НАШИ ЛЮДИ
JWoww Живопись
американская художница
JR (художник) Живопись
это флайпостинг больших черно-белых изображений в публичных местах, в манере освоения антропогенной среды граффити-художниками
Alva Noto Живопись
сценическое имя звукового художника Карстена Николая , работающего в стилях экспериментальной электронной музыки , одного из основателей лейбла raster-noton
Яшке, Владимир Евгеньевич Живопись
российский художник и поэт
Яшвиль, Наталья Григорьевна Живопись
русская художница и общественная деятельница
Яхилевич, Михаил Фритиофович Живопись
российский и израильский художник, дизайнер, художник сцены
Ясуи, Сотаро Живопись
японский художник
Ясновский, Фёдор Иванович Живопись
русский художник-пейзажист, мастер акварели
Сто видов Фудзи
Далее, изначально задумав как продолжение указанной выше серии, в 1834-1835 гг. Кацусика Хокусай издает еще три альбома – серию еще одних собственных гравюр «Сто видов Фудзи» (富嶽百景/ Fugaku Hiyaku-kei) . Гравюры «Сто видов Фудзи» схожи тематически с предыдущей монументальной серией, но в тоже время принципиально отличаются от нее. И не только тем, что эта серия выполнена монохромно (черные, серые, белые тона и полутона), а прежде всего и новым прочтением и взглядам на саму природу, её величие и одновременную близость человеческому бытию
Также отметим, большое внимание к деталям, новый взгляд на композицию и новые мотивы в изображении самой Фудзи-сан, эмоциальность. Монохромной техникой исполнения, едва уловимыми полутонами Кацусика Хокусай словно смог передать нам настроение горы и всю глубину её очарования и загадки
Суримоно
(слева направо) ЯСИМА ГАКУТЭЙ (1786 (?) — 1868) Дзюродзин. 1825 (?), Цветная ксилография Из серии «Уподобление семи богам счастья» КАЦУСИКА ХОКУСАЙ 1760 (?) — 1849) ( Три фигуры перед расписной ширмой. 1799–1808, Цветная ксилография Стихи Номити Кисандзи: Вместе с Дайкоку Куртизанка, прекрасная словно Бэнтэн, Гуляет В храме Эбису. Весенний день.
Единственные подлинно художественные гравюры, не контролируемые цензурой, были суримоно. Великолепные укиё-э, которые являлись предметом частных заказов и никогда не предназначались для продажи, а были посланием, подарком, выраженным с помощью изображения, текста (чаще всего в форме стихов) и каллиграфии. Использовались самые мягкие материалы, самые великолепные красители, самые изощренные методы гофрировки, полутонов цветов и, без счета — золотой порошок и деньги для реализации этих произведений великой красоты.
Каванабэ Киёсай (1831-1889)
Они должны были восхищать, как все другие гравюры, их держали слегка согнутыми в руках, для того, чтобы дать почувствовать изысканность цветов и сияющие части.
Потомство
Признание на западе
Его манга делает его известным на Западе так же, как и виды на гору Фудзи . Том VI даже поступил в коллекции Национальной библиотеки с 1843 года , и французские критики и коллекционеры, Филипп Бурти , Теодор Дюре или даже Эдмон де Гонкур , были в восторге от этого «художника с такими манерами, как никто», «этого обилия изображений, этого лавина рисунков, этот разврат набросков, эти тысячи лихорадочных репродукций того, что есть на земле, в небе, под водой »(Э. де Гонкур).
На обложке партитуры « Мер» ( ) Клода Дебюсси воспроизводится, в частности, « Волна» Хокусая.
Музеи и выставки
Хокусай-кан (北 斎 館? ) Существует с 1976 года в Обусе , префектура Нагано .
Музей Сумида Хокусай (す み だ 北 斎 子, Sumida Hokusai bijutsukan ? ) Открыт22 ноября 2016 г., недалеко от станции Ryōgoku ( Токио ) и, следовательно, Kokugikan , музея Эдо-Токио и Tokyo Skytree . Здание было спроектировано Кадзуё Седзима ( SANAA ). На момент открытия собрание музея насчитывало 1500 работ.
Основная выставка, представляя 500 работ в двух частях, была проведена в Париже в Grand Palais его1 — го октября 2014 в 18 января 2015 г.. Большая часть выставленных работ является частью нового музея Сумида Хокусая. Эта выставка была номинирована на Globes de Cristal в 2015 году в категории «Лучшая выставка».
