Что означает понятие – самая дорогая картина
Ван Гог «Портрет доктора Гаше»
В мире немного полотен, имеющих наибольшую ценность. Одной из них является шедевр Леонардо да Винчи. Несмотря на колоссальную стоимость, полотно с легкостью бы перекупили лучшие дома планеты. Не менее ценными являются полотна Кунинга, Моне и других мастеров.
Полотно «Христос Святого Иоанна Креста» Дали – ценнейший экземпляр.
- Сам мастер работал над картиной более 2 лет.
- Шедевр переходил из рук в руки, пока его не приобрел музей Кельвингроув (Шотландия).
- В 2006 году картину хотели выкупить испанцы за 127 миллионов долларов США. Сделка не состоялась, иначе бы картина считалась самой дорогой, вышедшей из-под рук мастера.
Многие картины ценятся не только за «перо мастера», но и изображение. В частности, самое дорогое полотно авторства Ван Гога «Портрет доктора Гаше» считается почти автопортретом. Доктор был лечащим врачом гения на протяжении последних лет жизни.
- В 1990 году картину купил Рёэй Саито (японский фабрикант).
- Сумма сделки составила 82,5 млн. долларов США.
Картина «Стог сена» – ценнейшее полотно кисти Клода Моне. Мастер уделил труду немало времени и закончил его в 1891 году. Картина не входила в реестр самых дорогих, но стала лидером по стоимости работ художника.
- Изначально полотно принадлежало меценату Берте Оноре Палмер, а затем перешла по наследству сыну леди.
- В 2019 году цена картины Моне составила 110,7 млн. долларов США. Это рекорд для полотен художника.
Имя нынешнего владельца не разглашают.
Часто задаваемые вопросы
Почему именно Да Винчи считают самым гениальным и дорогим художником? За годы жизни гений изобрел множество механизмов, придумал агрегаты, опережающее свое время. Также Леонардо да Винчи является философом, химиком, астрономом – это действительно гениальный человек. К тому же его картины «старшие» по возрасту и потому оцениваются крайне дорого.
Работы в стиле сюрреализма
Жизнь богатого человека вскоре пресытила Пабло и он возвращается к старой жизни бедняка. В 1925 году он пишет картину «Танец» в совершенно новом для себя стиле – сюрреализм. Неудовлетворенность личной жизнью выплеснулась в искаженных и изогнутых линиях. В 30-е годы Пикассо прерывает карьеру художника и увлекается скульптурой, создавая «Лежащую женщину».
В 1937 году в ходе войны в Испании германской авиацией был уничтожен небольшой городок. Трагедия целого народа нашла отражение в картине Пабло, где собраны образы скорбящей матери, погибшего воина и частей людских тел. Войну он представляет в виде Минотавра. Даже после захвата Вермахтом Парижа, Пабло продолжал свою работу, создавая картины «Натюрморт с бычьим черепом» и «Утренняя серенада».
Кубизм
Аналитический кубизм (1909-1912) — стиль живописи, который Пикассо разработан с Жоржем Браком, используя монохромные коричневатые и нейтральные цвета. Оба художника разбирали объекты и «анализировали» их с точки зрения формы. Картины Пикассо и Брака на этот раз имели много общего. Синтетический кубизм (1912-1919) был дальнейшим развитием стиля, в котором вырезанные бумажные фрагменты, часто обои или части газетных страниц вставлялись в композиции, ознаменовав первое использование коллажа в изобразительном искусстве.
В Париже Пикассо развлекался с выдающимся кругом друзей в кварталах Монмартр и Монпарнас, в который входили Андре Бретон, поэт Гийом Аполлинер, писатель Альфред Жарри, и Гертруда Стайн. В 1911 году Аполлинера арестовали по подозрению в краже Мона Лизы из Лувра. Он указал на своего друга Пикассо, которого также вызвали на допрос, но позднее освободили.
Рекомендуемые иллюстрации:
1909, Femme assise («Сидящая женщина»), холст, масло, 100 × 80 см, Государственные музеи Берлина, Новая национальная галерея
1909-1910, Figure dans un Fauteuil («Сидящая обнаженная»)
1910, La Femme au pot de moutarde («Женщина с горчичницей»), холст, масло, 73 × 60 см, Муниципальный музей, Гаага. Выставлялась на Armory Show, в Нью-Йорке, Чикаго и Бостоне в 1913 году
1910, Girl with a Mandolin (Fanny Tellier) («Девушка с мандолиной (Фанни Телье)»), холст, масло, 100,3 × 73,6 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк
1910, Портрет Даниэля Анри Канвейлера, Чикагский институт искусств.
