Личное и судьба
С 1927 года Лисицкий был женат на Софи Кюпперс, вдове известного искусствоведа из Ганновера. От первого брака у неё было двое детей. Общий с Лисицким сын Борис родился в 1930 году.
В 1923 году у Лисицкого диагностировали туберкулёз, в те годы ещё смертельный. И началась битва за жизнь. Затем ампутация одного лёгкого, страшные мучения, в периоды облегчения работа, работа. В декабре 1941 года Эль Лисицкий умер.
Преданная Софи сумела сохранить все работы мужа, которые в 1960-х передала Третьяковской галерее, а также выпустила книгу о нём, восторженном энтузиасте с безмерным талантом, революционере в искусстве и настоящем генераторе смелых идей. Удивительно, но Эль Лисицкий на родине менее известен, чем за рубежом. Может, пора узнать своих героев?
Александр Герасимов
Александр Герасимов (1880-1963) был выдающимся художником, архитектором и театральным дизайнером в России. Учился у Абрама Архипова и Константина Коровина. После возвращения с фронта во время Первой мировой войны Александр основал Коммуну Козловских художников в 1918 году. Художники жили в Тамбовской губернии, с 1918 по 1925 год. В 1925 он вернулся в Москву. Именно в это время его стиль резко изменился. Он больше не рисовал пейзажи в стиле импрессионизма; все последующие картины написаны в стиле соцреализма. При этом он стал любимым художником Иосифа Сталина. Это закрепило его положение, он стал председателем Союза художников, а затем президентом Академии художеств СССР. За свою карьеру он четыре раза получил Сталинскую премию.
Александр Герасимов. Ленин на трибуне, 1930
Г: Гинзбург
Моисей Гинзбург, архитектор-конструктивист, стоял у истоков авангардной архитектуры. На первое место в конструктивизме вышла функциональность, а не декор, а архитектор — становился «организатором жизни», как писал Моисей Гинзбург. Новая архитектура отталкивалась от потребностей человека, однако не воспринимала его как отдельную личность. Индивид становился лишь частью определенной социальной группы, на нужды которой «работает» архитектор. В 1924 году Гинзбург опубликовал книгу «Стиль и эпоха». Эта работа стала теоретической основой конструктивизма, а построенный по проекту Гинзбурга Дом Наркомфина в Москве — визитной карточкой этого архитектурного направления.
Жилой дом на Новинском бульваре в Москве. 1928–1930. Фотография: famous.totalarch.com
Дом текстилей. Конкурсный проект 1925 года. Фотография: famous.totalarch.com
Дворец Советов. Конкурсный проект 1932 года. Фотография: famous.totalarch.com
Ш: Шагал
Сегодня Марка Шагала называют «предвестником сюрреализма». Художник писал экспрессионистские работы, а после поездки в его полотнах появились черты кубофутуризма. Однако сам Марк Шагал никогда не причислял себя ни к одной арт-группировке, не становился членом художественных объединений. В 1918 году он вернулся в родной город и открыл художественное училище и свободные мастерские, где живописи могли учиться все желающие. Через год в училище приехал преподавать Казимир Малевич — и началось противостояние двух художников-авангардистов. Последователи Малевича объявили училище «супрематической академией», и вскоре после этого Марк Шагал оставил свой пост и уехал в Москву, а позже — эмигрировал.
Марк Шагал. День рождения. 1915. Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Марк Шагал. Я и деревня. 1911. Музей современного искусства, Нью-Йорк, США
Марк Шагал. Прогулка. 1917–1918. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Фотоколлажи
Для Лисицкого фотография была не способом задокументировать реальность, а инструментом для эксперимента. Он создавал глубокие, многослойные изображения, печатая снимки с нескольких негативов сразу.
Лисицкий использовал технику фотограммы ― способ получения изображения без фотоаппарата, фотохимическим методом с помощью лампы и специальной бумаги или плёнки. Так предметы на снимке получали более чёткие или рассеянные очертания.
