Курода сэйки

Периоды Хэйан (Heian) и Камакура (Kamakura)

С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото. Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото.

С развитием в Японии тайных буддистских сект Шингон (Shingon) и и Тендай (Tendai) в VIII и IX веках, стали преобладать религиозные картины, чаще всего изображавшие Мандалу (Mandala). Бесчисленные версии изображения Мандалы, особенно Мандалы Алмазного мира и Мандалы Сокрытого мира, были созданы на свертках и на стенах храмов. Самый ранний сохранившийся пример находится в пятиярусной пагоде Дайго-джи (Daigo-ji), храме на севере Киото (Kyoto). С постоянным развитием буддизма в Японии в направлении нового течения «Девственная земля» (Pure Land) в секте Джодо (Jodo) в X веке, в живопись добавился новый важный жанр: райгозу (raigozu), который изображает Будду Амиду (Buddha Amida), встречающего души верующих в своем Западном Раю (Western Paradise). Самое ранее из подобных изображений датируется 1053 годом и находится в Бёдо-ин (Byodo-in), храме Уджи (Uji) в Киото. Эта картина также считается самым ранним примером японского стиля живописи Ямато-и (Yamato-e), в котором изображаются местности вокруг Киото.

Иллюстрация из свитка «Сказания о Генджи» (Tale of Genji) (фрагмент)

К середине периода Хэйан, китайский стиль живописи кара-и потерял связь с ямато-и, который изначально использовался для росписи скользящих дверей и складных ширм. Однако позднее ямато-и стал использоваться и по-другому (особенно в конце периода Хэйан), например, на свитках эмакимоно (emakimono). Эмакимоно включали в себя иллюстрированные художественные произведения (например, Генджи Моногатари (Genji Monogatari)), исторические хроники (например, Бэн Дайнагон Экотоба (Ban Dainagon Ekotoba)) и религиозные записи. Художники и-маки (E-maki) разработали системы условных рисунков, которые визуально передавали эмоциональное содержание каждой сцены. Произведение Генджи Моногатари разделено на небольшие эпизоды, тогда как более яркое Бан Дайногон Экотоба использует продолжительную и обширную иллюстрацию, изображающую персонажей в движении, нарисованную быстрыми штрихами кисти, неяркими, ноконтрастными цветами. «Осада дворца Санджо» (Siege of the Sanjō Palace) — еще один знаменитый пример этого стиля.

И-маки также являются одними из самых ранних и великолепных примеров стилей живописи отоко-и (otoko-e, мужские картины) и онна-и (onna-e, женские картины). Между этими стилями существует множество значительных отличий, вызванных разницей эстетических предпочтений полов. Но, пожалуй, самыми заметными являются отличия в тематиках. Стиль онна-и, представленный в свитке «Сказание о Генджи», обычно изображает жизнь при дворе, чаще всего жизнь придворных дам, и романтические сюжеты. Стиль отоко-и, наоборот, обычно использовался для изображения исторических событий, чаще всего битв.

Эти стили продолжали существовать и в период Камакура (Kamakura, 1180-1333). И-маки различных видов продолжали создавать; однако, период Камакура гораздо ярче характеризуется искусством ваяния скульптур, а не живописью.

Так как большинство произведений живописи периодов Хэйан и Камакура религиозны, художники чаще всего были анонимны.

Период Мейджи (Meiji)

Курода Сейки (Kuroda Seiki), «Берег озера» (Lakeside), 1897, холст, масло, находится Зале памяти Куроды (Kuroda Memorial Hall), Токио

В период Мейджи, в Японии произошли огромные политические и социальные изменения в рамках кампании по вестернизации и модернизации, начатой новым правительством. Этот период ознаменовался разделением изобразительного искусства Японии на конкурирующие западные и традиционные стили.Западный стиль живописи (Йога, Yōga) официально поддерживался правительством: подающих надежды молодых художников посылали учиться за границу, иностранные художники нанимались, чтобы проводить занятия в японских школах.Однако после начальной популярности западного стиля, маятник качнулся в другую сторону, и, ведомое критиком Окурой Какузо (Okakura Kakuzo) и преподавателем Эрнестом Феноллоса (Ernest Fenollosa), возродилось признание традиционных японских стилей. В 1880 году западный стиль был запрещен к показу на официальных выставках, его сильно критиковали. Поддерживаемый Окакурой и Феноллосой, стиль Нинонга (Nihonga) развивался под влиянием европейских движения периода до Рафаэля и европейского романтизма.Художники, работающие в стиле Йога, образовали Мейджи Биджусукаи (Meiji Bijutsukai, Общество изобразительного искусства Мейджи), чтобы проводить свои собственные выставки и вновь пробудить интерес к западной живописи.