Гравюры не сразу стали гравюрами
Гравюра, или ксилография, была известна в Японии уже давно, однако раньше использовалась обычно для запечатления религиозных текстов, и лишь в XVII веке, стала использоваться и для массовой литературы. В большом ходу оказались издания с иллюстрациями — они выглядели эстетичнее. Со временем картинок в книжках становилось всё больше, текста всё меньше, это пользовалось спросом, что натолкнуло на идею издания просто картинок уже совсем без текста. Изначально они продавались в альбомах по 12 штук, а потом и поштучно.
Цукиока Сэттэй, разворот «Исэ-моногатари» с иллюстрацией, 1756 г.
Известные художники
На гравюрах изображено было то, что занимало умы народа в те времена. В основном это были сцены из театра Кабуки, бои сумо и портреты известных куртизанок. И лишь Кацусика Хокусай уже позднее придумал рисовать пейзажи.
Китагава Утамаро
В 18 лет поступив в художественную школу Кано, считающуюся эталонной школой в те времена, Утамаро практиковался в иллюстрировании книг и эротике и лишь к сорока годам выработал свой собственный стиль. Именно ему принадлежат известные гравюры жанра Бидзин-э, такие как «Десять типов женских лиц» и «Десять форм женского лица».
Китагава Утамаро, из серии «Десять типов женских лиц», 1791—1792 гг.
Согласно Реформам Кансэй, изданным в тот же период и затрагивающим цензуру, изображение других женщин, кроме как куртизанок, на гравюрах запрещалось. Утамаро не поддерживал этот запрет, считая гравюры произведением искусства, и всячески старался обходить это ограничение, ребусами подписывая на картине имена девушек или подрисовывая что-то, намекающее на имя…
За такие шалости Утамаро был наказан заключением на 50 дней в наручники (чтобы он не мог рисовать). Это сильно подорвало творческий дух художника, и уже до конца своих дней он писал мало. Через два года года Утамаро скончался.
Утагава (Андо) Хиросигэ
Хиросигэ родился в семье пожарного и уже в 12 лет унаследовал семейное дело, поэтому сначала у него было мало времени на рисование. Однако в 17 лет Хиросигэ ушёл в отставку и полностью посвятил себя живописи.
Утагава Хиросигэ, «Мост Нихомбаси», 1833 г.
С молодости практикуясь в иллюстрациях к книгам, Хиросигэ стал популярным после издания своей серии гравюр «53 станции Токайдо». Его кисти принадлежат и известные «100 видов Эдо», которые оказали большое влияние на Ван Гога и других импрессионистов.
В. Ван Гог «Оливковкая роща», 1889 г.
Утагава Хиросигэ «Пляж Майко в провинции Харима», 1853 г.
Цукиока Ёситоси
Можно сказать, этот художник закрыл эпоху укиё-э: его творчество относят к позднему периоду, 1854—1890 гг.
Ёситоси начал рисовать уже в 15 лет, а известность получил за серию гравюр «Сто японских и китайских историй», в которой обращается к мифологическим сюжетам обеих стран.
Цукиока Ёситоси «Момотаро сеет зёрна», вторая половина XIX в.
В 1860-е годы Ёситоси начал писать картины с очень жестоким содержанием. Такие идеи вызвала смерть отца Ёситоси, а также беззаконие и насилие, царившие в Японии в то время (в связи с падением сёгуната Токугава и усиленным давлением Запада). Его гравюры детально изображают сцены убийств и пыток.
Цукиока Ёситоси «28 убийств со стихами», 1866—1867 гг.
В конце своей жизни Ёситоси страдал от психических расстройств, из-за которых и умер в 1892 году. Таким образом завершение эпохи укиё-э оказалось довольно своеобразным.
Сейчас очень много мастеров продолжают писать в стиле укиё-э или же восстанавливают старые произведения искусства. Несмотря на то, что стилю живописи несколько сотен лет, создание укиё-э до сих пор живо, и гравюры наверняка останутся визитной карточкой Японии на долгое время.
Анна Пушакова «Япония: введение в культуру и искусство»
Институт востоковедения РАН «История Японии», 1998
Второй период: создание стиля “Суримон”
Уход из художественной школы стал переломным в деятельности Кацусика Хокусая. В этот период жизни он столкнулся со многими трудностями, связанными с нехваткой денег. Художник занимался мелкой торговлей, был извозчиком и продолжал совершенствовать свои навыки. Одновременно ходил на уроки в несколько школ, что позволило ему отточить свои навыки до идеала. Был первым японским художником, который применял европейскую перспективу в своих работах.
