«Скрипка и гитара»
Большинство людей, смотря на данную картину не могут понять, где здесь скрипка, а где гитара? Обычный человек даже после длительного рассмотрения этого полотна, уйдет, так ничего не поняв. Смысл картины «Скрипка и гитара» заключается не в том, чтобы изобразить их физическую структуру, а, чтобы передать их душу, музыкальное составляющее. Однако, если детально всматриваться в полотно, то можно найти элементы скрипки и гитары.
Если вновь сравнить работы двух художников: Дали и Пикассо, то расшифровать полотна первого автора будет легче, чем полотна второго. Несмотря на то, что картина «Скрипка и гитара» полна спокойных цветов, у Пикассо отлично получилось передать музыкальную составляющую образа, которую удалось реализовать в результате слияния света и узора, неразберихи и гармонии.
Пикассо не изменяет себе, он не рисует классические портреты, пейзажи или натюрморты. Его работы всегда полны абстракции, которая не дает прямого ответа после первого просмотра картины. Только фантазия и образованность может дать человеку ключ к раскрытию истинного смысла работ великого автора.
The Guitar – The Most Valued Possession
The guitar in The Old Guitarist is a curiosity in the painting. Centered in the composition, the empty eyes of the Guitarist (expressing his blindness) align vertically at the junction of the third with his nose and mouth downward and then sweeping upward from the elbow to the delicate hands which bring your eyes to the guitar. The monochromatic style takes a slight turn as the guitar is painted a warmer color.
The guitar is the bright spot in the painting which may symbolize the most important possession the man has.
Homeless street musicians in Barcelona relied on a small income that could be earned from their music. The guitar being the most valued possession of the Old Guitarist and the music being his escape.
Was the guitar painted by Picasso in The Old Guitarist from a long line of famous guitar markers in Barcelona – starting with Juan Estruch Rosell in the late 19th century?
We will never know the whole story behind the life of The Old Guitarist, however Picasso in all his genius presents a scene that evokes emotions and impacts generations.
Interested in more Picasso articles? You might like to see these pictures of Picasso in his studio in the 1960’s.
Ранние годы
Несмотря на то, что Хосе Руис был посредственным художником, он не мог не заметить талант первенца. «Дома в коридоре стояла статуя. Геркулес с дубиной, — рассказывал Пикассо, — вот я сел и нарисовал этого Геркулеса. И это не было детским рисунком, это было вполне реалистично». Ему едва исполнилось шесть, когда отец начал обучать его основам рисунка и живописи.
Семья Пикассо переехала из шумной Малаги в не менее шумную Ла-Корунью, где в возрасте девяти лет Пабло стал посещать курсы живописи. Так как учился юноша из рук вон плохо, а его романы с молодыми преподавательницами регулярно заставляли краснеть родителей, они не протестовали, когда тот решился оставить школу и отправиться в Барселону. В 14 Пабло Пикассо на общих основаниях поступил в Барселонскую школу искусств и ремёсел. Живопись вундеркинда существенно выделялась на фоне старших сверстников, его первые большие работы маслом «Первое причастие» и «Знание и милосердие» заслужили множество наград и медалей на художественных выставках в Барселоне и Малаге. Проучившись в Барселоне всего год, он без особого труда поступает в самое престижное художественное заведение страны: Мадридскую академию художеств. Однако и здесь он задержался всего лишь на семь месяцев. От нравоучений преподавателей Пикассо впадал в ярость, а в рамках нудного академизма было тесно и скучно. Занятиям юноша предпочитал посещение музея Прадо и написание копий с полотен Веласкеса и Эль Греко.
Оставив учёбу, Пабло Пикассо отправился в Париж.
