Гойя. Глубокий и смелый.
Висенте Лопес Портанья. Портрет Франсиско Гойи. 1819. Музей Прадо, Мадрид.
Гойя начал свой творческий путь с юношеской пылкостью и идеализмом. Даже стал придворным художником при испанском дворе. Но вскоре пресытился жизнью, увидев алчность мира, тупость, ханжество.
Франсиско Гойя. Портрет семьи Карла IV. 1800 г. Музей Прадо, Мадрид.
Только взгляните на его групповой «Портрет королевской семьи», где Гойя даже не пытался сгладить пустые выражения лиц и отталкивающее высокомерие монаршего семейства.
Гойя создал множество полотен, отображающих его гражданскую и человеческую позицию. И мир знает его прежде всего как смелого художника-правдолюба.
Доказательством может служить просто невероятное произведение «Сатурн, пожирающий своего сына».
Франсиско Гойя. Сатурн, пожирающий своего сына. 1819-1823. Музей Прадо, Мадрид.
Это хладнокровное, максимально честное толкование мифологического сюжета. Именно так должен был выглядеть спятивший Кронос. Который до смерти перепуган тем, что может быть свергнут своими детьми.
Яркость Винсента Ван Гога
Ван Гога трудно перепутать с другими художниками. И не только потому, что его совсем уж затаскали по репродукциям, рекламе, блокнотам и ручкам. Просто Ван Гога знают все. Как будто из детства и по умолчанию. Все дело – в яркой манере письма художника. В определенный период творчества Ван Гог наплевал на все условности, отложил палитру в сторону и писал прямо из тюбика. Крупными «змеиными» мазками. А главное – ярко.
Ночное кафе, 1888 год
Бесспорно, Ван Гог был великим художником, и, к сожалению, он болел. Чем точно – сложно сказать. Пишут, что у него была эпилепсия или шизофрения – или все вместе. При этом по картинам художника можно как по карте читать историю болезни – так говорят психиатры. Яркий и всеми узнаваемый желтый цвет Ван Гога – это ничто иное как «аура» – так называют симптом эпилепсии. Желтые и оранжевые цвета весьма характерны для видений, а существующие данные о припадках, которыми страдал Ван Гог, также свидетельствуют об эпилепсии. Про «ауру», к слову, можно прочесть у Достоевского в его романе «Идиот». Фёдор Михайлович сам болел эпилепсией и смог очень правдоподобно описать приступ, а вернее, преддверие приступа – «ауру» у главного героя Мышкина.
Картины Ван Гога финального периода творчества весьма хаотичны и импульсивны. Краски стали грубее, в них уже нет такого колючего внутреннего напряжения, цвета – не такие яркие. В работах чувствуется явный упадок тонкости ощущений и некая истощенность. Смотреть на мир иначе – довольно сложный дар.
Альбрехт Дюрер
Дюрер – график и живописец из Германии, один из известнейших представителей западноевропейского Ренессанса. Он оставил после себя не только картины, но и трактаты, гравюры.
Альбрехт Дюрер занимался усовершенствованием искусства ксилографии. Он жил в Италии, изучал творческие методы итальянских художников.
Дюрер создал много автопортретов, особенно ему нравилось рисовать себя в молодости. Его творчество пронизывает стремление познать законы природы, а также влечение к идеалу, гармоничной красоте. Оно проникнуто высоким накалом чувств, бунтарским духом.
Известные портреты: «Портрет Эразма Роттердамского», «Портрет Бернарда фон Ризена», «Император Максимилиан I».
Леонардо Да Винчи
Продолжительность жизни: 15 апреля 1452 г. — 2 мая 1519 г.
Национальность: итальянец
Леонардо Да Винчи
Леонардо да Винчи был идеальным человеком эпохи Возрождения, величайшим Вселенским Гением, который, помимо прочего, был художником, математиком, инженером, архитектором, ботаником, скульптором и анатомом. Однако, в течение четырех столетий после его смерти его слава, прежде всего, почивала на лаврах художника. Детальное знание анатомии, света, ботаники и геологии помогло ему создать некоторые из самых известных шедевров в истории. Да Винчи известен тем, что запечатлевает тонкие выражения, благодаря которым его картины выглядят более живыми, чем другие. Он сделал многочисленные вклады в области искусства, включая его пионерские методы, известные как сфумато, плавный переход от света к тени; и чиароскуро, использование сильных контрастов между светом и темнотой для достижения трехмерного эффекта. Да Винчи нарисовал Мона Лизу, самую известную картину в мире. Другие известные работы в его искусстве включают «Тайную вечерю», наиболее воспроизводимую религиозную живопись; и Витрувианский Человек, один из самых воспроизводимых художественных образов. Леонардо да Винчи, без сомнения, самый известный художник эпохи Возрождения.