1910-1911, Guitariste, La mandoliniste («Женщина, играющая на мандолине»), холст, масло
Прибл. 1911, Le Guitariste («Гитарист»). Воспроизведенена в манифесте Альберта Глеза и Жана Метценже Du Cubisme («О кубизме») в 1912 году
1911, «Бутылка рома», холст, масло, 61,3 × 50,5 см, Музей искусств «Метрополитен», Нью-Йорк
1911, Le poète («Поэт»), масло, льняной холст, 131.2 × 89,5 см (51 5/8 × 35 1/4 футов), Музей Соломона Гуггенхайма, Коллекция Пегги Гуггенхайм, Венеция
1911-1912, «Скрипка», холст, масло, 100 × 73 см (овал), Музей Крёллер-Мюллер
1913, «Бутылка, кларнет, скрипка, газета, бокал», 55 × 45 см. Эта картина из коллекции Вильгельма Уде была конфискована Французским государством и продана на аукционе в «Отеле Друо» в 1921 году.
1913, Femme assise dans un fauteuil (Eva) («Женщина в рубашке, сидящая в кресле (Ева)»), 149,9 × 99,4 см, Коллекция Леонарда Лаудера, Музей искусств «Метрополитен»
1913-1914, Tête («Голова»), вырезанная и вставленная цветная бумага, гуашь и уголь на картоне, 43,5 × 33 см, Шотландская национальная галерея современного искусства, Эдинбург
1913-1914, L’Homme aux cartes («Игрок в карты»), масло, холст, 108 × 89,5 см, Музей современного искусства, Нью-Йорк
1914-1915, Nature morte au compotier
1916, L’anis del mono («Бутылка Анис дель Моно»), холст, масло, 46 × 54,6 см, Институт искусств Детройта, штат Мичига
Темы и вариации
Брак и Пикассо придумали новое направление в живописи не за одну ночь. Идея кубизма постепенно вызревала с 1907 по 1914 год (с началом войны Брака мобилизовали в армию). Наиболее тесным их сотрудничество было в период между 1910 и 1912 годами. В это время работы Брака и Пикассо были настолько похожими, что даже специалисты затруднялись порой сказать, кому из них принадлежит то или иное полотно.
Раннюю стадию кубизма (вплость до 1911 года) часто называют аналитическим кубизмом. Брак и Пикассо анализировали формы предметов, а затем переносили их на холст. Поздняя стадия кубизма носит название синтетического кубизма. Художники «синтезировали» картины, часто используя при этом готовые материалы. Мысль о том, что картину можно сделать из любого материала, включая ткань, кусочки металла или дерева, была для того времени по-настоящему новаторской.
Творчество
Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».
Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.
Картина Пабло Пикассо «Свидание»
В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.
В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. А. С. Пушкина, где и находится до сих пор.
Картины Пабло Пикассо «Девочка на шаре» и «Женщина в рубашке»
Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.
В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.
Картина в стиле кубизм Пабло Пикассо «Авиньонские девицы»
Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.
В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева. Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.
Ольга Хохлова и Сергей Дягилев
Светлый период жизни отразился и на творчестве художника — на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».
«Мальчик с трубкой» (1905): $104 млн
На этом портрете изображен мальчик в короне из роз, который держит в руке трубку. Цвета, используемые в картине, показывают, что она относится к «розовому периоду», когда художник предпочитал использовать веселые оранжевые и розовые оттенки, отличные от мрачных и холодных цветов «голубого периода».
Джон Уитни, американский посол в Великобритании, был первым, кто приобрел работу в 1950 году за $30 000. Картина оставалась в частной коллекции Уитни вплоть до 2004 года. К тому времени жена Уитни основала благотворительный фонд «Зеленое дерево» после смерти Джона в 1982 году. В 2004 году картина была выставлена на аукционе Сотбис и продана за $104 млн, превысив предварительную оценку экспертов.