Пабло Пикассо. 10 картин | Фотогалерея
Первые работы Пабло Пикассо, нарисованные ещё в 20-летнем возрасте были далеки от сюрреализма – поначалу художника вдохновляли импрессионисты и окружавшая его атмосфера. Большим потрясением для Пикассо стало самоубийство его друга Карлоса Касагемаса. Карт Портрет Хайме Сабартеса, 1901 год
Пикассо считал, что «кто грустен, тот искренен», но его отношение к миру меняется после переезда в Париж в 1904 году. В знаменитом монмартрском Бато-Лавуар художник находит единомышленников, и вместо бродяг и нищих всё чаще в его работах просвечивают мир «Девочка на шаре», 1905 год
Новые знакомства привели к тому, что в картинах «розового» периода Пикассо его картины становятся ярче, художник активнее работает с цветом, а палитра его художественных приёмов начинает заметно расширяться. «Семья комедиантов», 1905 год
Спустя пару лет экспериментов с цветом и содержанием Пикассо начинает поиски новой формы. В 1907 году под влиянием «Купальщиц» Поля Сезанна Пикассо создал «Авиньонских девиц» — свою первую работу кубического периода. «Авиньонские девицы», 1907 год
Эксперименты с формой приводят Пикассо к аналитическому кубизму, где автор меняет не только структуру объекта, но и работает с самим пространством, дробя объём на множество отдельных блоков и оттеняя те или иные фигуры. Одной из самых известных работ Пика «Девушка с мандолиной», 1909 год
Аналитический кубизм позволяет Пикассо отточить собственный почерк, художник находит в себе силы формировать собственное видение реальности на своих полотнах. Палитра Пикассо всё больше тяготеет к монохромности, вместе с Жоржем Браком художник добавляет в «Человек с кларнетом», 1911 год
Всё это приводит художника к кульминации сюрреализма в кубизме – периоду синтетического кубизма. От предыдущих работ Пикассо новый цикл отличает обилие цвета и усиление конкретики. Изображённые объекты по-прежнему деформированы, но становятся более узнава «Человек с трубкой», 1914 год
По окончании Первой мировой войны Пабло Пикассо, как и многие другие художники, обращается к неоклассицизму, перекладывая старинные сюжеты на новый лад. Параллельно Пикассо погружается в эстетику сюрреализма. Помимо прочего художник пробует себя в скульпт «Голова женщины», 1921 год
Летом 1937 года Пабло Пикассо создал свою, возможно, самую известную картину – «Герника». Это полотно художник нарисовал по заказу правительства Испанской Республики для Всемирной выставки в Париже. Приёмами кубизма Пикассо изобразил бомбардировку Герники «Герника», 1937 год
После войны Пабло Пикассо вместе с Франсуазой Жило и двумя детьми переехал на юг Франции, но в 1953 году пара разошлась. Позже художник познакомился Жаклин Рок, вдохновившей Пикассо ещё на несколько работ, которые, впрочем, уже не обладали прежним масштаб «Сидящий человек с тростью», 1971
Послевоенное время
Радость жизни вновь поселяется в картинах мастера, созданных в послевоенный период. Красочность палитры и светлые образы нашли свое воплощение в цикле жизнеутверждающих панно, которые Пикассо создавал для частной коллекции в содружестве с художниками Паломой и Клодом Уже.
Картина Пабло Пикассо «Голубь мира»
Излюбленной тематикой этого периода для Пикассо становится древнегреческая мифология. Она находит воплощение не только в живописных полотнах мастера, но и в керамике, которой увлекся Пикассо. В 1949 году для Всемирного Конгресса сторонников мира художник пишет полотно «Голубь мира». Создает мастер и вариации в стиле кубизма на темы живописцев прошлого — Веласкеса, Гойи, Мане.
Анализ
Элементы в Старом Гитаристе были тщательно отобраны, чтобы вызвать реакцию зрителя. Например, монохроматическая цветовая схема создает плоские, двухмерные формы, которые отделяют гитариста от времени и места. Кроме того, общая приглушенная синяя палитра создает общий тон меланхолии и подчеркивает трагическую и печальную тему. Единственное использование масла на панно создает более мрачное и театральное настроение. Масло имеет тенденцию смешивать цвета вместе, не уменьшая яркости, создавая еще более сплоченную драматическую композицию.