Шедевр: Мона Лиза (1517)
Мона Лиза (1517)
Другие известные работы:
- Тайная вечеря (1498)
- Витрувианский человек (1490)
Иероним Босх. Загадочный и таинственный.
Жак ле Бук. Портрет Иеронима Босха. 1550.
Полулюди-полумутанты, громадные птицы и рыбы, невиданные растения и толпы обнаженных грешников… Всё это перемешано и сплетено в многофигурные композиции.
Иероним Босх очень узнаваем. И самая известная его работа – триптих «Сад земных наслаждений».
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Фрагмент. 1505-1510. Музей Прадо, Москва.
Нет другого такого художника, который использовал бы столь много деталей для выражения идей. Каких идей? На этот счёт нет единого мнения. Босху посвящали диссертации и книги, искали толкования его персонажей, но к какому-то одному мнению так и не пришли.
У “Сада земных наслаждений” правая створка посвящена Аду. Здесь мастер ставил своей целью напугать и крестьянина, и образованного современника гнетущими видениями, ожидающими после смерти. Что ж… Босху это удалось. Даже нам чуток не по себе…
Иероним Босх. Сад земных наслаждений. Правая створка триптиха “Ад”. 1505-1510. Музей Прадо, Мадрид.
Но Босх эволюционировал в течение своего творческого пути. И к концу жизни многофигурные, масштабные работы сменились очень близким приближением к героям. Так что они еле влезают “в кадр”. Такова работа “Несение креста”.
Иероним Босх. Несение креста. 1515-1516. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wga.hu.
Вне зависимости от того, рассматривает Босх своих героев издалека или вблизи, его посыл один. Показать людские пороки. И достучаться до нас. Помочь нам спасти наши души.
Полутона Эдгара Дега
Судя по всему, сам Эдгар Дега был довольно интересным человеком. Он был красив, с хорошими манерами и родом из богатой семьи, что позволяло ему свободно заниматься живописью. Правда, с такой характеристикой соглашались не все. Другие люди, знававшие его, говорили, что он был необычайно горделив, носил заношенное немодное пальто и вообще прослыл снобом и отшельником. Короче говоря, Дега сумел всех запутать и оставить в дураках.
Голубые танцовщицы, 1897
О жизни великого француза не так уж много информации, а все, что связано с ним – игра полуслухов, полутонов и полутени впечатлений. Например, о личной жизни художника неизвестно абсолютно ничего. Тем не менее, он страшно любил рисовать женщин, и именно благодаря этому мир увидел его балерин. Однако эротики в их изображениях не сыскать. Сам он говорил о них так: «Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить замечательные ткани и ухватить движение». В противовес другим художникам, изображавшим театр далеким от действительности – с замершими артистами в наигранных позах, Дега видел другое – театр глазами зрителя: движение руки или мгновение, когда чей-то проходящий мимо профиль вдруг помешал охватить все действие целиком. Движение – это жизнь. Поэтому, когда на картине вы видите балерину, смело восклицайте: «Знаем-знаем, это же Дега!» Особенно на картине пастелью. Здесь у вас невероятно мало шансов промахнуться.
Все в прошлом
Описание картины Василия Максимова «Все в прошлом»
Самая известная картина Василия М. Максимова «Все в прошлом» является своеобразным символом уходящей эпохи патриархальной России. В центре картины — две пожилые женщины.
На переднем плане изображена крестьянка, сидящая на крыльце бревенчатого дома с вязанием в руках, она сосредоточенно вяжет белый чулок. На ней темная крестьянская одежда, черный в белый горошек платок на голове.
Рядом с ней, на ступеньке, стоит красивый медный самовар, под кран которого подставлена большая голубая чашка на блюдце.
Справа от пожилой крестьянки, через чайный столик, в большом кресле, утопая в подушках, сидит старая дворянка, напоминающая старуху из «Пиковой дамы» А.С. Пушкина.