Технику фотоколлажей Лисицкий использовал в оформлении обложек книг, журналов, афиш, рекламы.
«Бегун в городе», 1926Изображение: The Museum of Modern Art
«Конструктор. Автопортрет», 1924Изображение: The Museum of Modern Art
Портрет художника-авангардиста Курта Швиттерса, 1924Фото: Public Domain
Ф: Футуризм
Футуризм (от итальянского futuro — «будущее») — это новый язык искусства. Своего расцвета направление достигло в литературе. В первую русскую футуристическую группу вошли Владимир Маяковский, Давид Бурлюк, Велимир Хлебников, Алексей Кручёных. Они называли себя «будетлянами», как позже писал Маяковский: «люди, которые будут». Футуристы отвергали реализм и старались сломать старые традиции в искусстве. Слово у них активно взаимодействовало с изображением: именно в это время появилась культура плакатов. Издавались рукописные книги, поэты иллюстрировали сборники, художники писали стихи.
Владимир Маяковский
«А вы смогли бы?»
Я сразу смазал карту будня,
плеснувши краску из стакана;
я показал на блюде студня
косые скулы океана.
На чешуе жестяной рыбы
прочел я зовы новых губ.
А вы ноктюрн сыграть могли бы
на флейте водосточных труб?1913
Давид Бурлюк
«Камень, брошенный с вершины»
Камень, брошенный с вершины,
Не вернется никогда! —
В лаве бурныя морщины, —
Камень книзу без следа;
Но сказали мне японцы,
Что к вершине, где так солнце
Светит ярко — ветер часто
Камень гонит вспять несчастной.1921
Алексей Кручёных
«Тропический лес»
Пробуждается и встает
в белых клубах негр
смотрит на круглый живот
пробует острый верх
водомет голубой крыло головы
зубы сверкают среди барвинков
лежа на копьях листвы
кто-то играет на скрипке.1913
Александр Герасимов
Александр Герасимов (1880-1963) был выдающимся художником, архитектором и театральным дизайнером в России. Учился у Абрама Архипова и Константина Коровина. После возвращения с фронта во время Первой мировой войны Александр основал Коммуну Козловских художников в 1918 году. Художники жили в Тамбовской губернии, с 1918 по 1925 год. В 1925 он вернулся в Москву. Именно в это время его стиль резко изменился. Он больше не рисовал пейзажи в стиле импрессионизма; все последующие картины написаны в стиле соцреализма. При этом он стал любимым художником Иосифа Сталина. Это закрепило его положение, он стал председателем Союза художников, а затем президентом Академии художеств СССР. За свою карьеру он четыре раза получил Сталинскую премию.
Александр Герасимов. Ленин на трибуне, 1930, Музей В.И.Ленина, г. Москва
#Выставочный_дизайн
Эль Лисицкий, по сути, изобрел выставочный дизайн как новый вид художественной деятельности. Его первым экспериментом в этой области стало «Пространство проунов» (Prounenraum). Название несло в себе двойной смысл: пластические приемы построения пространства в проунах использовались для их размещения в демонстрационном зале.
В июле 1923 года на Большой берлинской выставке Лисицкий получил в свое распоряжение небольшое помещение, где смонтировал инсталляцию, в которой располагались не живописные проуны, а их выполненные из фанеры увеличенные копии. Они не просто располагались по стенам (также был задействован потолок), но организовывали пространство помещения, задавали зрителю направление и темп осмотра.
Пространство проунов. Фрагмент экспозиции Большой берлинской художественной выставки. 1923. Бумага, офсетная печать. Государственная Третьяковская галерея
В пояснительной статье Лисицкий писал: «Я показал здесь оси моего формирования пространства. Я хочу здесь дать принципы, которые считаю необходимыми для основополагающей организации пространства
В этом уже заданном пространстве я пробую эти принципы показать наглядно, принимая во внимание тот факт, что речь идет о выставочном пространстве, и для меня, следовательно, о демонстрационном пространстве. Равновесие, которого я хочу достичь, должно быть подвижным и элементарным, таким, чтобы оно не могло быть нарушено телефоном или предметом конторской мебели». Ремарка по поводу возможности существования в этом интерьере телефона и мебели подчеркивала функциональность проекта, его претензию на универсальность метода
Ремарка по поводу возможности существования в этом интерьере телефона и мебели подчеркивала функциональность проекта, его претензию на универсальность метода.
