Как на нас воздействует искусство
Обратимся ко второму вопросу. Как на нас влияет искусство? Очевидно, оно положительно воздействует на наше психическое здоровье, делает нас более чуткими, повышает уровень эмпатии.
Несмотря на то что восприятие искусства не является биологической потребностью, оно важно для развития и процветания человека. Во-первых, искусство может рассматриваться как способ абстрагироваться от неприятных событий
Аристотель считал, что трагедии действуют на нас через катарсис — они вызывают боль и страх, после чего наступает облегчение, — а арт-терапевты используют искусство, чтобы помочь людям справиться с различными травмами. Но есть противоположный способ воздействия на нас искусства — побег. Когда искусство позволяет нам убежать от действительности, оно переносит нас из повседневного мира в другую реальность. Вот почему многие из нас не могут заснуть, не перейдя в вымышленный мир, будь то мир романа или сериала.
Во-вторых, искусство позволяет понять отрицательные эмоции. Философы давно задавались вопросом, почему нам нравятся произведения, изображающее страдание, в то время как мы стараемся избежать их в реальной жизни. Почему нас привлекает «Автопортрет» Рембрандта, где изображен задумчивый обеспокоенный старик? Наслаждаемся ли мы грустью, которую провоцирует в нас эта работа?
Философ твердо убеждена в том, что литература тренирует нашу способность представлять себя на месте других и это делает нас более чуткими. В радиоинтервью нейробиолог , исследователь эмпатии из Стэнфордского университета в Калифорнии, сказал, что он считает «множество различных форм искусства учебным лагерем по эмпатии» и, если вы видите картину, на которой кого-то бьют, «вы принимаете это состояние». Чтение литературы и просмотр фильмов, театральных постановок, картин заставляет нас проявлять сочувствие: мы ставим себя на место другого персонажа и становимся более человечными.
Следующий вопрос заключается в том, может ли искусство в корне изменить наше поведение после того, как мы закроем страницы романа или уйдем из галереи. Зависит от регулярности чтения, прослушивания музыки, просмотра театральных постановок, фильмов и так далее. Безусловно, одна книга не сделает нас более эмпатичными.
Сочувствие может заставить нас быть более сострадательными. Но может быть и наоборот. Знание того, что чувствует другой человек, также помогает понять, как можно заставить его страдать. И, конечно же, нам довольно часто напоминают о том, что многие преступники любили искусство, литературу и музыку. Так что, хотя занятие искусством может повысить уровень эмпатии, нет никакой гарантии, что в будущем мы не нанесем вред другим людям.
Альбрехт Дюрер — Молодой Заяц
Альбрехт Дюрер был мастером живописи, различных форм гравюры и рисунка. Его называли «мастером на все руки», так как он был очень многогранным художником. Дюрер смог создать ряд технически сложных работ, которые до сих пор поражают умы современных искусствоведов. Дюрер создавал свои произведения во времена больших религиозных и политических потрясений, в то время были провозглашены 95 тезисов священника Мартина Лютера, вызвавшие реформацию и начало протестантизма, а турок Сулейман Великолепный был на пороге Европы. Тем не менее, работы Дюрера источают прекрасную тишину и какую-то отрешённую потусторонность, в то же время обращаясь к историческому контексту времени. Более подробно ознакомиться с работами этого великого художника можно в статье «Альбрехт Дюрер — Жизнь и Лучшие Работы».
Картина «Молодой заяц», написанная в 1502 году, является одной из его самых любимых работ. Эта картина много обсуждалась из-за её простоты, а также одной необычной детали, которую многие даже не замечали, пока им на это не указывали… эти таинственные детали скрыты в правом глазу зайца. Являются ли эти белые мазки кисти окнами студии художника, как многие считают? А что вы скажете по поводу тёмной фигуры справа от белых штрихов?
Что же представляет собой красота в искусстве?