Кроме того, гитарист, хотя и мускулистый, не выказывает никаких признаков жизни и, кажется, близок к смерти, что подразумевает мало комфорта в мир и подчеркивая несчастье его ситуации. Детали удалены, а масштаб изменен, чтобы создать удлиненные и элегантные пропорции, усиливая при этом безмолвное созерцание гитариста и чувство духовности. Большая коричневая гитара — единственное существенное изменение цвета, обнаруженное на картине; его тускло-коричневый цвет, выделяющийся на синем фоне, становится центром и фокусом. Гитара представляет мир гитариста и является единственной надеждой на выживание. Этот слепой и бедный субъект зависит от своей гитары и небольшого дохода, который он может заработать на своей музыке, чтобы выжить. Некоторые искусствоведы считают, что эта картина отражает уединенную жизнь художника и естественные трудности, связанные с его карьерой. Поэтому музыка или искусство становятся обузой и отчуждающей силой, изолирующей художников от мира. И все же, несмотря на изоляцию, выживание гитариста (артиста) зависит от остального общества. Все эти эмоции отражают затруднительное положение Пикассо в то время и его критику состояния общества. Старый гитарист становится аллегорией человеческого существования.
Пол Мариани, биограф Уоллеса Стивенса, представил свой анализ картины в качестве контрапункта возражениям Стивенса относительно происхождения его собственное стихотворение под названием Человек с синей гитарой, в котором говорится:
«Несмотря на то, что он неоднократно отрицал это, Стивенс, похоже, имеет в виду конкретную картину:« Старый гитарист 1903 года »Пикассо, изображающий старика. с седыми волосами и бородой сидит, скривившись и скрестив ноги, играя на гитаре. Если Пикассо и пытался изобразить мир бедности и унизительных страданий, то это было потому, что это было его собственное тяжелое положение как борющегося молодого художника в Барселоне, где он рисовал много картин, включая эту, о бедняках. Картина почти полностью выполнена в монохроматическом синем и сине-черном цвете, за исключением самой гитары, которая окрашена в немного более теплый коричневый цвет. Человек слеп, но больше не видит мир вокруг него он видит больше d проникнуть в реальность внутри ».
В« Старом гитаристе »Пикассо, возможно, опирался на картину Джорджа Фредерика Уоттса Хоуп (1886), которая аналогичным образом изображает сгорбленную, беспомощный музыкант с искаженной угловатой формой и преимущественно синим оттенком.
Творчество
Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».
Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.
Картина Пабло Пикассо «Свидание»
В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.
В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. А. С. Пушкина, где и находится до сих пор.
Картины Пабло Пикассо «Девочка на шаре» и «Женщина в рубашке»
Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.
В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.
Картина в стиле кубизм Пабло Пикассо «Авиньонские девицы»
Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.
В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева. Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.
Ольга Хохлова и Сергей Дягилев
Светлый период жизни отразился и на творчестве художника — на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».
Авиньонские девицы
«Авиньонские девицы», написанная в 1907 году картина относится к самым типичным примерам кубизма. Казалось бы, кубизм совершенно не уместен там, где нужно изобразить гибкие женские тела, но Пикассо удается сделать это так, что никакого диссонанса при взгляде на холст не чувствуется. Несмотря на то, что колени, лица, груди девушек изображены угловатыми, мы понимаем, что перед нами – жрицы любви. Прообразом для них стали реальные девушки из публичного дома в квартале Авиньон в Барселоне. Изначально на картине должны были присутствовать еще иные образы, олицетворяющие смерть, но впоследствии художник оставил лишь изображения женщин и фруктов как символ плодовитости. Здесь вызов заключается не в теме, не том, что изображается, а в форме, том, как это изображено.
Анализ
Элементы в Старый гитарист были тщательно отобраны, чтобы вызвать реакцию зрителя. Например, монохромный Цветовая гамма создает плоские, двухмерные формы, которые отделяют гитариста от времени и места. Кроме того, общая приглушенная синяя палитра создает общий тон меланхолии и подчеркивает трагическую и печальную тему. Единственное использование масла на панно создает более мрачное и театральное настроение. Масло имеет тенденцию смешивать цвета, не уменьшая яркости, создавая еще более цельную драматическую композицию.