Интерьер зала конструктивного искусства на Международной художественной выставке, Дрезден. 1926. Серебряно-желатиновый отпечаток. Российский государственный архив литературы и искусства
На международной художественной выставке в Дрездене в 1926 году Лисицкий в качестве художника-инженера создал «Зал конструктивного искусства»: «Я поставил вертикально, перпендикулярно к стенам тонкие рейки, покрасил их слева белым, справа черным, а саму стену серым. Систему отступающих реек я прервал поставленными в углах помещения кессонами. Они наполовину закрыты сетчатыми поверхностями — сеткой из штампованного листового железа. Сверху и внизу поставлены картины. Когда одна из них видна, вторая мерцает через сетку. При каждом движении зрителя в пространстве меняется воздействие стен, то, что было белым, становится черным, и наоборот».
Кабинет абстракции. Фрагмент экспозиции в Провинциалмузеуме, Ганновер. 1927. Серебряно-желатиновый отпечаток. Государственная Третьяковская галерея
Те же идеи он в дальнейшем развил в «Кабинете абстракции» (Das Abstrakte Kabinett), выполненном по заказу директора Провинциалмузеума в Ганновере Александра Дорнера для экспонирования современного искусства. Там интерьер был дополнен зеркалами и горизонтально вращающимися витринами для графических работ. Посылая коллеге Илье Чашнику фотографию «Кабинета абстракции», Лисицкий писал: ««Я прилагаю здесь фотографию, но в чем там дело, нужно объяснить, потому что эта штука живет и движется, а на бумаге видать лишь покой».
В павильоне СССР на Международной выставке «Пресса» в Кельне (1928) главным экспонатом стал сам дизайн: пространственная диаграмма «Советская Конституция» в виде светящейся красной звезды, движущиеся установки и трансмиссии, в том числе «Красная Армия» Александра Наумова и Леонида Теплицкого, а также грандиозный фотофриз. «Международная печать признает оформление советского павильона крупным успехом советской культуры. За эту работу отмечен в приказе Совнаркома . Для нашего павильона в Кельне я выполняю фотомонтажный фриз размером 24 метра на 3,5 метра, являющийся образцом для всех сверхбольших монтажей, ставшей обязательной принадлежностью следующих выставок», — вспоминал Лисицкий в автобиографии, написанной незадолго до смерти.
Отъезд из отчего дома, Петербург, Дармштадт
В 1909 году Лазарь попытался поступить в художественную академию в Петербурге. Официальная версия отказа состоит в несоблюдении академических канонов в работе, представленной экзаменационной комиссии. Возможно, решающую роль сыграла национальная принадлежность поступающего – евреев принимали неохотно.
Как было принято в то время в среде молодых, отверженных родиной евреев, Лисицкий едет учиться в Германию. В городе Дармштадт действовал известный технический университет, архитектурный факультет которого в 1914 году с отличием окончил Лазарь Левицкий.
Во время обучения он, активный и любознательный, побывал во Франции и Италии, изучал искусство во всех его проявлениях. Именно в этот период у Лазаря созрел культ профессионализма и стали складываться художественные пристрастия.
М: Малевич
Всемирно известный художник Казимир Малевич начинал с импрессионизма; потом в его творчестве можно проследить чередование неопримитивизма, кубофутуризма, алогизма. Он стал основателем нового направления русского авангарда — супрематизма, который в массовом сознании четко ассоциируется с «Черным квадратом» — торжеством чистой геометрической формы. Малевич презентовал свой стиль на выставке «0,10» в 1915 году. А в 1919-м он организовал «итоговую» выставку: от самых ранних работ до непосредственно супрематических, причем несохранившиеся картины он написал заново. Вскоре Малевич уехал в Витебск — преподавать. Там же появилось объединение «Утвердителей нового искусства» (Уновис).