Воздействие искусства может быть поистине сильным, да настолько, что мы можем воодушевиться на создание собственного произведения. Некоторые люди могут достигать чувства благополучия, прибегая к искусству как к терапии. Оно позволяет им не только расслабиться, но и очищает мысли, что в разы упрощает решение трудных вопросов. Однако встреча с произведениями искусства может иметь и обратный эффект. Например, какие-то из них могут вызвать у некоторых людей чувство злости или даже ярости. Реакция людей, подвергнутых воздействию искусства, непредсказуема. Оно выражает наши внутренние переживания, имеет власть над нашими эмоциями, побуждает к определенным действиям и даже открывает нам глаза на то, чего мы не замечали ранее.
Иоганн Винкельман (Johann Winckelmann), немецкий искусствовед, настаивал на том, что красота имеет три основных уровня:
- Красота формы
- Красота идеи
- Красота выражения, которая, по его словам, возможна только при наличии первых двух факторов
Итак, красота должна быть наивысшей формой выражения и, в свою очередь, главной задачей искусства.
Известный журналист и беллетрист, Виктор Шербюлье (Victor Cherbuliez), рассматривал искусство как деятельность, которая
- удовлетворяет нашу врожденную любовь к изображениям;
- привносит идеи в эти изображения, тем самым доставляя удовольствие одновременно нашим чувствам, сердцу и разуму. Красота – это всего лишь иллюзия, нет ничего, что можно назвать абсолютно красивым, но мы думаем, что красиво то, что гармонично.
Опираясь на эту точку зрения, можно сказать, что красота – это иллюзия. Возможно, красоты вообще не существует, не говоря уже об абсолютной красоте.
Красота есть то, что для нас гармонично.
Почему важно развивать ораторское искусство
Публичное и деловое общение активно вошло в повседневную жизнь современного человека. Мы выступаем на конференциях, участвуем в собраниях, общаемся через голосовые мессенджеры и читаем поздравительные речи
Этот процесс стал очень активным, и успешному человеку важно работать над подачей своей речи
«Ораторское искусство нужно для того, чтобы завоевывать достойное место в обществе, выдерживать конкуренцию и создавать свой публичный имидж, —
считает Александр Эпштейн, основатель школы ораторского мастерства «Культура речи». — Я буду не оригинальным если скажу, что человек стал более публичным. Еще совсем недавно предприниматели, бизнесмены, политики не обучались искусству публичных выступлений. Сегодня мы наблюдаем, как среди них значительно вырос спрос на все виды услуг: корпоративные тренинги, персональных коучей и работу в группах».
Елена Полякова, тренер спикеров TEDxSadovoeRing, автор курса «Слово как искусство» и основатель культурного салона «Маяк» в Тбилиси добавляет:
«Само по себе произнесенное слово — лишь итог. Речь человека начинается с его способности к восприятию, к интуитивному познанию мира, к глубокому проживанию собственной жизни. Затем идет умение обрабатывать полученный опыт, ясно мыслить и выражать мысли во всей полноте и убедительности.
Ораторское искусство — это глубокая, целостная работа личности над собой. Такая работа обогащает, делает человека многомерным. Затрагивает все грани внешней и внутренней жизни не менее (а может и более) глубоко, чем, скажем, чтение, рисование, занятия музыкой или танцами
Это инструмент познания себя, и это важно для каждого, я полагаю»
Многоликая радость
Исторически отношение к веселью было весьма неоднозначным. Изучать смех начали в Античности, и уже тогда это легковесное и, казалось бы, безобидное явление рассматривалось сквозь призму этики.
Дошло до того, что осмотреть «смеющегося философа» пригласили Гиппократа — но врач заключил, что Демокрит совершенно здоров и очень мудр.
Комические приемы использовали и киники, которые с помощью абсурдных и бесстыдных действий, эпатировавших добропорядочных жителей полисов, стремились достичь внутренней свободы.