Более того, гитарист, хотя и мускулистый, не показывает признаков жизни и, кажется, близок к смерти, что подразумевает мало утешения в этом мире и подчеркивает бедственное положение. Детали удалены, а масштаб изменен, чтобы создать удлиненные и элегантные пропорции, усиливая при этом безмолвное созерцание гитариста и чувство духовности. Большая коричневая гитара — единственное существенное изменение цвета, обнаруженное на картине; его тускло-коричневый цвет, выделяющийся на синем фоне, становится центром и фокусом. Гитара представляет мир гитариста и является единственной надеждой на выживание. Этот слепой и бедный субъект зависит от своей гитары и небольшого дохода, который он может заработать на своей музыке, чтобы выжить. Некоторые искусствоведы считают, что эта картина отражает уединенную жизнь художника и естественные трудности, связанные с его карьерой. Поэтому музыка или искусство становятся обузой и отчуждающей силой, изолирующей художников от мира. И все же, несмотря на изоляцию, выживание гитариста (артиста) зависит от остального общества. Все эти эмоции отражают затруднительное положение Пикассо в то время и его критику состояния общества. Старый гитарист становится аллегорией человеческого существования.
Пол Мариани, биограф Уоллес Стивенс, представил свой анализ картины как контрапункт возражениям Стивенса относительно происхождения его собственного стихотворения под названием Человек с синей гитарой заявляя,
в Старый гитарист, Пикассо мог привлечь Джордж Фредерик Уоттс картина Надежда (1886), на котором аналогичным образом изображен сгорбленный, беспомощный музыкант с искаженной угловатой формой и преимущественно синим тоном.
Фон
В то время, отказавшись от классического и традиционного образования и в поисках славы, Пикассо и его друг Карлос Касагемас переехали в Париж. Год спустя Касагемас стал безнадежно несчастным из-за неудавшейся любовной связи и покончил жизнь самоубийством. Это событие сильно огорчило Пикассо, и вскоре он впал в депрессию и отчаяние. К тому же Пикассо был очень беден. Его бедность заставила его идентифицировать и относиться к нищим, проституткам и другим угнетенным изгоям в обществе.
Эти события и обстоятельства послужили толчком к началу Голубого периода Пикассо, который длился с 1901 по 1904 год. Синий период определяется плоскими просторами синего, серого и черного, меланхолическими фигурами, потерянными в созерцании, и глубокой и значительной трагедией. После голубого периода наступил период роз Пикассо и, в конечном итоге, движение кубизма, одним из основателей которого стал Пикассо.
Синий период
В то время, отказавшись от классического и традиционного образования и стремясь к славе, Пикассо и его друг Карлос Касагемас переехал в Париж. Год спустя Касагемас стал безнадежно несчастным из-за неудавшейся любовной связи и покончил жизнь самоубийством. Это событие сильно огорчило Пикассо, и вскоре он впал в депрессию и отчаяние. К тому же Пикассо был очень беден. Его бедность заставила его идентифицировать и относиться к нищих, проституткам и другим изгоям общества.
Эти события и обстоятельства послужили толчком к началу Голубого периода Пикассо, который длился с 1901 по 1904 год. Синий период определяется плоскими просторами синего, серого и черного, меланхолическими фигурами, потерянными в созерцании, и глубокой и значительной трагедией. После того, как наступил синий период Период роз Пикассо, и в конечном итоге Кубизм движение, одним из основателей которого является Пикассо.
Голубой период
В то время, отказавшись от классического и традиционного образования и ища славы, Пикассо и его друг Карлос Касагемас переехали в Париж. Год спустя Касагемас стал безнадежно несчастным из-за неудавшейся любовной связи и покончил жизнь самоубийством. Это событие сильно огорчило Пикассо, и вскоре он впал в депрессию и отчаяние. К тому же Пикассо был очень беден. Его бедность заставила его идентифицировать и относиться к нищим, проституткам и другим угнетенным изгоям в обществе.