Суть “Суримона” заключается в специфическом изображении ксилографии и игре цветов. В основном они служили как подарочные открытки, но покупали их только богатые феодалы или зажиточные крестьяне. В картинах могло изображаться все, что угодно, начиная от бытовых и семейных сцен и заканчивая демонстрацией мифических историй.
В работе Кацусика Хокусая “Сон жены рыбака” появляются новые философские идеи, которые ранее не использовались в работах его современников. После этой картины у художника начали выходить новые сюжеты, основанные на этой истории. “Сон жены рыбака” Кацусика Хокусая – это приквел к последующим работам этого жанра. Картина повлияла на многих художников нескольких поколений. Существуют разные интерпретации этой работы у Пабло Пикассо, Фернана Кнопфа, Огюста Родена и других известных художников.
История развития
С японского название направления переводится как «плывущий мир». Изначально слово «укиё» применялось в буддизме и представляло бренность бытия и повседневную печаль, а с приходом в Японию периода Эдо смысл этого слова обрел совершенно иной смысл. Данная Эпоха принесла в страну множество социальных изменений: так, например, в городах появились специально отведенные места, в которых располагались театры Кабуки, появлялись публичные дома. Тогда слово «укиё» стало обозначать мимолетное наслаждение.
Молодая пара у водопада. Хисикава Моронобу
Одним из основателей укиё-э считается известный японский художник Хисикава Моронобу. Стиль укиё-э представляет собой гравюры, выполненные на дереве.
Изначально гравюры были монохромными, так как при их создании использовалась лишь черная тушь. Спустя пару столетий художники данного направления стали добавлять гравюрам выразительности, раскрашивая их цветными красками. В то же время Судзуки Харунобу разработал метод многоразовой печати для создания нисики-э, что переводится как «парчовые картины». Массовое производство гравюр сделало их доступными для покупки многим жителям Японии, которые до того времени не могли позволить себе такую роскошь, как покупка картин.
Красная Фудзи. Кацусика Хокусай.
Развитие Хокусая как самостоятельного мастера
Серьезная практика в живописи началась у юноши, когда он стал подмастерьем гравёра. Трудолюбие Хокусая приносило свои плоды, он совершенствовал свое мастерство и к 19-ти годам смог стать учеником известного в Японии мастера-художника Кацукавы Сюнсё.
Токитаро, который успел сменить свой псевдоним Тэцудзо на Кёкуро, стал теперь Сюнро. Такой псевдоним не случаен, он сложен из двух имен. Частичку «Сюн» юноша взял от имени своего нового и почитаемого учителя, а «Ро» осталась от предыдущего имени, то есть Кёкуро.
Мастер Кацукава Сюнсё получил свою известность благодаря изображениям театральных актеров японского национального театра кабуки. Мастерская Сюнсё по тогдашним меркам была самой крупной в городе Эдо. Учиться там, без сомнений, считалось престижно.
К.Хокусай «Бухта Эдзири в провинции Сунсю», 1830-33 годыМестонахождение: Британский музей, Лондон, Великобритания
Уровень мастерства, который можно было приобрести в этом заведении нельзя переоценить. В период обучения там Сюнро создает прекрасную серию портретов актеров кабуки.
Он хотел получать больше знаний об искусстве, желал творить в разных техниках, помимо преподаваемой в мастерской технике укиё-э, изучал самостоятельно и другие.
Юноша изучал китайскую традиционную технику школы Кано, японские техники школ Ямато-э, Римпа и Тоса, изучал он и европейскую школу живописи.
К. Хокусай «Мост у храма Камэйдо» Тэндзин, 1834 годМестонахождение: Музей изобразительных искусств, Страсбург, Франция
Благодаря плодотворному изучению разных техник, Хокусай смог выработать свой собственный уникальный стиль. В 1790-х годах художник, уже превзошедший в мастерстве своего учителя, трудится над иллюстрированием книг.
Молодой человек создает иллюстрации на исторические темы из жизни родной страны и Китая. Кстати сказать, китайский язык, как и грамоту, он выучил, когда работал в книжной лавке.