Пабло Пикассо и Ольга Хохлова
Спустя некоторое время после смерти Евы у Пикассо завязывается тесная дружба с писателем и художником Жаном Кокто. Именно он приглашает Пабло принять участие в создании декораций к балету Дягилева «Парад». Так, в 1917 году труппа вместе с Пикассо отправляются в Рим, и эта работа возвращает художника к жизни. Именно там, в Риме, Пабло Пикассо знакомится с балериной, полковничьей дочерью Ольгой Хохловой (Пикассо называл её «Коклова»). Выдающейся балериной она не была, ей недоставало «высокого горения» и выступала она преимущественно в кордебалете.
Ей минуло уже 27 лет, не за горами был конец карьеры, и она достаточно легко согласилась оставить сцену ради брака с Пикассо. В 1918 году они обвенчались. Русская балерина делает жизнь Пикассо более буржуазной, пытаясь превратить его в дорогого салонного художника и примерного семьянина. Она не понимала и не признавала кубизма. А так как живопись Пикассо всегда была связана «с музой во плоти», что имелась у него на данный момент, он вынужден был отойти от кубистической стилистики.
В 1921 году у супругов родился сын Паоло (Поль). Стихия отцовства временно захлестнула 40-летнего Пикассо, и он без конца рисовал жену с сыном. Однако рождение сына уже не могло скрепить союз Пикассо и Хохловой, они всё более отдалялись друг от друга. Дом они поделили на две половины: Ольге было запрещено посещать мастерскую мужа, он же не наведывался в её спальни. Будучи женщиной исключительно порядочной, Ольга имела шансы стать доброй матерью семейства и осчастливить какого-нибудь почтенного буржуа, но с Пикассо она «не справилась». Остаток жизни она провела в одиночестве, страдая депрессиями, мучаясь ревностью и злобой, но оставалась законной женой Пикассо до своей смерти от рака в 1955 году.
Фото: Ольга Хохлова и работа Пабло Пикассо, где она изображена «Портрет женщины с горностаевым воротником» (1923)
Портрет Анхеля Фернандеса де Сото
Этот испанский художник был не только коллегой, но и другом Пикассо. Его портрет был написан в 1903 году в разгар «Голубого периода» в творчестве мастера.
У картины есть и другое название – Любитель абсента. Художник на ней находится в темном баре с трубкой в руке, окутанный табачным дымом. Перед ним стоит огромный бокал абсента – символичная деталь, поскольку выпить Анхель любил.
Прежде картиной владел Эндрю Ллойд Уэббер, приобретший ее пятью годами ранее минимум вдвое дешевле. Примечательно, что Ллойд хотел выставить картину на аукцион еще в 2006 году, но с торгов ее сняли в последний момент из-за претензий наследника бывшего владельца, которым был немецкий банкир Пауль фон Мендельсон-Бартольди. Было заявлено, что нацисты похитили полотно во время Второй мировой войны, однако эта информация не подтвердилась.
Стоимость многих работ Пабло Пикассо достигает десятков и даже сотен миллионов долларов. Несколько его картин числятся среди самых дорогих в мире, а одна даже занимает почетное второе место.
Как понять картины Пикассо
А теперь главный вопрос: как же понять работы Пикассо.
Пикассо виртуозно издевался над формой.
Сначала он деликатно вытягивал ее в своём Голубом периоде.
Пабло Пикассо. Две сестры. 1902. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.
Потом осмелел и начал дробить ее в коллажах и кубизме.
Затем надувал женщин, как воздушные шарики.
А ещё разбивал на мелкие осколки и «склеивал» их кое-как.
Пабло Пикассо. Плачущая женщина (Дора Маар). 1937. Музей Пикассо, Париж. Artchive.ru.
Мы недоуменно смотрим на то, как форму и линию искажают и рушат каноны классического искусства. И пытаемся понять, за что же он так!
Но все это Пикассо делал с одной целью. Чтобы показать СУТЬ вещи или человека, а не их ИЗОБРАЖЕНИЕ.
Я попробую это объяснить на примере двух его работ.
1. Груша, 1914.
Пабло Пикассо. Композиция с разрезанной грушей. 1914. Эрмитаж, Санкт-Петербург. Hermitagemuseum.org.
На картине «Натюрморт с разрезанной грушей» мы НЕ видим изображение груши. Но мы видим кусочки холста в крапинку, и мы вспоминаем о подобной текстуре грушевой мякоти. Нежный бежевый и коричневый тоже ассоциируются с грушей. Уже не говоря о характерной дуге.