Хендрик Тербрюгген. Смеющийся Демокрит. 1628
Автором первой теории смеха считается Аристотель. Учитель Александра Македонского рассматривал комическое как ошибку в гармонии бытия, которая, однако, имеет право на существование, если не причиняет никому вреда. В трактате «Поэтика» Аристотель излагает теорию драмы, а вторая его часть, предположительно целиком посвященная комедии, до нас не дошла. Вокруг этой таинственно пропавшей книги строится сюжет романа Умберто Эко «Имя розы», действие которого происходит в средневековом монастыре: церковные интеллектуалы внимательно изучали античную литературу, и кое-кому из них настолько претила мысль о легитимации «греховного» веселья, что сомнительный трактат утаили от мира.
Непосредственное и легкомысленное, веселье действительно вызывало осуждение со стороны церкви. Смешливость ассоциировалась с язычеством и земными искушениями, а то и происками «врага рода человеческого». Похожих взглядов придерживались богословы, и со временем отрицательное отношение к веселью утвердилось и в протестантских течениях, в частности в известном своей строгостью пуританстве. Неудивительно, что улыбающиеся люди появились на картинах сравнительно поздно, в эпоху Возрождения.
В то же время западные живописцы всегда изображали возвышенные переживания: глубокое религиозное чувство, восторг от величия Творца или красоты Его замысла. Такую форму радости одобряли даже богословы, хотя и ее рекомендовалось выражать благообразно. Мистики, впрочем, нередко доводили себя до разного рода экстатических состояний.
Джованни Лоренцо Бернини. Экстаз святой Терезы. 1645–1652
Скульптура Бернини изображает момент видения, когда монахиню пронзил золотой стрелой ангел, отчего та испытала «сладостную боль». Многие, впрочем, отмечали откровенно чувственную, почти эротическую природу переживания, которую в полной мере отразил в мраморе ваятель. Хотя с ортодоксальной христианской моралью такие трактовки несовместимы, с точки зрения теории счастья здесь нет противоречий. Сексуальный восторг вполне подходит под определение радости, а в некоторых мистических системах, например в индийских и китайских, рассматривается как способ достижения трансцендентного опыта, единения с божественным.
Фра Беато Анджелико. Рай. Фрагмент из композиции «Страшный суд». 1431
Образ ангелов, славящих Бога кружением, существовал на протяжении всей истории христианства и, вероятно, восходит к описанному Плотином хороводу душ вокруг Единого.
Однако, кроме строгих, утонченных и бесплотных небесных вестников, в искусстве были и другие духовные сущности — веселые, как птички, путти. Впервые появившиеся еще на античных барельефах и фресках в виде амуров, эти жизнерадостные малыши вновь вошли в моду в эпоху Возрождения, уже как ангелические создания.
Анаморфоз
Анаморфоз — это техника создания изображений, полностью увидеть и понять которые можно только взглянув на них под определённым углом, или с определённого места. В некоторых случаях правильное изображение можно увидеть только если смотреть на зеркальное отражение картины. Один из самых ранних примеров анаморфоза продемонстрировал Леонардо да Винчи в 15 веке. Другие исторические примеры этого вида искусства появились в эпоху Возрождения.
На протяжении веков эта техника развивалась. Началось всё с трёхмерных изображений, получаемых на обычной бумаге, и постепенно дошло до уличного искусства, когда художники имитируют различные отверстия в стенах, или трещины в земле.
А самый интересный современный пример — анаморфная печать. Однажды студенты Джозеф Иган и Хантер Томпсон, изучающие графический дизайн, нанесли на стены в коридорах своего колледжа искажённые тексты, прочитать которые можно было, только если посмотреть на них с определённой точки.