К 36-ти годам художник берет свой знаменитый псевдоним Хокусай. Имя само по себе интересно, так как переводиться с японских иероглифов как «Студия полярной звезды». Тематика звезд, а именно Большой Медведицы, в созвездие которой входит Полярная звезда, будет периодически появляться в творчестве мастера.
Из творчества художника очень популярными становятся традиционные японские поздравительные гравюры – суримоно. Ажиотаж, связанный с суримоно Хокусая, вызывает у других художников желание подражать ему.
К. Хокусай «Суруга-тё в Эдо», ок.1831 годаМестонахождение: Художественный музей Фудзи, Токио, Япония
Начинал мастер с изображения традиционных суримоно, затем он перешел к собственному стилю в этом виде искусства. У Хокусая было своё видение, во всех его картинах чувствуется индивидуальность. Ему удается создавать неповторимые достоверные пейзажи, изображать людей на своих полотнах как живых.
В 1839 году случился большой пожар в мастерской Хокусая, многие его работы погибли в огне. К счастью для любителей искусства, этот художник не мог не рисовать, он делал это везде и постоянно.
Постепенно мастер вновь наполнил мастерскую своими картинами. Стоит сказать о нем и то, что был он ещё мастером литературного дела, слыл поэтом и писателем.
К каждой из своих суримоно Хокусай сам пишет поздравительные стихи. В дальнейшем, в Японии появилась традиция коллекционировать эти суримоно.
У Кацусики было две жены, что удивительно, от каждой из них у него осталось по одному сыну и по две дочери. Первая дочь Хокусая от второго брака по имени Ои пошла по стопам отца, они занималась рисованием вместе с отцом до самой его смерти. Художник пережил обеих своих жен и некоторых детей.
К.Хокусай «Панорама реки Сумида» (фрагмент свитка, мост Рёгоку)Местонахождение: Музей Хокусай-Сумида, Токио, Япония
Техника изготовления
Перед подробным описанием стоит рассказать о сэндзяфуда (千社札) — памятках о паломничестве.
Это бумажные таблички, на которых паломник писал своё имя и приклеивал на ворота при посещении синтоистского храма на память. Технология их изготовления была такая же, как и у перенявших её позднее гравюр.
Эскиз. Контуры картины наносились на черновик, затем на тончайшую бумагу.
Резка. Бумага прикладывалась или приклеивалась к деревянной основе…
…затем прямо по рисунку вырезалась уже на дереве: излишки убирались, контуры оставались.
Это была самая сложная часть работы. Количество деревянных копий зависело от количества цветов на картине.
Покраска шаблона. После окончания резки деревянных копий нужные места в них красились определённым цветом, каждый цвет — на своём деревянном шаблоне.
Печать картины. Далее к окрашенному дереву прикладывалась бумага, на которую наносили картину уже для продажи. Лист прикладывали по очереди к каждому шаблону, и таким образом он постепенно становился многоцветным
Очень важно было помещать бумагу всегда в одно место, чтобы цвета не выезжали за контуры. Бывало, дерево раздувалось от влаги и температуры, и бумага съезжала
Тогда мастер подравнивал его специальным долотом.
Знаковые гравюры укиё-э
«Большая волна в Канагаве» Кацусики Хокусая — один из наиболее тиражируемых образов изобразительного искусства, который можно встретить в самых неожиданных ипостасях: начиная с логотипов, уличных скульптур и заканчивая обложкой первого издания симфонического произведения «Море» Клода Дебюсси (1905). «Три красавицы наших дней» Китагавы Утамаро — гравюра Меццо-тинто (ещё одно название – «чёрная манера») – процесс создания гравюр на металле, относящийся к группе техник глубокой печати. При этом – в отличие от офорта – здесь изображение образуют не линии, а тонкие градации света и тени. Отсюда и название, в переводе с итальянского означающее «полутона». Мастер не создаёт углубления – линии и точки – а выглаживает светлые участки на шероховатой поверхности доски. Читать дальше Процесс создания акватинты похож на офорт, но эта техника позволяет получить богатые тональные и фактурные эффекты, схожие с рисунком водной краской – акварелью (отсюда и название «акватинта»). Именно с этим и связана популярность этого вида глубокой печати, возникшего в конце XVIII века. Читать дальше Литография наряду с монотипией относится к группе техник плоской печати, но на этом их сходство практически заканчивается. Литография появилась в 1796-м или 1798 году, благодаря Иоганну Алоизу Зенефельдеру, типографу из Мюнхена. Изначально отпечаток снимался с рисунка на каменной – обычно известняковой – плите, откуда и пошло название этого способа (от др.-греч. λίθος «камень» + γράφω «пишу, рисую»). Ныне вместо литографского камня используются цинковые или алюминиевые пластины, которые легче обрабатывать. Читать дальше , сохранившая для вечности лики самых популярных девушек во всем Эдо на момент ее написания — О-Киту, О-Хису и Томимото.