Казимир Малевич. Супрематическая композиция. 1916. Частное собрание
Казимир Малевич. Спортсмены. 1930–1931. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Казимир Малевич. Утро после вьюги в деревне. 1912. Музей Соломона Гуггенхейма, Нью-Йорк, США
Самые яркие работы Лисицкого
Работая в живописи, архитектуре, фотографии, дизайне, выдающийся представитель русского авангарда Лисицкий объединял общие мысли и тенденции под новым взглядом.
Трудно ассоциировать художника с определённым видом искусства, он автор многих знаковых работ, таких как:
- Плакат «Бей клином» (1920);
- Нереализованный проект «Пространственный небоскрёб» (1923-1925);
- Фотоколлаж «Конструктор. Автопортрет» (1924);
- Оформление советского павильона выставки «Пресса» в Германии (1929);
- Плакат «Давайте больше танков» (1941).
и множество других картин, проунов, книжных обложек, иллюстраций, дизайнерских и архитектурных находок, которые говорят о широте, свободе и невероятной смелости творческих поисков художника-конструктора.
Новый взгляд на выставки: первый интерактив
В мае 1923 года Лисицкий работал над оформлением художественной выставки в Амстердаме, для которой он создал серию эскизов под названием «Пространство проуна». Экспозицию художник оформил по принципу своих проунов: добавил в композицию неожиданные трехмерные детали. В частности, заменил рисунки их увеличенными объемными моделями из фанеры. А еще Лисицкий обработал стены специальной краской, оттенок которой менялся в зависимости от угла обзора. Благодаря этому зрителям, которые проходили мимо, казалось, что стены постоянно меняют цвет.
В июле того же года художник смонтировал на Большой берлинской выставке, где ему предоставили отдельное помещение, большую концептуальную инсталляцию. Увеличенные модели проунов из фанеры Лисицкий разместил по залу таким образом, что они задавали направление и даже темп осмотра для посетителей и тем самым вели их по залу.
Флаговый штандарт советского павильона выставки «Пресса» в Кельне. Вид от Рейна. 1928. Государственная Третьяковская галерея, МоскваЭль Лисицкий. Ленинская трибуна. Проект трибуны для площади. 1920. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Следующий проект Лисицкого по организации выставочного пространства — «Кабинет абстракции» — стал хрестоматийным примером оформления выставок современного искусства. Художник одним из первых создал интерактивную экспозицию, которая позволяла зрителям трансформировать ее. Например, для скульптуры он создал зеркальный угол, который помогал рассмотреть ее со всех сторон. А картины поместил в ниши с жалюзи, чтобы гости могли сами открывать и закрывать работу в зависимости от того, хотели они ее видеть или нет.
По сути, именно Лисицкий изобрел выставочный дизайн как таковой: до него оформлению экспозиционного пространства никто не придавал большого значения. Современные музеи монтируют выставки по примеру художника: продумывают расположение и компоновку экспонатов в пространстве, создают особые пути просмотра экспозиции, пользуются многочисленными интерактивными элементами — от мультимедийных экранов до трансформирующихся предметов.
В: Всёчество
Теоретическую концепцию с таким «всеобъемлющим» названием выдвинули в 1913 году художники Михаил Ларионов, Михаил Ледантю, Кирилл Зданевич и литератор Илья Зданевич. Они подписали манифест «Лучисты и будущники», в котором провозгласили: «Все стили мы признаем годными для выражения нашего творчества, прежде и сейчас существующие». Авангардное движение действительно не сформировало единого стиля. Илья Зданевич представил свою концепцию на закрытии выставки Наталии Гончаровой, и дальше пропагандировал теорию всёчества на лекциях в Петербурге.