На ней богатое одеяние, шелковое цветное платье выглядывает из-под меховой или бархатной накидки отороченной чернобуркой, на голове белый парик с бирюзовой бабочкой, на ногах восточный туфли, под ногами, прямо на пыльной тропинке лежит красная, вышитая парчой подушечка.
По правую руку от старухи стоит клюка. В ногах свернулся старый лохматый пес. Она сидит в полудреме, подставив морщинистое лицо лучам солнца, за ее спиной находится огромный цветущий куст сирени.
Чайный столик накрыт красивой посудой, украшен яркой индийской скатертью, создается впечатление, что пожилая крестьянка это единственный человек, который может составить компанию этой, когда-то должно быть богатой и могущественной особе.
Василий Максимов «Всё в прошлом» (1889)
Холст, масло. 72 × 93,5 см Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия
На переднем плане изображены две пожилые женщины — барыня и её служанка-наперсница. Они расположились у порога флигеля, а основное здание усадьбы находится на заднем плане — в запущенном состоянии, с заколоченными окнами. В качестве барыни Максимову позировала его невестка Варвара (жена его брата Алексея).
Барыня сидит в кресле с задумчивым видом, с полузакрытыми глазами. По-видимому, она вспоминает что-то из своей прошлой жизни. Она одета в бархатную тальму, отделанную мехом. В опущенной руке она держит лорнет. Под её ноги подложена подушка, рядом с которой примостился спаниель.
Служанка расположилась на приступке, рядом с самоваром. Она сосредоточенно вяжет чулок. Контраст между двумя женщинами подчёркивается чашками, из которых они пьют чай — изящная фарфоровая чашка с позолотой у барыни, и массивная кружка у служанки, которая стоит на ступеньке рядом с ней.
Критик Владимир Стасов писал в 1889 году по поводу этой картины Максимова в статье «Наши передвижники нынче»:
«Это тема, чудесно взятая и чудесно переданная… Максимов не потух и не стушевался. В нём ещё добрый запас ощущения русской жизни ».
Художник Яков Минченков так писал о Максимове в своих «Воспоминаниях о передвижниках»:
«Наибольшую популярность в обществе получила его картина «Всё в прошлом». И надо согласиться, что картина глубоко прочувствована и передаёт определенную эпоху.
В угасающей старой помещице, доживающей последние дни свои в бедной крестьянской обстановке, прекрасно выражено воспоминание о прежней широкой и роскошной помещичьей жизни… К сожалению, картина эта явилась лебединой песнью в творчестве Василия Максимовича».
Известные зарубежные портретисты
В изобразительном искусстве есть мастера, которым удалось создать настоящие шедевры в портретном жанре. Им удалось передать не только внешнее сходство, но и характер героя картины.
Леонардо да Винчи
Итальянский живописец, скульптор, ученый. Он проводил много времени за изучением анатомии человеческого тела, что позволило ему рисовать реалистичные картины. Леонардо да Винчи был известен своим стремлением к совершенству, он мастерски передавал на картинах игру света и тени. Самые известные портреты итальянского гения — «Мона Лиза», «Дама с горностаем», «Портрет музыканта».
Рафаэль Санти
Один из самых ярких представителей эпохи Возрождения. Занимался не только живописью, архитектурой. На своих полотнах ему удалось передать различные эмоциональные оттенки. Рафаэль Санти считался одним из самых «гармоничных» художников.
Тициан
Еще один известный портретист из Италии. Его современники полагали, что его кисть наделена магическими способностями. Тициан написал много полотен на мифологические и религиозные темы. Позже многие художники старались скопировать его стиль, но никому не удалось достигнуть его уровня мастерства.
Альбрехт Дюрер
Немецкий живописец, один из известных представителей эпохи Ренессанса. После себя он оставил не только полотна, но и гравюры. Также Дюрер уделял много времени усовершенствованию искусству ксилографии. Альбрехт любил писать автопортрет и всегда стремился к гармонии и совершенству.
Питер Рубенс
Фламандский живописец, дипломат. Творил в эпоху расцвета барокко. Уделял много внимания ракурсу модели. Ему нравилось писать портреты дам, передавать чувственность на своих полотнах.
Современники отмечали необычайную трудоспособность Рубенса. Он не только успевал работать, но и проводить встречи с учениками.