И, конечно же, «Цветущий сливовый сад в Камейдо» и «Внезапный ливень над мостом Охаси в Атакэ» Хиросигэ, которые покажутся до боли знакомыми поклонникам творчества Винсента Ван Гога, перерисовавшего их (на свой, естественно, манер) на волне увлечения японской ксилографией.
Переходите на страницы каждой из четырех работ — и читайте истории их создания и бытования в искусстве.
«Большая Волна» в России
Да, «Большую волну» вы можете найти и в музее Метрополитен, и в Британском музее. И даже… в Пушкинском музее Москвы!
Кацусика Хокусай. Фудзи в морских волнах Канагава. 1830-1832. Пушкинский музей в Москве. Japaneseprints.ru
Все это экземпляры напечатаны ещё в XIX веке. И цена каждого из них достигает нескольких миллионов долларов! Несмотря на то, что изображение не единственное.
Кстати, в Пушкинском музее вы также можете найти более раннюю работу Хокусая с волнами и лодками.
Кацусика Хокусай. Лодки в волнах. 1800. Цветная ксилография. Пушкинский музей в Москве. Japaneseprints.ru.
Идею создания этого образа художник вынашивал очень долго. Это в том числе позволило в 1830 году сделать его настолько выразительным.
Но главное — «Большая волна» стала символом объединения западной и восточной культур. Ведь она создана комбинированным живописным языком.
А ещё она доказывает, что даже самое обыкновенное изображение, когда-то проданное как сувенир за два гроша, может войти в историю мирового искусства.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
О просветленном состоянии творчества
Кацусика Хокусай прошел сложный жизненный и творческий путь, знал, что такое голод, бедность и лишения. Но через тернии всегда продолжал идти своею дорогою, не желая потакать вкусам публики и вызывая непонимание со стороны коллег по мастерской. Он усердно прокладывал путь к собственному художественному стилю и просветленному состоянию творчества.
Возможно, лучше всего презентуют художника его собственные слова, написанные им в предисловии к работе «100 видов Фудзи»:
«С шести лет я любил изображать различные формы вещей. Я стал художником и с пятидесяти лет мои картины стали часто публиковаться и добились некоторой популярности. Но ничего из того, что я рисовал до 70 лет не достойно внимания. В семьдесят три я стал способен понять рост растений и деревьев, строение птиц, животных, насекомых и рыб. Я буду стараться и дальше, и, когда достигну восьмидесяти, я надеюсь достичь большого прогресса, так чтобы в девяносто увидеть самую суть, лежащую в основе всех вещей. Так, что когда мне будет сто лет, я достигну просветленного состояния своего творчества, и тогда в сто десять, сто тридцать, а может и более лет, каждая точка и каждая строчка будет как живая мысль».
Большое влияние творчество Кацусика Хокусая оказало и на европейских художников XIX века, особенно оно проявилось в стиле ар-нуво в Германии и в импрессионизме. Мотивы работ Хокусая присутствуют в живописи французских художников Клода Моне (основатель импрессионизма) и Пьера Огюста Ренуара. Гравюрами Хокусая интересовались также Эдгар Дега, Гоген, Мане, Ван Гог, Франц Марк.
Творческие достижения гениального японского художника Кацусика Хокусая – жемчужина не только культуры и искусства Японского архипелага, но неотъемлемая часть всемирного культурного наследия.
(в приложении ниже: фото и два видео)
Рождение японских гравюр укиё-э
Когда в 1603 году сёгун Токугава Иэясу (1542-1616) решил основать новую административную столицу в болотистом местечке, именуемом Эдо (в настоящее время — Токио), оно незамедлительно начало меняться и превратилось в большой город, соперничающий с Киото, столицей императора. В период Эдо правительство сёгуна установило систему, которая обязывала феодалов даймё служить сёгуну в городе Эдо в течение определенного периода. По возвращении в свои земли феодалы оставляли супругу и детей в столице на постоянное проживание, превращая их в заложников властей. Эти регламентированные перемещения были очень дорогостоящими. Феодалы быстро влезали в долги и им приходилось идти к купцам, чтобы одолжить денег. Купцы и ремесленники легко обогащались и хотели жить удобно и развлекаться. Они не замедлили навязать обществу свои вкусы в области искусства, литературы, театра и спектаклей всех жанров.