картина «Ёритомо в пещере» (Yoritomo in a Cave), худ. Маэда Сейсон (Maeda Seison)

В 1907 году, с созданием под эгидой министерства образования выставки Бантен (Bunten), обе конкурирующие группы нашли молчаливое признание и начали сосуществовать и даже объединяться.

Период Шоуа (Showa)

Главными японскими живописцами этого периода были Ясуи Сотару (Yasui Sotaro) и Умехара Рязабуру (Umehara Ryuzaburo), которые привнесли в традиционные японские стили понятия чистой и абстрактной живописи, таким образом сделав японскую живопись более содержательной. Этот курс продолжили Леонард Фоуджита (Leonard Foujita) и Общество Ника, добавив элементы сюрреализма. Для продолжения работы в этом направлении, в 1931 году была сформирована Независимая ассоциация искусств (Independent Art Association, Dokuritsu Bijutsu Kyokai).Во время Второй мировой войны контроль и цензура со стороны правительства означали, что допускались только патриотические сюжеты. В пропаганду правительства было вовлечено множество художников, и критическими обзорами их работ дело не ограничивалось.После войны, в 1947 году была создана спонсируемая правительством Японская академия искусств (Japan Art Academy, Nihon Geijutsuin), включающая отделы как по нихонге, так и по йоге. Финансирование правительством выставок прекратилось, но появились частные выставки, такие как Ниттен (Nitten), которые были даже обширнее. Хотя Ниттен изначально являлась выставкой Японской академии искусств, с 1958 года ею заведовала отдельная частная корпорация. Участие в Ниттен фактически стало предпосылкой к принятию в Японскую Академию искусств, что, в свою очередь, являлось предпосылкой к получению Ордена Культуры.

Сюрреализм в японской живописи

В связи с общественным давлением и суровой критикой авангардистских художников того времени можно условно разделить на два лагеря: одни усиленно избегали ярлыка сюрреалиста, другие старались занять выигрышное положение, предлагая новые индивидуальные интерпретации сюрреализма.

Так, например, Минэгиси Гиити – один из сторонников японского авангардизма – определял сюрреализм как действие, выходящее за пределы реальности. «Сюрреалистические взгляды, – утверждал Минэгиси, – вызвали крайнее недовольство материалистической культурой и сломали привычные жизненные устои. Больше всего на свете они (сюрреалисты) хотели свободы… Но реальность контролирует нас… Нынешний сюрреализм претерпел различные изменения и стал многогранным, однако то единственное, что не изменилось со временем – это желание сюрреалистов свободно выходить за рамки действительности, чтобы создавать на своих полотнах пространство для самовыражения».

Накагава Кигэн, «Танец небесной нимфы» («Celestial Nymph Dance»), 1952 г.

Художник-авангардист Накагава Кигэн, познакомивший Японию с фовизмом, высказывался за то, что сюрреализм в основе своей не может противоречить реальности. «Сюрреализм должен быть тесно связан с фактическими условиями современной жизни, чтобы развиваться, как направление. Мечты должны быть переплетены с первоначальными аспектами реального мира». Заявления Накагавы не только вышли за рамки сюрреалистической теории Бретона, но и буквально поставили мат пролетарской критике сюрреалистов за то, что все они якобы пропагандируют эскапизм и стремятся убежать от реальности. Кроме того, именно такое определение сюрреализма легло в основу творчества первых японских художников, работавших в данном направлении.

Известные японские художники периода Эдо:

Тауарайя Сотатсу (Tawaraya Sōtatsu, 1643)
Огата Корин (Ogata Korin, 1658-1716)
Маруяма Окио (Maruyama Okyo, 1733-1795)
Матсумура Гошун (Matsumura Goshun, 1752-1811)
Ито Якучу (Ito Jakuchu, 1716-1800)
Джион Нинкий (Gion Nankai, 1677-1751)
Сакаки Хьякусен (Sakaki Hyakusen, 1697-1752)
Янагисава Киен (Yanagisawa Kien, 1704-1758)
Ике но Таига (Ike no Taiga, 1723-1776)
Йоса Бусон (Yosa Buson, 1716-1783)
Урагами Гиукудо (Uragami Gyokudo, 1745-1820)
Окада Бейсанджин (Okada Beisanjin, 1744-1820)
Катсушика Хокусай (Katsushika Hokusai, 1760-1849)
Тани Бунчо (Tani Buncho, 1763-1840)
Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden, 1777-1835)
Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu, 1783-1856)
Ватанабе Казан (Watanabe Kazan, 1793-1841)
Шибата Зешин (Shibata Zeshin, 1807-1891)
Томиока Тессаи (Tomioka Tessai, 1836-1924)

Каков он – сюрреализм по-японски?