blog.thomasjquinn.com blog.thomasjquinn.com www.rebloggy.com www.rebloggy.com www.josephegan.co.uk www.josephegan.co.uk
Боди-арт иллюзии
www.ignant.de
Рисованием не теле в течение многих веков занимались буквально все. Даже древние египтяне и майя пробовали в этом свои силы. Однако боди-арт иллюзии поднимают эту древнюю практику на совершенно новый уровень. Как следует из названия, боди-арт иллюзия подразумевает использование человеческого тела в качестве холста, но на холсте этом создаётся нечто, способное обмануть наблюдателя. Иллюзии на теле могут варьироваться от людей, раскрашенных как животные или машины, до образов дыр или ран, зияющих в теле.
www.telegraph.co.uk
Наиболее ярким представителем этого вида искусства считается художник из Японии Хикару Чо который известен своими необычными, «мультяшными» иллюзиями.
www.lostateminor.com www.telegraph.co.uk www.huffpost.com www.lostateminor.com
Как развить ораторское искусство
«Навык заключается не только в постижении внешних приемов риторики или сценической грамотности, — рассказывает Елена Полякова. — Когда мы что-либо произносим, мы всегда выражаем себя. Вопрос в том, как и что выражаем».
Еще Самуил Маршак говорил, что «нельзя чувствовать и знать слово, если не чувствуешь и не знаешь действительности».
- Первое, что хочется сказать тем, кто только заинтересовался изучением ораторского мастерства: если вы умеете говорить с друзьями на кухне, значит вы достаточно хорошо говорите.
- Второе. Наша речь, как и наша человеческая природа, — это огромный котлован, очень глубокий. И здесь есть, чему учиться. Учиться нужно так же настойчиво, как читать и писать. Идти от слоя к слою. Ничто не заменит практики. Одно упражнение, сделанное со вдумчивым рассуждением, даст больше, чем десятки прочитанных книг. Наберитесь терпения — это долгий путь.
- И третье. Всегда думайте о цели речи, о ее смысле. Что вы хотите донести, получить в результате? Спросите себя. Вам будет проще, если вы будете думать о пользе для людей, к которым обращаетесь. Что вы хотите, чтобы они сделали, выйдя из зала?
Сколько бы техник и приемов вы не изучили, дело не в красоте или форме слов, а в их содержании. Как только вы ясно поймете свое «зачем», вы будете точно знать, что следует сказать. И даже без изучения науки речи, вы сможете стать убедительными, а ваша речь — сильной.
Экономика образования
Что такое ассертивность и как ассертивное поведение помогает в работе
Портрет госпожи Лизы дель Джокондо / Леонардо да Винчи (1503-1505)
Пожалуй, самой таинственной картиной из всех написанных когда-либо является Мона Лиза. Вот уже несколько столетий она не дает покоя искусствоведам и историкам, порождая все более дикие и интригующие идеи ее создания.
Кто же эта женщина с загадочной улыбкой и без бровей? Традиционно принято считать, что это супруга торговца Франческо Джокондо. Но есть еще несколько теорий, которые имеют право на существование. Например, что Мона Лиза — автопортрет самого Леонардо. Также есть вероятность, что эта картина написана да Винчи для себя, а настоящее полотно было обнаружено в Айзерлуте 100 лет назад. Эта Джоконда более подходит под описание картины современниками Леонардо.
А совсем недавно ученые предположили, что загадочная улыбка девушки на полотне связана с тем, что у нее не было зубов. Кстати, рентген показал, что брови у нее были, просто реставрации их значительно повредили.
Светское веселье
К XIV веку в Европе появились придворные танцы и балы — важная веха в истории светских, нерелигиозных позитивных эмоций. Это стало результатом мировоззренческих сдвигов, случившихся в обществе: изменились взгляды на человека, были реабилитированы его физическая природа и чувственные переживания.
«Высокий» танец-шествие Ренессанса, в отличие от более экспрессивных народных плясок, оставался торжественным и величавым, отражая скорее представления о гармонии, чем бурное веселье. Но с каждым столетием фигуры усложнялись, наряды становились всё более пышными, а знатная публика изобретала новые способы развлечь себя.