Рембрандт
Голландский художник, известный как мастер светотени. Писал не только портреты, но и гравюры
Он не акцентировал внимание на второстепенных деталях, предпочитая максимально раскрыть внутренние переживания своего героя. Несмотря на свой талант, Рембрандт не переставал искать себя в творчестве и постоянно совершенствовал свое мастерство
Диего Веласкес
Испанский мастер кисти, занимал должность придворного живописца. В 18 лет при участии своего учителя сумел открыть свою мастерскую. Будучи придворным живописцем изображал не только знать, но и простой люд, в особенности угнетаемых людей — карликов, шутов.
Это далеко не полный список мастеров портретной живописи. Ошибочно полагать, что все живописцы работали на заказ и писали богатых людей. С помощью своих полотен они исследовали внутренний мир человека, все грани его личности.
Брейгель, Брейгель и Брейгель
Первое, что всегда нужно говорить о Брейгеле с крайне умным видом – это что художников с такой фамилией было трое. Отец Питер и два сына: Питер-младший и Ян. Самый известный из них старший Брейгель. Зато младшим достались звучные прозвища: Питера называли «Адским», а Яна – соответственно, «Райским». Стиль Брейгеля-старшего – это четкая детализация и некоторая плоскость фигур в сдержанной цветовой палитре. Иногда Брейгель использовал для своей картины тему какой-нибудь фламандской пословицы или народной шутки. Его полотна – это всегда жанровые картины, аллегории сатиры на бытовую или религиозную тематику. И, конечно же, Брейгель-старший – это непременно масса людей. Маленьких и мелких, которые чем-то заняты или не заняты ничем. Кучки людей возятся в кучках забот и хлама. В большинстве случаев это многообразная деревенская жизнь, с долей горечи социальной несправедливости.
Битва поста и масленицы, 1559
Возможно, дело в том, что Брейгель в свое время был крайне впечатлен работами Босха и создавал свои вариации его картин. Но, в отличие от Босха, Брейгель-старший был реалистом. Картины, а вернее техника Брейгеля – это его собственный почерк. Кошмар, который изображал художник – это кошмар реальности – как, например, солдаты, убивающие людей. В то время как кошмар Босха – это кошмар сна, другого подземного или надземного мира. Из-за любви к крестьянским сюжетам Брейгелю дали прозвище «мужицкий», так что перепутать работы Босха и Брейгеля невозможно. Брейгель-старший – это полотно, кипящее событиями, но абсолютно реальными и всегда с подтекстом. А вот если на картине человека жрёт неведомо кто – это уже Иероним Босх.
Рембрандт и автопортрет
Побивание камнями Святого Стефана , 1625 г., Лионский музей изящных искусств .
С момента своего основания в Лейдене в 1629 году до своей смерти в 1669 году в Амстердаме Рембрандт представил себя в почти сотне произведений, написанных, гравированных или нарисованных. Бонафу даже включил свое собственное изображение в La Lapidation de Saint Etienne , написанное в 1625 году, где он представлял себя в толпе. Это большое количество было очень редким явлением в его время, его современники довольствовались горсткой автопортретов.
Рембрандт также любил маскироваться с помощью различных шляп и аксессуаров, одежды из ушедшей эпохи, маскироваться под различных персонажей (апостола, солдата, бедняка, богатого человека …). Но это также своего рода личный дневник: мы видим, как он стареет, выражаем различные настроения момента; мы также видим, как он развивается: из молодого человека с непослушными волосами мы видим, как он приобретает доверие и представляет себя как мудрый человек или как дряхлый старик, измученный аватарами своей жизни (траур, разорение); его техника также развивается со временем, с этим непрерывным поиском света и светотени .
Мы не знаем, почему Рембрандт написал столько портретов: художник этого не объяснил, а специалисты могут только догадываться. Но он представляет себя в своих работах еще до его автопортретов, на себя помещая сцены своих картин, как в его первой известной картине, Ли лапидирование де Сент — Этьен (1625), или среди стволов из его гравюр . Строго говоря, его различные выражения также кажутся исследованиями: он был его собственной моделью.
Разнообразие его представлений (как солдат, как монах, как буржуа и т. Д.), Кажется, указывает на то, что он стремится передать определенное сообщение или что он приспосабливается к своему спонсору; Более того, он был хорошо знаком с арт-рынком и знал, как себя продвигать: он знал, что его портреты пользуются большой популярностью. Бонафу объясняет разнообразие своей постановки тем, что Рембрандт один, один перед собой, что все эти маскировки указывают на то, что «Рембрандт не перестает быть художником, а модель подчиняется этому живописцу. « Опробовав несколько стилей портретной живописи, Рембрандт показывает, что он владеет ими и что он присваивает оригинальные работы: он показывает свое великое знание истории искусства , его мастеров, его правил.