Эти события и обстоятельства послужили толчком к началу Голубого периода Пикассо, который длился с 1901 по 1904 год. плоскими просторами синего, серого и черного, меланхолическими фигурами, погруженными в созерцание, и глубокой и значительной трагедией. После Голубого Периода наступил Период Розы Пикассо и, в конечном итоге, движение Кубизм, соучредителем которого стал Пикассо.
Синий период
В то время, отказавшись от классического и традиционного образования и стремясь к славе, Пикассо и его друг Карлос Касагемас переехал в Париж. Год спустя Касагемас стал безнадежно несчастным из-за неудавшейся любовной связи и покончил жизнь самоубийством. Это событие сильно огорчило Пикассо, и вскоре он впал в депрессию и отчаяние. К тому же Пикассо был очень беден. Его бедность заставила его идентифицировать и относиться к нищих, проституткам и другим изгоям общества.
Эти события и обстоятельства послужили толчком к началу Голубого периода Пикассо, который длился с 1901 по 1904 год. Синий период определяется плоскими просторами синего, серого и черного, меланхолическими фигурами, потерянными в созерцании, и глубокой и значительной трагедией. После того, как наступил синий период Период роз Пикассо, и в конечном итоге Кубизм движение, одним из основателей которого является Пикассо.
Light at the End of the Tunnel
An overwhelming amount of public attention has been focused on Picasso’s more mature work from the 20s, 30s, and 40s. But this artist had a long and winding road before he became the megastar that has come to be associated with his prolific career. The Blue Period was one of the least lucrative collections of Picasso’s career.
The painting in question has a deceptive simplicity to it. Perhaps that is precisely why it is so convincing. It represents deeply subjective human experiences in keeping with the modernist movement of expressionism which dated from 1905 to 1920, for which The Old Guitarist is said to have been a precedent. Expressionism was founded on modern artists prioritizing the expression of emotional experiences rather than perceivable physical realities.
Portrait photograph of Pablo Picasso, 1908; Anonymous Unknown author, Public domain, via Wikimedia Commons
From our perspective in the 21st century, it’s not a stretch to see The Old Guitarist as a beautiful image. But for those who were privy to this painting when it was new, from 1903 to 1904, it might have appeared unconvincing partly because of the artist’s deformation of the human body. Picasso was certainly not the first artist in the 19th century to do that, but his contribution to these painting traditions would change the very concept of what we call beautiful.
The Old Guitarist is a window into Picasso’s experience with grief and poverty at a watershed moment right before he became the most famous artist alive. His ability to draw from art history as well as real-life would catapult him into superstardom. Whether the artist was using his head, his heart, or both when he began producing images that elicited empathy for the poor is indeed a debate for the ages.
Take a look at our The Old Guitarist webstory here!
Кубизм
Первая стадия кубизма получила впоследствии название «аналитической». С 1909 года она постепенно перерождалась, и в 1913 году появилась «синтетическая» стадия, для которой характерны большая цветность форм, стремление к плоскостной трактовке объектов. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века.
В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. Пикассо использовал коллаж — вклеивание в холст реклам, этикеток и вырезок из газет; со временем объем инородного материала в картине увеличивался (присыпки песком, вмонтирование кусочков дерева и металла, осколков стекла, использование гипса и т. п.). В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. В дальнейшем увлечение кубизмом сходит на нет, однако отдельные его черты продолжают сохраняться в картинах до конца жизни художника («Три музыканта», 1921, Музей современного искусства, Нью-Йорк).Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века.
В 1908-1909 годах Пикассо совместно с французским живописцем Жоржем Браком, влияя друг на друга, разработали новый стиль — кубизм, ставший радикальным поворотом от поисков художественного эквивалента реальности к ее полному пересозданию. Использовались нейтральные, преимущественно охристые, серые, коричневые и зеленоватые тона, характерные для живописи Сезанна, но заметно «утяжеленные», помутнелые; они комбинировались в геометрические формулы, обнажая некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы («Королева Изабо», «Дама с веером», обе 1909; «Портрет Амброаза Воллара», 1910, все в Музее изобразительных искусств, Москва; «Дриада», «Фермерша», «Три женщины», ряд натюрмортов, 1909-1910, Эрмитаж). (Амброаз Воллар — французский коллекционер и меценат, один из тех, кто не только открыл, но и популяризировал творчество Сезанна, Ван Гога и других художников. В 1901 году в галерее Воллара в Париже состоялась первая выставка произведений Пикассо).