Именно в этом контексте родилась японская гравюра укиё-э. Вначале ксилография, завезенная из Китая, использовалась, чтобы печатать и иллюстрировать буддийские тексты. Новый виток ее популярности пришелся на XVII век, когда художник Хисикава Моронобу (? ~1694）применил эту технику в 1660 г., чтобы печатать гравюры на отделенных листах. Эти первые гравюры, сумидзури-э (墨摺絵), были напечатаны черно-белой тушью на японской бумаге. Искусству Суми-э — японской монохромной живописи посвящена наша отдельная статья.
Но покупатели желали раскрашенных гравюр, и скоро те окрасились в оранжевый цвет с помощью краски тан(丹), составленной из серы и ртути. В XVIII веке к этим гравюрам, названным тан-э (丹絵), добавились гравюры бэни-э (紅絵), демонстрировавшие более полный красный цвет, полученный с помощью дикого шафрана, а также черные лаковые гравюры уруси-э (漆絵).
Судзуки Харунобу “Мальчик на лошадке”, 1765-1770. Музей Хаги Урагами
К середине XVIII века ремесленники начали печатать двух- или трехцветные гравюры. Они получили название бэнидзури-э (紅摺絵) и ознаменовали фундаментальное достижение в области гравюр, которое в 1765 г. привело к созданию художником Судзуки Харунобу (1725-1770) ксилографических полихромных гравюр, названных «парчовыми картинками» (нисики-э, 錦絵).
Если первые полностью полихромные гравюры были дорогостоящими, то очень быстро их цена опустилась и скоро больше не превышала цену пиалы лапши. Гравюра укиё-э– плод коллективного труда, когда издатель, который заказывает рисунок у художника (любой рисунок выполнялся кистью и тушью), отдает на цензуру, а затем передает граверу и печатнику.
Проданные в специализированных лавках (эдзосия) или уличными торговцами, гравюры просто скручивались и вручались заказчику, как это делается сегодня с плакатами.
Легкость сделала их особо подходящим подарком среди провинциалов, которые отправлялись в столицу, или среди тех, кто путешествовал в провинцию. Японские гравюры познали успех, который длился до прихода фотографии в XIX веке.
Техника
Для создания одной гравюры необходима командная работа нескольких специалистов, и не всегда главный герой процесса – художник. Задача мастера – тушью на прозрачной бумаге сделать набросок, который затем передается резчикам для воплощения на дереве. Мастерство резчика (или команды) полностью определяло результат процесса.
Для создания печатных форм использовали продольно разрезанные деревянные поверхности. Обычно применяли самшит, вишню, грушу. Вырезать на них нарисованное художником непросто, поэтому некоторые резчики выбирали себе отдельные элементы, на которых специализировались. Самый умелый из команды брался за лицо – его создание сопряжено с особенными трудностями. Сложно не только передать выражение, но и воспроизвести прическу, ведь каждый волос вырезался отдельно. Менее опытные и талантливые резчики занимались одеждой, а подмастерьям доставались простейшие детали.
Укиё-э
Следующим в работу вступал печатник. Художник сообщал, как необходимо окрасить рисунок. По этим инструкциям смешивали природные пигменты до достижения нужного результата. Перед переносом изображения бумагу слегка увлажняли. Готовую гравюру могли дополнить стихами – художника или постороннего человека.
Заключительный шаг процесса – получение печати цензора. Он проверял, удовлетворяет ли гравюра законам и требованиям. В прошлом запрещалось изображать на увеселительных предметах военных, государственных мужей, делать иллюстрации к историческим событиям или тому, что происходило в государстве в текущий момент времени.
Готовая гравюра поступала издателю. От него зависело, придет ли к славе художник. Издатель мог вывести человека в люди; в свою очередь, штат мастеров издателя определял качество изготавливаемых гравюр, а значит, то, как удачно будут перенесены картины художников на отпечатки. Самый известный издатель – Цутая Дзюдзабуро. Именно благодаря ему пришли к славе Кацусика Хокусай и Китагава Утамаро.
Гравюры прошлого