Михаил Ларионов. Петух и курица. 1912. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Наталия Гончарова. Весна. Белые испанки. 1932. Государственная Третьяковская галерея, Москва
Наталия Гончарова. Синяя корова. 1911. Галерея Альбертина, Вена, Австрия
С: Супрематизм
Термин придумал Казимир Малевич для своих же работ. «Супремус» — «высший», супрематизм — искусство будущего, новый геометрический язык, возведение формы в абсолют. Традиционная живопись, по мнению Малевича, на тот момент была изжита. А супрематизм стал новой философской системой, изображающей «беспредельную абстрактную вселенную» с помощью цвета и форм. «Черный квадрат», представленный художником в 1915 году, открыл в русском авангарде новую страницу беспредметных форм.
Казимир Малевич. Супрематизм 8. 1916. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Казимир Малевич. Супрематизм (с восемью прямоугольниками). 1915. Городской музей Амстердама, Нидерланды
Николай Суетин. Супрематизм. 1920–1921. Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид, Испания
использованная литература
- Беркович, Гэри . Восстановление истории. Еврейские архитекторы в царской России и СССР. Том 2. Советский авангард: 1917–1933 гг. Веймар и Росток: Grunberg Verlag. 2021. С. 103. ISBN 978-3-933713-63-6.
- Бургос, Франциско; Гарридо, Хинес (2004). Эль Лисицкий. Волькенбюгель 1924–1925 гг . Отсутствующая архитектура (Руэда, Испания). ISBN 978-84-7207-158-2.
- Керл, Джеймс Стивенс (2006). (мягкая обложка) (второе изд.). Издательство Оксфордского университета. ISBN 0-19-860678-8.
- Хан-Магомедов, С.О. (2005). Сто шедевров советского архитектурного авангарда ( Сто шедевров советского архитектурного авангарда ) (на русском и испанском языках). УРСС, Москва. ISBN 5-354-00892-1.
- Лисицкий-Купперс, Софи (1980). Эль Лисицкий, жизнь, письма, тексты . Темза и Гудзон. ISBN 0-500-23090-0.
- Малгрейв, Гарри Фрэнсис (2005). Современная архитектурная теория: исторический обзор, 1673–1968 гг . Кембридж. ISBN 0-521-79306-8.
- Марголин, Виктор (1997). Борьба за утопию: Родченко, Лисицкий, Мохой-Надь: 1917–1946 гг . Издательство Чикагского университета. ISBN 0-226-50516-2.
- Маяковский, Владимир; Эль Лисицкий (2000). Для голоса (Для голоса) . Пресс Массачусетского технологического института. ISBN 0-262-13377-6.
- Перлофф, Нэнси; Рид, Брайан (2003). Местонахождение Эль Лисицкого: Витебск, Берлин, Москва . Исследовательский институт Гетти. ISBN 0-89236-677-Х.
- Спенсер, Герберт; Пойнор, Рик (2004). Пионеры современной типографики . Массачусетский технологический институт Пресс. ISBN 978-0-262-69303-5.
- Шацких, Александра (2007). Витебск: жизнь искусства . Издательство Йельского университета. ISBN 978-0-300-10108-9.
- Шишанов В.А. Витебский музей современного искусства : история создания и коллекция . 1918-1941 гг. – Минск: Медисонт, 2007. – 144 с.
- Стеделийк Ван Аббемузей; Эль Лисици (1990). Эль Лисицкий, 1890–1941: архитектор, художник, фотограф, типограф . Муниципальный музей Ван Аббе. ISBN 90-70149-28-1.
- Толстой, В.П., изд. (2006). Выставочные ансамбли СССР 1920-1930- е годы . Галарт, Москва. ISBN .
- Тупицын, Маргарита (1999). Эль Лисицкий: По ту сторону абстрактного кабинета . Издательство Йельского университета. ISBN 978-0-300-08170-1.