Включение в сцены
Фрагмент картины «Побивание камнями святого Стефана», где Рембрандт впервые представил себя.
С 1625 года, когда ему было всего двадцать лет и он недавно учился в Амстердаме в мастерской Питера Ластмана , Рембрандт изображал себя в картине «Побивание камнями святого Стефана» . В толпе, обрамленный поднятыми руками, он смотрит на зрителя, в то время как его друг Ян Ливенс , который учится в той же студии, также представлен, на том же уровне, по другую сторону от палача. Бонафу задается вопросом, не встает ли он среди толпы, убивающей святого Стефана, против Церкви . В следующем году он написал сцену из древней истории или Ветхого Завета , в которой он принял серьезный вид позади судьи, в сцене, иконография которой остается неизвестной. В том же году на концерте в ООН Рембрандт уже проявил свою склонность к маскировке и изобразил себя на портрете, который, казалось, был ориентирован на семью, на котором все были одеты в «бирюзовые платья» : он искал, уходя от спектакля, реальности, к поражают зрителя, несмотря на моду на жанровые восточные сюжеты . Однако Бонафу исключает любые попытки метафоры со стороны Рембрандта и больше склоняется к его желанию занять место на арт-рынке . Его появление в исторических сценах или пола является частью древней традиции , которая продолжается до сих пор в с XVII — го века Питером Паулем Рубенсом в Автопортрете с Липсиями Яна Woverius и его братом, Филипп Рубенсом или Четыре философом (около 1611- 162 — активность ума); Диего Веласкес в «Капитуляции Бреды» (1634–1635) и Франс Хальс в « Ополченцах Святого Георгия» (1639 г. — присутствует на суде); Шарль Лебрен в « Сошествии Святого Духа» (1656–1657 — участвует в мученической кончине святого Стефана).
Первые автопортреты
В 1630 году Рембрандт был вдохновлен Gueux от Жака Калло , чтобы представить себя сидящим в лохмотьях и морщась: таким образом он показал свой талант для выражения «страстей, его возможный отрыв от мира денег и рынка, но и выделяться из коды автопортрета, которые означали, что начиная с эпохи Возрождения художники обычно демонстрируют ценный образ самих себя. »
Диего Веласкес
Диего Веласкес – живописец из Испании, придворный художник Филиппа IV. Веласкес начал учиться живописи, когда ему было десять лет.
Уже в восемнадцатилетнем возрасте художнику удалось открыть собственную мастерскую: в этом ему помог Франсиско Пачеко, его учитель.
В начале творческого пути Веласкес изображал натюрморты, различные кухонные сценки. Особенностями этих картин стали цветотени, насыщенность цвета.
Потом мастер переехал в столицу Испании и стал придворным живописцем. Он не только писал заказные парадные портреты, но и старался запечатлеть самых несчастных, униженных людей: уродцев, шутов, карликов.
Известные портреты: «Трактирщик», «Старая кухарка», «Портрет короля Испании Филиппа IV в доспехах», «Портрет дамы с веером», «Шут Хуан Австрийский».
Личная жизнь
В 1642 году от туберкулеза умирает Саския, у возлюбленных был сын Титус (трое других детей скончались в младенческом возрасте), с которым Рембрандт поддерживал дружеские отношения. В конце 1642 года художник встречается с молодой особой Гертье Диркс. Родители Саскии были огорчены тем, как вдовец распоряжался приданым, живя в роскоши. Позже Диркс подает в суд на своего возлюбленного за то, что тот нарушил обещание взять ее в жены. От второй женщины у художника родилась дочь Корнелия.
В 1656 году Рембрандт из-за материальных трудностей объявляет себя банкротом и уезжает в уединенный домик на окраине столицы.
Жизнь ван Рейна не шла по нарастающей, а наоборот, уходила в упадок: счастливое детство, богатство и признание сменились ушедшими заказчиками и нищенской старостью. Настроение художника прослеживается на его полотнах. Так, живя с Саскией, он пишет радостные и солнечные картины, например, «Автопортрет с Саскией на коленях» (1635). На полотне ван Рейн смеется искренним смехом, а лучезарный свет озаряет комнату.