Постепенно торжественные приемы превратились в место для общения, произнесения речей, чтения поэзии. По мере становления светской культуры всё выше ценятся красноречие и остроумие, умение в нужный момент блеснуть удачным тонким замечанием. Веселье и куртуазность проникают в бытовые живописные сюжеты — теперь уже можно изобразить женщину, которая, улыбаясь, кокетничает с кавалерами.
Ян Вермеер. Женщина с двумя кавалерами. 1659
В эпоху Возрождения в светскую культуру входят и театральные представления, сопровождавшиеся смехом и весельем. Сложился сценический танец-зрелище во всём многообразии его форм, вплоть до плясовых парадов и конных балетов. Комедия дель арте и другие выступления масок вошли в светскую жизнь.
Рисование светом
www.lightpaintingphotography.com
Как ни странно, самые первые практики световой живописи не воспринимали её как искусство. Фрэнк и Лилиан Гилбрет занимались проблемой повышения эффективности промышленных рабочих. В 1914-м году пара начала использовать свет и камеру для того, чтобы записать некоторые движения людей. Изучив полученные световые образы, они надеялись найти способы сделать работу персонала легче и проще.
www.tutophoto.com
А в искусстве этот метод начал использоваться в 1935-м году, когда художник-сюрреалист Ман Рэй использовал фотокамеру с отрытым затвором для того, чтобы снять самого себя, стоящего в потоках света. Очень долго никто не догадывался о том, что это за световые завитки изображены на фото. И только в 2009-м году стало ясно, что это не набор случайных световых завитков, а зеркальное отображение подписи художника.
Рисование на грязных машинах
Скотт Уэйд / www.pixelsmithstudios.com
Рисование на грязи, скопившейся на давно не мытой машине, тоже считается искусством, лучшие представители которого стремятся изобразить несколько больше банальных надписей вида «помой меня».
CNW Group/CARSTAR Collision & Glass Centres
52-летний графический дизайнер по имени Скотт Уэйд стал очень известен из-за своих удивительных рисунков, которые он создавал, используя грязь на стёклах машин.
www.n4gm.com
А начал художник с того, что использовал в качестве холста толстый слой пыли на дорогах Техаса, на дорогах он рисовал различные карикатуры, а создавал он их с помощью собственных пальцев, ногтей и небольших сучьев.
www.dirtycarart.com
В настоящее время для рисования он использует специальные щётки, с помощью которых создаёт удивительно зрелищные и сложные картины. Постепенно Уэйда стали показывать на различных художественных выставках, также его стали нанимать рекламодатели для того, чтобы он продемонстрировал своё мастерство на их мероприятиях.
https://youtube.com/watch?v=I9NGuz2U9w8
Данте и Вергилий в аду: Вильям Бугро, 1850
Полотно написано на сюжет знаменитой «Божественной комедии» Данте. Итальянского автора эпохи Возрождения. Бугро, один из основоположников французского романтизма, изображает экспрессиуню, яростную борьбу двух душ, которые были прокляты.
Данте и Вергилий в адуАдольф Вильям Бугро
Эта душа Джанни Скикки, который попал в ад за обмен с целью личного обогащения, и алхимик-еретик Капоккио. Анализируя картину, следует отметить гармоничное и пропорциональное строение хорошо сложенных мужских тел, в соответствии с канонами классической живописи. Один мужчина в отчаянии грызет и кусает второго. Основной мотив картины — отчаяние и ярость.
Радость в движении
Пластические искусства — живопись и скульптура — призваны репрезентировать человеческие переживания. Но существуют области художественного, которые представляют собой сплошную эмоцию, разворачивающуюся во времени, — музыка и танец.
Джулио Романо. Танец Аполлона с музами. Около 1540
Одну из первых теорий музыки сформулировал Пифагор, связав ее с гармонией сфер — таинственным и всепроникающим звучанием самого мироздания. И задача композитора и исполнителя — приблизиться к этому образцу, наводить порядок в душе человека по аналогии с прекрасным устройством космоса, которое обеспечивает движение «благозвучных» планет. В Античности считалось, что гармонические колебания оказывают глубокое влияние на тело и дух человека. Пифагор высоко ценил радостные гимны и танцы орфиков, а также практиковал музыкотерапию, полагая, что мелодии способны исцелять больных.