- Эль Лисицкий. Волькенбюгель 1924-1925 гг . Издатель = Editorial Rueda, Мадрид, 2005 ISBN 84-7207-158-8
Щ: Щукин
Сергей Щукин — московский купец, меценат и коллекционер, человек, открывший России французских импрессионистов. Его коллекция вместе с собранием Ивана Морозова стала основой экспозиции авангардной живописи Эрмитажа и Музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. Щукин приобретал картины, которые в то время вызывали негативные отклики критиков и зрителей, а позже оказались знаковыми для живописи рубежа XIX–XX веков. Именно Щукин открыл российским зрителям Пабло Пикассо и Анри Матисса. За два панно Матисса — «Танец» и «Музыка» — коллекционер заплатил огромную на тот момент сумму: 15 и 12 тысяч франков. Особняк Щукина с произведениями художников-новаторов был открыт для посещения, и молодые авангардисты 1910-х годов могли знакомиться там с творчеством своих западных коллег.
Анри Матисс. Танец. 1910. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Христиан Корнелиус (Ксан) Крон. Портрет Сергея Щукина. 1915. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Анри Матисс. Музыка. 1910. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург
Татлин Владимир Евграфович картины
Татлин Владимир Евграфович — советский художник, график, живописец. Родился в Харькове в 1885 году. Знаменит тем, что стал одним из самых значимых художников в русском авангарде. Кроме того, Владимир Татлин считается родоначальником русского конструктивизма. Одним из самых известных произведений, которые относятся к конструктивизму и являют её ярчайший образ, является конструкция Башня Татлина или Памятник III Интернационала.
Владимир Евграфович Татлин был довольно неоднозначной личностью. Известно, что в 13 лет он убежал из дома и был вынужден кормиться от случайных заработков. Из Московского училища живописи, ваяния и зодчества, в которое он поступил в 1902 году, его отчислили за неуспеваемость и неодобрительное поведение. После отчисления, он поступил в Пензенское художественное училище, продолжал создавать своё уникальное искусство, несмотря ни на что, и это, в конце концов, принесло ему славу.
Биография Татлина богата на события, в том числе и события из мира изобразительного искусства. Свои работы он выставлял вместе с такими художественными объединениями, как «Мир искусства», «Союз молодёжи», «Бубновый валет» и «Ослиный хвост». Также был участником «Последней футуристической выставки 0.10», которая стала легендарной. С 1925 года был профессором в Киевском Художественном Институте. С 1927 года стал профессором ВХУТЕИНа в Москве.
Творчество Владимира Татлина также удивительно, как и его жизнь. Многие искусствоведы считают, что этот талантливый живописец стал продолжателем дела Пикассо и совершенствовал разработки великого кубиста. Известно, что Татлин открыто противостоял Казимиру Малевичу. Он был в корне не согласен с тем, что искусство нужно увести в плоскость лишь одного цвета и абстрактных форм. Правдива ли история о том, что Татлин выбил стул из под Малевича, предлагая посидеть ему на цвете и геометрии, неизвестно, но она отличным образом характеризует их несогласия. Искусство Владимир Татлина некоторые называют утопическим, а другие, в том числе и признанные лидеры мировой живописи, называют настоящим прорывом, революцией, которая дала жизнь новым жанрам и направлениям.
Великий художник русского авангарда Татлин Владимир Евграфович умер в 1953 году в Москве. Похоронен на Новодевичьем кладбище.
Если вы хотите узнать свой почтовый индекс, то лучшим выбором для вас будет найти индекс по адресу в Москве на Index-Msk. Быстрый и очень удобный поиск.
Художник Татлин Владимир Евграфович
Антонида
Богдан Сабинин
Контр-рельеф
Май
Матрос. Автопортрет
Мясо
Натурщица
Продавец рыб
Садовые цветы
Спасские ворота
Старо-басманная
Трамвай
Цветы
Лисицкий – художник книги.
