 1793 году Фрагонар уехал из Парижа в Грас. В начале XIX века он вернулся в Париж, где умер в 1806 году, почти полностью забытый.
Детство и юность
Живописец родился весной 1732 года в городке Грас на юго-востоке Франции в семье перчаточника. Родителей Жана-Оноре звали Франсуа и Франсуаза. Кузен и сверстник художника Оноре Фрагонар прославился как ветеринар и создатель анатомических экспонатов.
Когда Жану-Оноре исполнилось 6 лет, семья Фрагонар переехала в Париж. В 13 лет мальчик начал работать помощником нотариуса. Тяга к живописи привела подростка в мастерские Жан-Батиста Симеона Шардена и Франсуа Буше. В 20 лет он получил премию за картину «Жертвоприношение Иеровоама», а в 23 Жан-Оноре стал членом Королевской академии художеств за полотно «Смерть Кортеса», ныне хранящееся в Лувре.
Список литературы
1. Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства. М., 1985. С. 166-167.
2. Гартман К.О. Стили. Ч.1-2. / К.О. Гартман. – М.: Искусство, 2000. – 268с.
3. Грабарь И.Э. О русской архитектуре: Исследования. Охрана памятников. М., 1969. С. 44.
4. Лукомский Г.К. Краткий каталог музея Большого Екатерининского дворца и его исторический очерк. С. 47.
5. Маркс К., Энгельс Ф. 2-е изд. Соч. Т. 4. С. 297.
6. Стасов В.В. Декоративно-прикладное искусство XVIII в.//Русское искусство XVIII в. Мю, 1973. С. 81.
7. Энциклопедия для детей. Т. 7. Искусство. Ч.2. Архитектура, изобразительное и декоративно-прикладное искусство XVII – XX веков / ред. Коллегия: М. Аксёнова, Н. Майсурян – М.: Аванта+, 2006. – 517с.
- Петроглифы Северной России и территорий Балтии, Скандинавии, Кавказа
- Архитектура Средневековья
- Основные подходы к понятию «Квалификация преступлений
- Главные органы ООН, их функции
- Виды международных правонарушений и их состав (По дисциплине: «Международное право»)
- Проблема эффективного руководства в управленческой деятельности
- Конфликт: при каких условиях он может быть полезен для организации (Понятие конфликта, классификации причин конфликтов)
- Принципы равноправия и состязательности
- Электронный экспресс (Характеристика СПС «Гарант Электронный экспресс» :услуги, клиентура, особенности.)
- Восточные сады (Специальность Дизайн кафедра ВК)
- Восточные сады
- Русское искусство первой половины XIX века. Творчество Ореста Кипренского, Василия Тропинина, Алексея Венецианова, Карла Брюллова, Александра Иванова
Живопись
Ж-Э Лиотар. Портрет Марии Аделаиды в турецком костюме (1753 г.)
Скульптура и живопись периода Рококо играли, по большей части, декоративную роль, и должны были сочетаться с интерьером помещения.
Для картин и скульптур, согласно требованиям эпохи, не использовали драматических сюжетов. Произведения изобразительного искусства носили декоративный характер, где красота была главным требованием. Ни скульптура, ни живопись не стремились к постановке серьезных социальных задач.
Говоря о Рококо, нельзя не упомянуть об Антуане Ватто.
Жан Антуан Ватто 1684-1721 г.г.
Работы Ватто — одно из самых ярких воплощений стиля Рококо. Идейная наполненность творений Ватто выходит за пределы стиля. Этот французский художник одним из первых обратился к теме галантных празднеств. Сюжеты его картин наполнены изяществом, гармонией, обстановка в них интимна и камерна. Художник тонко передает все душевные оттенки внутреннего мира персонажей.
Исследователи утверждают, что на творчество Ватто оказали влияние работы фламандских и голландских живописцев.
На заре карьеры Ватто писал картины на военную тематику, но потом перешел на писание театральных и галантных сюжетов.
Полотна Ватто не содержат в себе сюжета или действия в привычном для художников предыдущего поколения.
Ватто. Свояр с сурком. (ок. 1716 — 1717 г.г.)
Ватто, без сомнений, самый выдающийся художник эпохи, его персонажи сохраняют внутреннюю динамику, от чего, его картины приобретают тонкую и точную выразительность.
Еще один художник, оказавший значительное влияние на стиль рококо — Оноре Фрагонар.
Ж.А. Фрагон (1732-1806 г.г.). Автопортрет
Фрагон использовал различные темы для своих творений и свободно интерпретировал культуру Рококо. Среди его произведений присутствуют как сюжеты историко-мифологического характера, таки и эротико-галантные сцены.
О. Фрагон. Корез и Каллироя. 1765 г.
Кроме вышеперечисленных имен, значительный вклад в развитие живописи в стиле Рококо внесли Франсуа Буше и Никола Ларкне.