Важным средством выражения эмоций и управления ими служил танец.
«Обратное граффити»
Paul «Moose» Curtis
Как и рисование на грязных машинах, «обратное граффити» предполагает создание картины с помощью удаления лишней грязи, а не с помощью добавления краски. Художники часто используют мощные моечные установки, позволяющие удалить грязь со стен, и в процессе создать прекрасные образы. Началось всё это с художника Пола «Муза» Кертиса, который нарисовал свою первую картину на чёрной от никотина стене ресторана, в котором он мыл посуду.
Paul «Moose» Curtis
Другой заметный художник — Бен Лонг из Великобритании, он практикует несколько упрощённую версию «обратного граффити», используя собственный палец для удаления грязи со стен, скопившейся там из-за выхлопов машин. Его рисунки держатся на удивление долго, до шести месяцев, при условии, что их не смоет дождь или не уничтожат вандалы.
Ben Long / mediacentre.kallaway.co.uk
Следует отметить, что «обратное граффити» — искусство достаточно спорное. У того же Кертиса, например, уже было несколько стычек с полицией, которые он сравнивает с «арестом человека, ковыряющегося палкой в песке».
Зарождение живописной традиции
Первые изображения растений появились еще в Древнем Египте и Месопотамии около 4000 лет назад. Эти цивилизации славились развитым сельским хозяйством и высоким уровнем художественной культуры, поэтому неудивительно, что свои истоки ботаническое искусство берет именно там. Изображениями растений в первую очередь декорировали стены дворцов правителей, сосуды для вина, вазы, посуду, реже — монеты, оружие и одежду.
«Спелый ячмень», ок. 1353–1336 до н. э. Реалистичность образа отличает рельеф от многих дошедших до нас живописных фрагментов древности, выполненных в стилизованной или орнаментальной технике. Источник
Культура Древнего Египта, во многом основанная на культе смерти, породила и другой тип изображений — наполненный мистическим, сакральным смыслом. Древние египтяне верили, что при переходе умершего в мир иной любые скульптурные и живописные изображения предметов быта, продуктов, оружия «оживают» и обеспечивают человеку безбедное вечное существование. Именно поэтому стены древнеегипетских усыпальниц нередко украшали рисунками или рельефами с изображениями различных плодов, сахарного тростника и лотоса.
Ботаническое Возрождение
После нескольких столетий культурной стагнации, начиная с середины XV века художники Европы снова обращаются к миру флоры, теперь — в поисках новых эстетических идеалов и источников вдохновения. Экспериментируя с техниками и материалами, такие художники, как Пизанелло (1395–1455) и Жан Бурдишон (1457–1521), пытаются изменить художественный язык изображения растений. Благодаря усилиям этих и других живописцев Раннего Возрождения ботаническая иллюстрация выходит за рамки служебного искусства и постепенно оформляется в полноценный жанр живописи.
На картине Сандро Боттичелли «Весна» (ок. 1482) ученые более 190 видов растений, из которых около 130 можно идентифицировать. Источник
В заключение
Такие разные, удивительные, неповторимые женщины-творцы стали яркими символами своих эпох:
Артемизия Джентилески – это барокко XVII века;
Клара Петерс – натурализм малых голландцев того же XVII века;
Элизабет Виже-Лебрен – рококо XVIII века;
Мэри Кассат – импрессионизм XIX века;
Наталья Гончарова – русский авангард XX века;
Джорджия О’Кифф – модернизм XX века;
Фрида Кало – сюрреализм того же XX века.
Не все имена, к сожалению, у любителей живописи на слуху. Но сейчас мы постепенно вспоминаем их. Ведь они покорили-таки живописный Эверест.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.