В 1907 года Пабло Пикассо создал композицию «Авиньонские девицы» (Музей современного искусства, Нью-Йорк) — большое панно, персонажи которого — посетители и девицы публичного дома в барселонском квартале Авиньон (так полагал поэт А. Сальмон, давший название произведению) — предстают бесполыми существами, некими устрашающими идолами. В произведении сочетаются разные стилистические манеры: розовые фигуры персонажей геометризированы, лики отдельных из них написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. «Авиньонские девицы» произвели сенсацию, картина положила начало многим экспериментам.
Анализ
Элементы в Старый гитарист были тщательно отобраны, чтобы вызвать реакцию зрителя. Например, монохромный Цветовая гамма создает плоские, двухмерные формы, которые отделяют гитариста от времени и места. Кроме того, общая приглушенная синяя палитра создает общий тон меланхолии и подчеркивает трагическую и печальную тему. Единственное использование масла на панно создает более мрачное и театральное настроение. Масло имеет тенденцию смешивать цвета, не уменьшая яркости, создавая еще более цельную драматическую композицию.
Более того, гитарист, хотя и мускулистый, не показывает признаков жизни и, кажется, близок к смерти, что подразумевает мало утешения в этом мире и подчеркивает бедственное положение. Детали удалены, а масштаб изменен, чтобы создать удлиненные и элегантные пропорции, усиливая при этом безмолвное созерцание гитариста и чувство духовности. Большая коричневая гитара — единственное существенное изменение цвета, обнаруженное на картине; его тускло-коричневый цвет, выделяющийся на синем фоне, становится центром и фокусом. Гитара представляет мир гитариста и является единственной надеждой на выживание. Этот слепой и бедный субъект зависит от своей гитары и небольшого дохода, который он может заработать на своей музыке, чтобы выжить. Некоторые искусствоведы считают, что эта картина отражает уединенную жизнь художника и естественные трудности, связанные с его карьерой. Поэтому музыка или искусство становятся обузой и отчуждающей силой, изолирующей художников от мира. И все же, несмотря на изоляцию, выживание гитариста (артиста) зависит от остального общества. Все эти эмоции отражают затруднительное положение Пикассо в то время и его критику состояния общества. Старый гитарист становится аллегорией человеческого существования.
Пол Мариани, биограф Уоллес Стивенс, представил свой анализ картины как контрапункт возражениям Стивенса относительно происхождения его собственного стихотворения под названием Человек с синей гитарой заявляя,
в Старый гитарист, Пикассо мог привлечь Джордж Фредерик Уоттс картина Надежда (1886), на котором аналогичным образом изображен сгорбленный, беспомощный музыкант с искаженной угловатой формой и преимущественно синим тоном.
Анализ
Элементы в The Old Guitarist были тщательно подобраны, чтобы вызвать реакцию зрителя. Например, монохроматическая цветовая схема создает плоские двухмерные формы, которые отделяют гитариста от времени и места. Кроме того, общая приглушенная синяя палитра создает общий тон меланхолии и подчеркивает трагическую и печальную тему. Единственное использование масла на панно создает более мрачное и театральное настроение. Масло имеет тенденцию смешивать цвета, не уменьшая яркости, создавая еще более сплоченную драматическую композицию.