Ученик придворного художника
Сегодня во Франции, на родине художника, его знают так же хорошо, как мы знаем Шишкина или Левитана. Однако при жизни Фрагонар подвергался серьезной критике и в конечном итоге умер, забытый всеми.
Родился Жан Оноре Фрагонар в Грассе в 1732 г. и в детском возрасте вместе с родителями приехал в Париж. Первым учителем живописи Фрагонара стал Жан Шарден, один из ключевых художников эпохи Просвещения, писавший натюрморты и картины на бытовые темы.
Уже в возрасте 15 лет Фрагонар, чей талант был замечен, поступил в престижную мастерскую Франсуа Буше, любимого художника мадам де Помпадур, пишущего в стиле рококо.
Поэзия жизни
«Поцелуй украдкой»
Продолжая традиции искусства рококо, художник достиг особой проникновенности в воссоздании лирических сцен повседневной жизни, сферы интимных человеческих чувств, поэзии природы. В произведениях Фрагонара встречаются почти все галантные мотивы живописи 18 в.: обнаженные купальщицы, подобные речным божествам, страстные любовные объятия, любовные сценки, часто напоминающие жанровые пикантные картины. Почти все картины художника – небольшие по размерам, часто имеют овальную форму.
Стилю Фрагонара свойственна внутренняя свобода, смелость обобщения формы, основанная на цвете, богатстве цветовых оттенков. Он передавал красочность реального мира, использовал теплую золотистую гамму, игру света, тонкость свето-воздушных эффектов (Счастливые возможности качелей, 1766, Лондон, Коллекция Уоллес). В 1771 он создал серию из четырех панно «Любовь пастухов», в 80-е – серию аллегорических композиций «Фонтан любви», «Поклонение розе» и др.
Заключение
Живопись рококо, действительно, явилась выражением настроений, царивших в придворных, аристократических кругах. Французские аристократы, словно предчувствуя свой скорый конец, спешили развлекаться и жили “одним днём”.
Многие исследователи до недавнего времени отказывали рококо в самостоятельности как стилю, считая его вариантом позднего барокко, который утратил монументальность и величественность. Пышность и яркость, действительно, роднили этот стиль с барокко. Однако искусство рококо имело ярко выраженные, только ему присущие особенности. За внешней игривостью скрывалось совершенство формы, блестящий художественный вкус и новое прочтение человека, далёкое от ренессансно-барочной трактовки совершенной личности.
Рококо первым из стилей продемонстрировал ироническое и скептическое отношение к тому, что ранее считалось благородным, избранным и возвышенным. Так изменились критерии физической красоты. Если Возрождение ценило в человеке цветущую силу, полнокровное тело, то художественное сознание рококо отрицало всё могучее, крепкое. Художественно привлекательными теперь считались хрупкое, холёное тело, бледное лицо, у женщин – тёмные глаза. Рококо больше не ждал от своих героев подвигов и преодоления себя. Новыми качествами личности объявлялись нежность, кокетливость, игривость, лёгкость и непринужденность в общении, остроумие. Рококо привнёс в искусство любовь к сельским идиллиям и пасторалям. Однако, покинув величественные дворцовые интерьеры, искусство обнаружило тягу к психологии своих героев, их чувствам и переживаниям. И здесь рококо ждало открытие. За внешним весельем и беспечностью он первым из стилей сумел увидеть в человеке грусть и смятение, почувствовать ощущение зыбкости и неустойчивости бытия. В этом состояло главное отличие рококо от барокко. Искусство рококо намного ближе подошло к реальной действительности, стало более интимным и оттого более искренним. Оно создало свой собственный язык форм, начисто отбросив столетиями культивируемые ордерные каноны и логику конструктивной и тектонической выразительности. Стилевая система его строится на зрительном преодолении материальной весомости конструкций, на свободной и абстрактной пластической моделировке пространственных и орнаментальных композиций, на тонко прочувствованной линии лёгкого, полного непринужденности аппликационного живописного декора, в котором проявилось непревзойденное, блистательное мастерство стилизации. На основе архитектуры рокайльных построек синтезировалось жанровое многообразие искусств. Синтез искусств обеспечивал им единый художественный эффект, максимальную впечатляющую выразительность, эстетически полноценную пластическую декоративность и привлекательность. В рококо была достигнута почти первобытная синкретическая нерасчленённость жанров искусства: скульптура и живопись сливались с архитектурой, театр – с парком и самим образом жизни салона, хореография – с этикетом и манерами поведения.
Беспрецедентный, диаметрально отличный от предшествующих стиль рококо явился логичным, объективно закономерным финалом почти двухсотлетнего развития мощного и великого искусства барокко. Всё искусство рококо достигло новых, собственных художественных высот и завоеваний в истории культуры.