Будучи в первую очередь архитектором Лисицкий рассматривал книгу подобно зданию, где каждый разворот подобен комнате. Лисицкий стремился вовлечь зрителя настолько, чтобы он не пропустил ни одной страницы.
«Супрематический сказ про два квадрата» ,1922).
Основную смысловую нагрузку в этой небольшой книге несет не текст, а занимающий почти все пространство листа, составленный из четких геометрических форм – квадратов, кругов и параллелепипедов – конструктивный рисунок, причем все фигуры либо черного, либо красного, либо серого цвета.Рисунки подчеркнуто динамичны, в них преобладают диагональные линии, устремленные из левого нижнего угла в правый верхний угол, они торопят зрителя, возбуждают его любопытство, заставляя перейти к следующей странице. Текст книги, не считая названия, состоит всего из 33 слов, но повествование здесь ведется при помощи визуальных, а не вербальных средств.
Это – книга-конструктор, которая требует активного восприятия авторской мысли, она вынуждает зрителя изучать то, что находится перед его глазами. Слово «сказ» в названии книги употреблено недаром: формируя пространство листа, художник пытается воспроизвести устную речь при помощи графических средств, сочетанием вертикальных, горизонтальных и наклонных линий и дуг имитируя свойственные устной речи интонационные переходы и мимику рассказчика. Текст превращается в графический элемент, делается составной частью изобразительного ряда. Он не выровнен вдоль прямой линии, не параллелен нижнему краю листа, буквы в одном слове прыгают и пляшут, размер их меняется в пределах слова, задавая ритм прочтения, смысловые ударения.
Места сгущения смысла Лисицкий предлагал выделять выразительными средствами набора, уплотняя, разрежая и укрупняя в нужных местах шрифт. Но иногда зачастую намеренно усложнял восприятие текста, превращая его в шараду – помещал одни буквы внутрь других, включал в наборную строку титульные шрифты.
Книга стихов В.В.Маяковского «Для Голоса» (1923)
Привлекла внимание к исключительной роли типографского набора, плашек и других атрибутов полиграфического производства. В книге сделана вырубка-регистр, применяющаяся для некоторых справочных изданий, и это придало книге дополнительную объемность, а каждое стихотворение Лисицкий отметил особой пиктограммой
Книга напечатана красной и черной красками. Для набора использовался плоский шрифт «гротеск». За счет разноуровневого несимметричного расположения букв, вариации размеров и начертания шрифта в пределах даже одного слова здесь создается особая выпуклость страницы, которая недостижима при ином способе набора. Знаменательно и то, что все прочие элементы построения страницы тоже взяты из наборной кассы – это линейки и дуги, при помощи которых Лисицкий строил изображения (якорь, человечек), и отдельные крупные буквы, строя которые Лисицкий специально оставлял промежутки между составляющими элементами.
В 1923 году Лисицкий публикует статью «Торжество топографики», где формулирует 8 принципов оформления книг:
1. Слова, напечатанные на листе, воспринимаются глазами, а не на слух.
2. С помощью обычных слов представляются понятия, а с помощью букв понятия могут быть выражены.
3. Экономия восприятия — оптика вместо фонетики.
4. Оформление книжного организма с помощью наборного материала по законам типографской механики должно соответствовать силам сжатия и растяжения текста.
5. Оформление книжного организма с помощью клише реализует новую оптику. Супернатуралистическая реальность совершенствует зрение.
6. Непрерывная последовательность страниц — биоскопическая книга.
7. Новая книга требует новых писателей. Чернильница и гусиные перья мертвы.
8. Напечатанный лист побеждает пространство и время. Напечатанный лист и бесконечность книги сами должны быть преодолены.
«Я считаю, — писал он 12 сентября 1919 года Казимиру Малевичу, — что мысли, которые мы пьем из книги глазами, мы должны влить через все формы, глазами воспринимаемые. Буквы, знаки препинания, вносящие порядок в мысли, должны быть учтены, но кроме этого, бег строк сходится у каких-то сконденсированных мыслей, их и для глаза нужно сконденсировать».