Если раньше картины художника были детализированы, то на этапе позднего творчества Рембрандт использует широкие мазки, а солнечные лучи заменяются тьмой.
Картина «Заговор Юлия Цивилиса», написанная в 1661 году, не была оплачена заказчиками, потому что лица участников заговора не проработаны скрупулезно, в отличие от предыдущих работ ван Рейна.
Незадолго до смерти, живя в бедности, в 1665 году Рембрандт пишет автопортрет в образе Зевксиса. Зевкис – это древнегреческий живописец, который скончался ироничной смертью: художника развеселил написанный им же портрет Афродиты в образе старухи, и он умер от смеха. На портрете Рембрандт смеется, художник не постеснялся вложить в полотно долю черного юмора.
У истоков Рембрандта
Мастер светотени родился в семье мельника, но достаточно состоятельного, чтобы прокормить своё многочисленное потомство. Живописец пришел в этот мир 15 июля 1606 года.
Своё второе имя Харменс художник получил от отца, которого звали Хармен Герритсзон ван Рейн. В Голландии тех времен было принято ребенку вторым именем давать производное от имени отца. Жила семья в городе Лейдене.
Юный живописец пошел учиться в местную школу при университете. Уже во время школьной учебы более всего Рембрандт тяготился к живописи. Семья учла способности мальчика, и родители отдали его в ученики к художнику ван Сваненбюрху, затем молодой живописец учился у Питера Ластмана уже не в родном Лейдене, а в Амстердаме.
Город Лейден, место рождения Рембрандта / mir-da.ru
В возрасте 21 года Рембрандт с другом открыл свою собственную мастерскую, они начали принимать к себе в ученики юных художников, и уже очень скоро имя Рембрандта уже было на слуху и приобрело известность.
Более ранние работы голландского мастера, относящиеся к 1620-м годам, по сравнению с поздними, написаны в красочной и яркой палитре. Например, такие картины как «Крещение евнуха» и «Сцена из древней истории», наполнены светом и яркостью красок и, если сравнить их с «Возвращением блудного сына» или «Ночным дозором», выполненными в более темных тонах, заметно разительное отличие манеры написания.
В позднем творчестве Рембрандт уделяет больше внимания игре светотени на полотне. Скорее всего, это является влиянием Караваджо.
Рембрандт Харменс ван Рейн «Автопортрет с двумя кругами», между 1665 и 1669 годамиМестонахождение: Кенвуд-хаус, Лондон, Великобритания
Известные художники-сюрреалисты
Предшественником и идейным основателем сюрреализма в живописи исследователи считают творчество нидерландского художника Иеронима Босха (XVI век), загадочные картины которого показали интерес творческой личности к фантазиям, нереальным изображениям и деформированной реальности («Аллегория чревоугодия и любострастия», «Извлечение камней глупости», триптих «Страшный суд).
(Сальвадор Дали «Постоянство времени»)
Самый известный художник-сюрреалист испанец Сальвадор Дали (1904-1989) считал себя последователем Босха. Его работы, основанные на теории Фрейда о человеческом подсознании, служили формальным и визуальным языком для передачи его снов, фантазий и галлюцинаций окружающим людям. Его творчество характеризуется использованием параноидально-критического метода познания (состояние, которое позволяю создавать иллюзии при полном сохранении собственного здравомыслия). Его знаменитые картины – «Постоянство времени», «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за миг до пробуждения», «Предчувствие гражданской войны», «Лебеди, отраженные в слонах» и т.д.
(Макс Эрнст «Луара»)
Немецким идеологом стиля сюрреализм считается художник, график и скульптор Макс Эрнст
Это признанный мастер коллажа и фроттажа, в работах которого сосредоточено большое внимание на творчестве людей с нарушенной психикой. Его работы: «Плеяды или Приближение половой зрелости», «Целебес», «Сомнительная женщина», «Царь Эдип», «Кастор и Полукас», «Око безмолвия»
(Фрида Кало «Две Фриды»)
Известная художница, работавшая в стиле сюрреализма Фрида Кало (Мексика), её работы имеют особую смысловую наполненность, эмоциональность и яркость. Её произведения отличает большое количество автопортретов: «Маленькая лань», «Две Фриды», «Сломанная колонна», «корни», «Что дала мне вода».