Все эти обрывки образа груши вызывают у нас не только зрительное воспоминание о груше, но и о ее вкусе, и том, какая она на ощупь.
Художник запускает в нашем мозгу цепочку ассоциаций, и вот ОН – полнокровный образ Груши.
2. Сон, 1932.
Пабло Пикассо. Сон. 1932. Частная коллекция. Ru.wikipedia.org.
Во время изматывающего брака с Ольгой Хохловой Пикассо случайно встретил юную Марию-Терезу.
Он, конечно, писал ее. Лицо в стиле кубизма – показано одновременно с двух точек зрения, и в профиль, и анфас. Это прямое указание на двойственную природу этой женщины.
Пикассо показывает нам, что чувственность и мягкость преобладали в этой женщине. Поэтому в целом образ соткан из плавных и округлых линий.
Но при этом в ней была заложена вторая сторона. Физически она была слегка мужеподобна, с узкими бёдрами и широкими плечами. И эту часть художник нам тоже показывает.
Мария-Тереза вся как бы разделена на две части. Одна часть с приоткрытой грудью, другая – как будто плоская. Одна – розового оттенка, другая – холодного бледно-желтого.
Да и фон двоякий. Слева – мужские полоски, справа – женские цветочки.
Вот такой вот Инь и Янь по-пикассовски.
Андрей Аллахвердов. Пабло Пикассо. 2020. Частное собрание (всю серию портретов художников XIX-XX веков смотрите на сайте allakhverdov.com).
Как мне кажется, у Пикассо получилось показать самую большую фигу Ее Величеству Фотографии. Ведь фотография может передать любое изображение. А вот суть вещи – едва ли. Зато это может Живопись и Пикассо.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
За сколько купили ухо Ван Гога
До сих пор событие в жизни знаменитого художника, случившееся более 100 лет назад, самое обсуждаемое. Ван Гог страдал от галлюцинаций, приступов, часто терял сознание. Во время психической атаки, которая накрыла его после обильных возлияний спиртного, он использовал то ли нож, то ли бритву, но позже ничего вспомнить не мог. По одной из гипотез, Ван Гог поранил левое ухо, когда слишком бурно «обсуждал» с Полем Гогеном идею создания совместной мастерской…
Автопортрет с отрезанным ухом Ван Гог написал вскоре после того, как вернулся из больницы. Повязка на полотне отзеркалена (художник позировал себе, сидя перед зеркалом), поэтому зритель думает, что покалечено правое ухо. Сам факт появления такого полотна означает, что событие с ухом имело особое значение в жизни художника. Ван Гог изобразил себя в своей студии, одетый в пальто и шляпу. Застывшее выражение его лица говорит о том, что он обдумывает свою участь как художника, творца.
Автопортрет Ван Гога
Картину Ван Гога продали на аукционе за 90,1 млн долларов (5,8 млрд рублей), что почти в три раза выше его стартовой цены. Это вторая самая крупная сумма, заплаченная за картину Ван Гога на аукционе.
«Обнаженная, зеленые листья и бюст» (1932): $106,5 млн
Эта самая дорогая работа Пикассо изображает музу и любовницу художника, Мари Терезу Вальтер, в обнаженном виде. Ее бюст – скульптура, которую Пикассо изваял в 1931 году. Художник нарисовал картину за один день, и эта работа представляет собой успешный этап в его карьере. Картина относится к списку самых дорогих предметов, проданных на аукционах.
Пикассо усовершенствовал свои навыки к этому времени и поэтому начал использовать символизм в своем творчестве. В 1952 году коллекционеры купили эту картину за $17 000 и она оставалась в частной коллекции вплоть до 2010 года, когда ее продали на аукционе Кристи за $106,5 млн.
Другие работы художника
Фрейлины (Менины) после Веласкеса
В последние годы жизни Пикассо пишет несколько картин по мотивам работ старых мастеров. Среди них 44 вариации «Фрейлин» Диего Веласкеса. Работа «Фрейлины после Веласкеса» — это очень смелая и крайне оригинальная вариация на милый сюжет. Пикассо сохранил композицию, но при этом трансформировал каждую деталь. Например, гигантский мастиф Веласкеса превратился в маленькую собачку, моделью для которой, возможно послужила одна из собачек Пикассо.