Прежде чем говорить о чисто японском сюрреализме, нужно понять, что представлял собой оригинальный, то есть западный сюрреализм. Итак, сюрреализм – это направление в литературе и искусстве 1920-х годов, основоположником которого считается французский писатель Андре Бретон. В своих работах западные сюрреалисты провозглашали психический автоматизм, другими словами, отчуждение от всего рационального и погружение в глубины своего подсознания. С помощью автоматизма в живописи и писательстве, Бретон стремился раскрыть неосознанные желания, воспоминания и детские страхи, таким образом, отказавшись от ограничений модернистской рациональности.

В конце 1920-х годов многие западные сюрреалистические теории были переведены на японский язык. Однако, многие японские художники и писатели не разделяли общего определения сюрреализма, предложенного Бретоном. Напротив, они старались предлагать новые и весьма индивидуальные интерпретации данного направления. Так, например, поэт Нисиваки Дзюндзабуро рассматривал сюрреализм как разновидность антинатурализма. Художник Кога Харуэ утверждал, что сюрреализм – это инструмент, помогающий достичь более полной версии реальности. В своём эссе «Мой личный взгляд на сюрреализм» (1930) он писал: «Недовольство реальностью порождает искусство (сюрреализм). Реальность развивается до такой степени, что может поравняться с искусством, а искусство перестает быть только искусством и становится единым целым с реальностью. Этот процесс «реальность – искусство – реальность» развивается диалектически и безгранично». Другими словами, по мнению Коги, сюрреализм и реальность – это взаимосвязанные явления, усиливающие и дополняющие друг друга.

Как уже было сказано ранее, японские интеллектуалы восприняли модное направление с большим энтузиазмом, но в то же время в Японии сюрреализм неоднократно подвергался жестокой критике. Причиной тому послужил конфликт идей сюрреализма и набирающих популярность пролетарских движений, которые ратовали за то, что искусство должно отражать социальную борьбу в реальном мире, а не попытку уйти от реальности. Многие интеллектуальные мыслители, разделявшие сюрреалистические взгляды, боялись общественного порицания. Однако были и те, чья деятельность, так или иначе, определила характерные черты японского сюрреализма.

Древняя Япония

Живопись в Японии появилась в самый древней период истории страны. Простые рисунки из палочек и геометрические композиции встречаются на гончарных изделиях периода Йомон (Jomon) и на бронзовых колоколах дотаку периода Яёй (Yayoi) (300г. до н. э. — 300г. н. э.). Настенная живопись с геометрическими и образными композициями были найдены во множестве склепов периода Кофун (Kofun) (300-700гг. н. э.).С принятием китайской письменности (канджи), китайской модели государственного управления буддизма в период Асука, в Японию пришли множество картин из Китая, начали появляться местные произведения в таком же стиле.

Можно выделить следующие исторические периоды японской живописи:

Настенная живопись в гробнице Такамацузука (Takamatsuzuka)

Период Муромачи (Muromachi)

Картина «Сосны» Хасегавы Тохаку (Hasegawa Tohaku)

«Пейзаж» Сесшу Тойо (Sesshu Toyo)