(Ив Танги «Я увидел три города»)
Французский сюрреалист Ив Танги, сменивший огромное количество разных профессий, некоторое время был моряком, что объясняет присутствие в его картинах темы моря, подводных обитателей. Его работы характеризуются некоторой мрачностью, романтизмом, использованием мягких, плавных линий, изображение облаков, морской волны, клубов дыма: «Завтра», «Ветер», «Рука в облаках», «Превращение», «Шторм».
В Бельгии способствовал развитию сюрреалистического направления в живописи художник Поль Дельво, центральной тематикой его картин было обнаженное женское тело, часто изображал скелетов, наиболее известные полотна: «Спящая Венера», «Деревня русалок», «Зеркало», «Леда», «Пигмалион». Также известный бельгийский художник сюрреалист Рене Магритт, его произведения «Дитя человеческое», «Влюбленные», «Фальшивое зеркало».
Направления искусства
Портрет можно написать в разных направлениях. Часто художники экспериментировали, пытаясь найти новую форму для самовыражения. В каждом направлении были свои выдающиеся мастера.
Абстракционизм
Художники не используют реалистичные средства живописи, предпочитая геометрические формы и игру с цветом. Самыми яркими представителями абстракционизма являются В. Кандинский, М. Ларионов, Н. Гончарова.
Барокко
Выделяется пышностью, величием. В картинах сочетаются реализм и вымысел. В этом направлении писали Рубенс («Венера перед зеркалом»), Караваджо («Отдых на пути в Египет») и Эль Греко («Святой Иоанн Евангелист и Святой Франциск»).
Бытовой жанр
Художники изображали на картинах исключительно современные для них события. Например, Диего Веласкес «Старая женщина, готовящая яичницу», Эдгар Дега «Абсент» и Борис Кустодиев «Купчиха за чаем».
Возрождение или Ренессанс
У изображений появляется объем, а на фоне возникают пейзажи. Самые знаменитые полотна в стиле Ренессанс — Сандро Боттичелли «Рождение Венеры», Рафаэль «Сикстинская Мадонна», Тициан «Тарквиний и Лукреция».
Импрессионизм
Художники писали маленькими мазками, поэтому краски не смешивались между собой. Они полностью отказались от черного цвета и стремились запечатлеть мимолетность и легкость мгновений. Известные представители — Огюст Ренуар («Танец в Буживале»), Эдгар Дега («Звезда балета»), Эдуард Мане («Сливовица»).
Исторический жанр
Появился в эпоху Возрождения. Художники изображали на картинах значимые исторические события. Примеры исторических полотен — Диего Веласкес «Сдача Бреды», Рембрандт «Заговор Клавдия Цивилиса», Василий Суриков «Боярыня Морозова».
Классицизм
Ключевыми элементами выступают светотень и линии. Особенно этот жанр был популярен в России. Его яркими представителями были Карл Брюллов («Портрет графини Юлии Павловны Самойловой с приемной воспитанницей Джованинной Пачини и арапчонком»), Федор Рокотов («Портрет Григория Орлова в латах»), Дмитрий Левицкий («Портрет Екатерины Нелидовой»).
Кубизм
Ассоциируется с Пабло Пикассо. Ему удавалось через геометрические формы раскрыть внутренний модели, изображенной на портрете. Самые знаменитые работы Пабло Пикассо в кубизме — «Портрет Амбуаза Воллара», «Студент» и «Авиньонские девицы».
Ню
Жанр в живописи, воспевающий красоту обнаженного тела. Это демонстрация чувственного восприятия мира и идеальные представления о красоте. В этом направлении писал Тициан («Даная»), Рубенс («Три грации») и Франсуа Буше («Венера и Купидон»).
Поп-арт
Это направление зародилось в 50-60-х гг. в США. Героями картин становились герои массовой культуры. Самые известные представители — Энди Уорхолл («Мерилин Монро»), Дэвид Хокни («Живопись для дипломной работы») и Рой Лихтенштейн («В машине»).
Символизм
Художники стремились к новаторству, тайнам и иносказанию. Один из талантливых мастеров этого направления — Михаил Врубель («Шестикрылый Серафим», «Демон сидящий», «Тамара и Демон»).
В каждом из этих течений были свои талантливые мастера, а изображение человека на портрете менялось — от реалистичного до абстрактного, где главное — раскрыть внутренний мир героя.