Рыдающая женщина
В 1937 году, во время работы над «Герникой», Пикассо написал несколько картин, изображающих голову рыдающей женщины. Одна из фигур «Герники» представляет рыдающую женщину с ребёнком на руках. На протяжении нескольких месяцев Пикассо разрабатывал эту тему, создав 17 работ, исполненных в различной технике. В том числе — четыре картины маслом. Последняя из них явилась кульминацией одного из самых плодотворных периодов в жизни художника.
Герника
Пикассо получил от правительства Испании заказ на большую картину для национального павильона на Международной выставке. Художник не приступал к работе до тех пор, пока не услышал о бомбардировке города Герники немецкими союзниками. Пикассо никогда не был в Гернике, но известие об убийствах мирных граждан разгневало и ужаснуло Пикассо. Картина написана маслом в чёрно-белых тонах и этим напоминает монохромную хронику страшных событий.
Обнажённая женщина в красном кресле
На этом портрете изображена Мари-Терез Вальтер, которую Пикассо любил, как едва ли кого-нибудь ещё в своей жизни. Они познакомились в 1927 году, когда первый брак Пикассо фактически развалился. Его связь с 17-летней Мари-Терез была на редкость бурной и чувственной, поэтому Пикассо с таким восторгом рисует её прекрасное юное тело, подчёркивая его изгибы.
Дора Маар с кошкой
«Дора Маар с кошкой». У художника с Дорой Маар сложились яркие, страстные отношения длиной в десять лет, она была его музой неоднократно. Дору нельзя назвать нежной и хрупкой, ее женственность заключается в загадочности, силе, необычайной энергии. Эту энергию выплеснул художник на эту, пожалуй, самую узнаваемую картину Пикассо. Дама в шляпке и острыми синими ногтями невольно вызывает ассоциации с представителями семейства кошачьих, от нее веет независимостью, непокорным нравом. Лицо, изображенное одновременно и в профиль, и анфас с деформированными носом, ртом и глазами, нельзя назвать красивым, но сложно забыть. Изображение маленькой черной кошки на плече женщины лишь подчеркивает яркость характера, некую агрессивность Доры Маар.
Леонардо да Винчи «Спаситель мира» или самая дорогая картина планеты
Спаситель мира
Лидером продаж является «Спаситель мира» Леонардо да Винчи. Ученые предполагают, что мастер написал шедевр в конце 1490 года. Стоимость картины 450 312 000 долларов США.
- Судьба шедевра до 1958 года неизвестна. Считают, что полотно принадлежало французскому двору в пору правления Людовика XII.
- Но не это главное, а то, что в 1958 году картину продали на аукционе за 60 долларов! Эксперты посчитали ее подделкой и буквально «столкнули за бесценок».
- Истинная ценность открылась в 2011 году. Картину выкупил миллионер Д. Рыболовов за 127,5 долларов США.
- Через несколько лет владелец выставил шедевр на аукционе Сотбис. Стартовая цена составила 100 млн. долларов США, за несколько минут стоимость подскочила до 450 млн. долларов США.
- Новый владелец – принц Саудовской Аравии. Он действовал от лица страны, полотно считалось национальным достоянием.
- После продажи шедевр поместили в «Лувр Абу-Даби», а в 2019 году сообщили о его пропаже. Конечно, картину обнаружили, но уже на яхте принца.
Сегодня шедевр выставлен в одном из музеев страны.
Часто задаваемые вопросы
А как же «Мона Лиза», почему ее нет в списке самых дорогих? Эта картина принадлежит музею и не продавалась с торгов. В ТОП приведены полотна, которые перешли в руки частных владельцев.
Самый дорогой рисунок
Рисунок Рафаэля Санти «Голова молодого апостола» установил рекорд как самый дорогой рисунок в истории искусства. Выполненный черным мелом, этот необычный рисунок, своеобразное фото, датируется примерно 1519 г. и представляет собой эскиз головы одной из фигур для картины Рафаэля «Преображение».
Считается, что рисунок около 300 лет назад купил Уильям Кавендиш, второй герцог Девонширский
В 2012 г. рисунок итальянского художника Раффаэлло Санцио да Урбино «Голова молодого апостола» был продан на аукционе почти за 48 млн долларов (3,11 млрд рублей), что оказалось в два раза больше стартовой цены шедевра.