Развитие монастырей дзен в Камакуре и Киото в XIV веке оказало основное влияние на изобразительное искусство. Сьюбокуга (Suibokuga), строгий одноцветный стиль живописи, использующий чернила, появившийся в эпоху династий Сунг (Sung) и Юань (Yuan) в Китае, в значительной степени заменил собой многоцветные иллюстрации в свитках предыдущего периода, хотя многоцветная портретная живопись сохранилась, в основном в форме картин «чинзо» (chinso) монахов Дзен. Типичным примером такой живописи является изображение священником-художником Као (Kao) легендарного монаха Кенсу (Kensu, в кит. — Хсен-цу (Hsien-tzu)) в момент, когда он достиг просветления. Такие картины делались быстрыми штрихами кисти и были минимально детализированы.Картина «Ловля сома на тыквенную семечку» (Catching a Catfish with a Gourd), написанная священником-художником Джосетсу (Josetsu), которая находится в храме Тайзо-ин (Taizo-in) в районе Миошин-Джи (Myoshin-ji) в Киото, отмечает собой поворотный момент в живописи периода Муромачи. На переднем плане изображен человек на берегу ручья, держащий маленькую тыквенную семечку и смотрящий на большого скользкого сома. Средняя часть пейзажа окутана туманом, а на заднем плане нарисованы горы, находящиеся в отдалении. Считается, что «новый стиль» живописи, появившийся в Японии около 1413 года, характеризуется изображением широких пространств, что было характерно для китайской живописи того периода.К концу XIV века одноцветные изображения пейзажей (сансьюга, sansuiga) получили одобрение правящей семьи Ашикага (Ashikaga), и стали предпочтительным жанром среди художников дзен, постепенно отходя от китайских корней и приобретая японские особенности.Наиболее известные живописцы периода Муромачи — священники-художники Шубун (Shubun) и Сесшу (Sesshu). Шубун, монах монастыря Шококу-джи (Shokoku-ji) в Киото, написал картину «Чтение в бамбуковой роще» (Reading in a Bamboo Grove), реалистичный пейзаж с глубоким удалением в пространстве. Сесшу, в отличие от большинства художников того периода, имел возможность побывать в Китае и изучить китайскую живопись на ее родине. Одна из лучших его картин — «Длинный свиток» (The Long Handscroll), изображающая четыре времени года на одном большом пейзаже.В конце периода Муромачи чернильная живопись выбралась за пределы монастырей Дзен в художественный мир: живописцы школ Кано (Kano) и Ами (Ami) переняли стиль и тематики, но внесли больше пластики декоративных эффектов; в таком виде стиль существует в наше время.

Период Тайшо (Taisho)

Пейзаж, худ. Кишида Рюзей (Kishida Ryusei)

В период Тайшо европейские стили доминировали над традиционными. В этот период в Японию после долгого пребывания в Европе вернулись многие художники (включая Аришиму Икуму (Arishima Ikuma)), принеся с собой техники импрессионизма и раннего постимпрессионизма. Работы Камиля Писарро (Camille Pissarro), Поля Сезанна (Paul Cezanne) и Пьера Августа Ренуара (Pierre Auguste Renoir) повлияли на живопись в начале периода Тайшо. Однако художники, работавшие в европейских стилях, в период Тайшо тяготели и к эклектицизму, кроме того, существовало множество иных направлений в живописи. К ним относится и Сообшество Карандаша (Fusain Society, Fyuzankai), которое тяготело к постимпрессионизму, особенно фовизму. В 1914 году Никакаи (Nikakai, Общество Второго Дивизиона) создали выставку в оппозицию финансируемой правительством выставке Бантен.На традиционную японскую живопись периода Тайшо лишь слегка повлияли соперничающие европейские движения, такие как неоклассицизм и поздний постимпрессионизм.Занимателен тот факт, что к концу периода Тайшо начал возрождаться стиль Нихонга (Nihonga), перенявший некоторые черты постимпрессионизма. второе поколение художников Никонга образовало Академию японского изобразительного искусства (Japan Fine Arts Academy, Nihon Bijutsuin), чтобы составить конкуренцию финансируемому правительством Бантен, и хотя они продолжали использовать традиции ямато-и, использование западных способов изображения перспективы и западных представлений о пространстве и освещении постепенно уменьшало разницу между нихонгой и йогой.

Известные японские художники периода Тайшо:

Кишида Рюзей (Kishida Ryusei, 1891-1929)
Ёрозу Тетсугоро (Yorozu Tetsugoro, 1885-1927)
Ёкояма Тайкан (Yokoyama Taikan, 1868-1958)
Шимомура Канзан (Shimomura Kanzan, 1873-1930)
Хишида Шунсо (Hishida Shunso, 1874-1911)
Мёда Сейсон (Maeda Seison, 1885-1977)
Имамура Широ (Imamura Shiro, 1880-1916)
Томита Кейсен (Tomita Keisen, 1879-1936)
Наями Гйшу (Hayami Gyoshu, 1894-1935)
Кавабата Рюшу (Kawabata Ryushi, 1885-1966)
Цучида Хакусен (Tsuchida Hakusen, 1887-1936)
Мураками Кугаку (Murakami Kagaku, 1888-1939)
Кабураки Киёката (Kaburaki Kiyokata, 1878-1972)
Такехиса Юмеджи (Takehisa Yumeji, 1884-1934)
Уемура Шоко (Uemura Shoko, 1902-2001)