Более того, гитарист, хотя и мускулистый, почти не показывает признаков жизни и, кажется, близок к смерти, что подразумевает мало утешения в этом мире и подчеркивает бедственное положение. Детали удалены, а масштаб изменен для создания удлиненных и элегантных пропорций, усиливая при этом безмолвное созерцание гитариста и чувство духовности. Большая коричневая гитара — единственное существенное изменение цвета, обнаруженное на картине; его тускло-коричневый цвет, выделяющийся на синем фоне, становится центром и фокусом. Гитара представляет мир гитариста и является единственной надеждой на выживание. Этот слепой и бедный субъект зависит от своей гитары и небольшого дохода, который он может заработать на своей музыке, чтобы выжить. Некоторые искусствоведы считают, что эта картина отражает уединенную жизнь художника и естественные трудности, связанные с его карьерой. Таким образом, музыка или искусство становятся обузой и отчуждающей силой, изолирующей художников от мира. И все же, несмотря на изоляцию, выживание гитариста (артиста) зависит от остального общества. Все эти эмоции отражают затруднительное положение Пикассо в то время и его критику состояния общества. Старый гитарист становится аллегорией человеческого существования.
Пол Мариани , биограф Уоллеса Стивенса , представил свой анализ картины в качестве контрапункта возражениям, выдвинутым Стивенсом относительно происхождения его стихотворения 1937 года под названием «Человек с синей гитарой», в котором говорится:
В «Старом гитаристе» Пикассо, возможно, обратился к картине « Надежда» Джорджа Фредерика Уоттса 1886 года , на которой аналогичным образом изображен сгорбленный беспомощный музыкант с искаженной угловатой формой и преимущественно синим тоном.
Свет в конце тоннеля
Подавляющее количество общественного внимания было сосредоточено на более зрелых работах Пикассо 20-х, 30-х и 40-х годов. Но у этого художника был долгий и извилистый путь, прежде чем он стал мегазвездой, которая ассоциируется с его плодовитой карьерой. Голубой период» был одной из наименее прибыльных коллекций в карьере Пикассо.
Картина, о которой идет речь, обладает обманчивой простотой. Возможно, именно поэтому она так убедительна. Она отображает глубоко субъективные человеческие переживания в соответствии с модернистским движением экспрессионизма, которое существовало с 1905 по 1920 год и для которого «Старый гитарист», как говорят, был прецедентом. Экспрессионизм был основан на том, что современные художники отдавали предпочтение выражению эмоциональных переживаний, а не воспринимаемой физической реальности.
Портретная фотография Пабло Пикассо, 1908 год; Аноним Неизвестный автор, Общественное достояние, через Wikimedia Commons
С нашей точки зрения в 21-м веке, «Старый гитарист» не является прекрасным изображением. Но для тех, кто был знаком с этой картиной, когда она была новой, в 1903-1904 годах, она могла показаться неубедительной отчасти из-за деформации человеческого тела художником. Пикассо, конечно, не был первым художником 19 века, который сделал это, но его вклад в эти живописные традиции изменит само понятие того, что мы называем прекрасным.
Старый гитарист» — это окно в переживания Пикассо, связанные с горем и бедностью, в переломный момент перед тем, как он стал самым известным художником на свете. Его способность черпать из истории искусства, а также из реальной жизни приведет его к суперзвезде. Пользовался ли художник головой, сердцем или и тем и другим, когда начал создавать образы, вызывающие сочувствие к бедным, — это действительно спор на века.
Девочка на шаре
«Девочка на шаре», написанная в 1905 году, одна из самых легендарных картин Пикассо относится к началу розового периода творчества художника, совпадающего с его переездом в Париж. В работы мастера приходят новые оттенки: светло-розовые, красные, серовато-жемчужные, воздушные, что отличает новый период от предыдущего (голубого). Настроение также меняется: если раньше темы выбирались печальные, проблемные, то теперь появляются простые мотивы радости, восторга от жизни. Картина «Девочка на шаре» построена на контрастах: легкость, женственность, гибкость, грация акробатки на шаре против устойчивости, твердости, мужественности атлета на кубе. Оба артиста противопоставляются заднему фону: девочка в любой момент сойдет с шара или переместится на нем дальше, в то время, как печальный пейзаж с одинокой лошадью не изменится еще очень долго, а, может быть, совсем никогда.