БИОГРАФИЯ ПАБЛО ПИКАССО
Он родился в 1881 году. Пабло взял фамилию матери, поскольку фамилия отца – Руис – была очень обыденной, к тому же отец будущего художника и сам был художником, и Пабло было у кого учиться.
В детстве отец разрешал Пабло заканчивать за него работы – например, дорисовывать лапки голубей. Однажды, когда Пабло выпал случай выполнить более масштабную работу, Хосе Руис был поражён его техникой, причем, как гласит одна из легенд о Пикассо, поражён настолько, что с этого дня сам бросил заниматься живописью.
Уже в 16 лет Пабло отправился в Мадрид, в лучшую на то время художественную школу. Проучился он там недолго, хотя успел поразить и соучеников, и преподавателей своим мастерством. Значительно сильнее он заинтересовался различными сторонами жизни большого города, а также с головой погрузился в творчество интересных ему художников – Диего Веласкеса, Франсиско Гойи, а особенно Эль Греко.
Пикассо прожил очень долгую жизнь, никогда не переставая творить. За почти вековую жизнь он пережил множество творческих перемен, романтичных встреч с женщинами, сменил с десяток шикарных домов и умер мультимиллионером.
ТВОРЧЕСТВО ПАБЛО ПИКАССО
«Блестящий талант» — так охарактеризовали подростка в Мадридской Академии изящных искусств. Однако Пабло вскоре объявил родителям, что там царит сплошной консерватизм и ничему новому он не научится. В 15 лет молодой художник создал глубокое по содержанию произведение – «Знание и милосердие». Картина получила золотую медаль, а в кафе «Четыре кота» прошла первая персональная выставка Пабло.
В 1900 году Пикассо посетил Париж и заболел им. Через четыре года он перебрался туда жить. «Склонившийся Арлекин», «Любительница абсента». Художник убирает из композиций всё лишнее, великолепно передавая эмоциональное состояние героев. Постепенно многоцветность уходит из картин Пикассо, уступая место пронзительному голубому цвету. Произведения наполняет чувство тоски и одиночества, которые сродни настроениям самого живописца.
«Розовый» период отражает увлечение Пабло цирком. Арлекины и уличные гимнасты – его излюбленные персонажи. Миниатюрная гимнастка хочет удержать равновесие, стоя на крутящемся шаре; она впечатлена своими успехами, показывая сидящему рядом мужчине свою ловкость и грацию («Девочка на шаре»). Картина обладает поистине магическим свойством: из неё нельзя исключить ни одну деталь – иначе вся композиция рассыплется.
Соединение геометрических предметов и человеческих фигур. В 1906 году манера художника резко изменилась. В «Авиньонских девицах» мастер создал совершенно новую реальность, построив фигуры из геометрических объёмов, изломанных острыми углами. Публика и друзья Пикассо были шокированы. Однако именно эту работу назовут важным шагом на пути к кубизму. Изобразительное эсперанто, так называют этот жанр, развивалось поэтапно.
Для «сезанновского» этапа характерны серые, коричневые и зеленые тона («Женщина с веером»), а изображение построено на сопоставлении геометрических фигур. «Аналитический» кубизм буквально «дробит» образ на части. Полотно напоминает осколки разбитого стекла, хранящие отражение человека («Портрет Амбруаза Воллара»). Декоративностью и контрастностью отличается «синтетический» кубизм («Скрипка и гитара»). Несмотря на неприятие зрителями большинства идей Пикассо, его картины хорошо продавались.
В 1917 году художник решил попробовать свои силы на новом поприще, создавая декорации и костюмы к спектаклям Дягилевского балета в Париже. Ольга Хохлова танцевала в кордебалете, имела гордую осанку, была аристократически утончённа и неприступна («Портрет Ольги в кресле»). Страстно влюблённый, Пабло венчался с любимой. Ольга стремилась сделать богемного супруга более изысканным. Однако вскоре оказалось, что они абсолютно разные люди. Гибнущие отношения не спасло даже рождение сына.
Ну а с 1927 года на полотнах художника стал появляться образ светловолосой женщины («Сон»). Увлечение Мари-Терез Вальтер совпало с попытками высказаться в сюрреалистической манере. Скандалы в семье и ссоры с Мари-Терез – этот гордиев узел Пикассо разрубил одним махом, оставив обеих женщин.
Интеллектуальной отдушиной для художника выступила авангардный фотограф Дора Маар. Она отсняла весь процесс создания знаменитого триптиха «Герника» — отклика мастера на события военного времени. Дора стала на долгие годы главной моделью Пикассо. Настоящую радость жизни познал Пабло с юной художницей Франсуазой Жилло («Радость жизни»). Самостоятельная и свободолюбивая, она подарила художнику сына Клода и дочь Палому, но не смогла быть с ним вместе.
Последняя спутница и вторая официальная супруга мэтра – Жаклин Рок называла его «монсеньор» и целовала руки. Одно из лучших произведений позднего творчества Пикассо – «Поцелуй». В нём всё преувеличенно большое. Женщина прильнула к любимому мужчине с доверчивой преданностью, всматриваясь в дорогие для неё черты.
Самые дорогие картины Клода Моне
Стога сена — 110.7 млн
Удивительно, но самой дорогой работой Моне в 2020 году считается не один из его пейзажей с кувшинками, а «Стога сена».
По словам Августа Урби, главы отдела импрессионизма и современного искусства «Сотбис», в этом нет ничего удивительного: «Стога…» оказали влияние на гораздо большее количество художников, чем публика догадывается. Отсюда и итоговая цена в $110 с лишним миллиона, включая комиссию, на аукционе 2019 года. Новый владелец картины пожелал остаться неизвестным.
Стога сенаКлод Моне
Статус «Стогов…» еще несколько десятков лет назад был поскромнее. В 1986 году предыдущий владелец полотна купил его за $2,5 миллиона — что на 44% дешевле ее нынешней стоимости.
Кувшинки в цвету — 84,7 млн
Обожаемые Клодом Моне кувшинки воплощают его фирменный, сразу узнаваемый стиль, за который коллекционеры и инвесторы готовы платить целое состояние. «Кувшинки в цвету» долгое время хранились в нью-йоркских арт-закромах Пегги и Дэвида Рокфеллеров, часть которых попала на распродажу 2018 года.
Кувшинки в цветуКлод Моне
Торги за «Кувшинки…», организованные домом «Кристис», продлились 10 с лишним минут, которые дилер Юсси Пильккянен назвал «теннисным матчем на пять ракеток» (по числу участников). Решающий удар нанесла Чин Ли-Коэн, заместитель председателя «Кристис», выигравшая торги от лица анонимного покупателя.
Стог сена, 1891 — 81,4 млн
Клод Моне считал серию картин «Стога сена» одной из самых непростых в своей карьере — а в мире искусства такая оценка от творца значительно поднимает стоимость его работ. К тому же, «Стог сена» был завершающим полотном в серии из 25 пейзажей, и это тоже повлияло на экспертную оценку и интерес инвесторов.
Стог сенаКлод Моне
Прежде чем попасть на манхэттенские торги «Кристис» 2016 года, «Стог…» оценивался в $45 миллионов. Четырнадцать минут спустя цифра изменилась на $81,4 миллиона, предложенные анонимным покупателем, и стала решающей.
Пруд с кувшинками, 1919 — 80,5 млн
Легендарный «Пруд с кувшинками» Моне создавал на пороге 80-летия, будучи почти полностью слепым от катаракты — и итоговая работа все равно поражает красотой и живостью. Пейзаж в последний раз продавался на лондонском аукционе «Сотбис» в 2008 году. С тех пор его никто не видел.
Пруд с кувшинкамиКлод Моне
Рекордную на тот момент сумму для европейского произведения искусства (и для работ Моне в целом) заплатил анонимный покупатель, забравший полотно в частную коллекцию. За последние 82 года «Пруд с кувшинками» был продемонстрирован публике всего лишь раз — на том самом аукционе.
Водяные лилии, 1906 — 54 млн
Пейзаж «Водяные лилии» считается одним из самых узнаваемых полотен великого импрессиониста. Оно было скрыто от публики более 60-ти лет — пока предыдущий владелец, французский коллекционер Поль Дюран-Руель, не решили его продать.
Аукцион состоялся в 2019 году в «Сотбис». Сумму в $54 миллиона заплатил неизвестный покупатель, поспешивший вновь спрятать картину от публики.