Highlights of the Exhibition

Chapter 1
Becoming a Painter in France: The student years, 1884–93

Kuroda Seiki (1866–1924) was born in Kagoshima as the son of a samurai from the Satsuma Domain. He moved to France to study law when he was 18. He met several Japanese painters while in Paris and their exchanges stiffened his resolve to become a painter himself. He entered the studio of Louis-Joseph-Raphaël Collin (1850–1916), a French artist who faithfully followed academic art principles while incorporating a bright plein air style of expression into his works. This further whetted Kuroda’s aspirations to be a painter. Kuroda’s paintings from this period reveal an artist learning based on the Academic art education in France and developing his own style.

Reading
1891 (Meiji 24)
Tokyo National Museum
During his stay in Europe, Kuroda visited and fell in love with the village Grez-sur-Loing. It was here that he met Maria Billaut. She served as a model for the works that would come to epitomize his time in France.
Kuroda’s natural artistic talent was recognized by the French art world when his painting Reading was accepted at the Salon of Société des Artistes Français exhibition in 1891. Kuroda took his first steps as a painter during his student years and his paintings from this time are awash with the brilliant light of Europe.

Chrysanthemums and European Ladies
1892 (Meiji 25)
Private

Portrait of a Woman (Kitchen)
1892 (Meiji 25)
Tokyo University of the Arts

Western Paintings
Kuroda also felt an affinity with artists who painted scenes of rural life. These included Jean-François Millet (1814–75), who belonged to the Barbizon school, and Jules Bastien-Lepage (1848–84), a painter associated with the naturalism movement.
While in Paris, he also encountered works by Impressionist painters like Claude Monet (1840–1926) and he experimented with these forms of expression in paintings he created after returning to Japan.
As well as studying academic painting under Raphaël Collin, Kuroda also developed his own deep interest in the themes, styles and ideas of modern French painting.

Floréal
Raphaël Collin
1886
Musée des Beaux-Arts d’ArrasRMN-Grand Palais (musée d’Orsay)/Hervé Lewandowski/distributed by AMF

Bergère avec son troupeau
Jean-François Millet
c. 1863
Paris, musée d’Orsay, legs d’Alfred Chauchard, 1910RMN-Grand Palais (musée d’Orsay)/Michel Urtado/distributed by AMF

Chapter 2
Searching for a Japanese form of Western-style painting: The Hakubakai years, 1893–1907

After returning to Japan in the summer of 1893, Kuroda searched for the ideal form for Japanese Western-style painting. His brightly-colored style breathed new life into the Japan’s Western painting scene.
Soon after returning home, Kuroda set out to produce works in Japan that would bear comparison with French paintings. He strived to get Japanese Western-style paintings recognized internationally as true works of art. Traces of these strivings can be seen in the masterwork Talk on Ancient Romance (1898; lost in a fire), his attempt to paint a French Salon-style painting with Japanese themes and motifs. They are also on display inWisdom, Impression, Sentiment (Important Cultural Property), his triptych painting portraying an idealized form of Japanese femininity. Lakeside (Important Cultural Property) was also painting during this phase of experimentation.

Lakeside
1897 (Meiji 30)
Important Cultural Property
Tokyo National Museum

Wisdom, Impression, Sentiment
1899 (Meiji 32)
Important Cultural Property
Tokyo National Museum

Maiko Girl
1893 (Meiji 26)
Important Cultural Property
Tokyo National Museum

Female Nude
1901 (Meiji 34)
Seikado Bunko Art Museum

Chapter 3
The formation of a Japanese Western-style Academism: The Bunten and Teiten years, 1907–24

Период Эдо (Edo)

Многие ученые, изучающие историю изобразительного искусства, считают период Эдо продолжением периода Азучи-Момояма. Конечно же, в начале периода Эдо многие из предыдущих тенденций живописи оставались популярными; однако, появились и новые тенденции.

Надпись в свитке Бодхидхармы (Bodhidharma): «Дзен попадает точно в сердце человека, вглядись в свой внутренний мир и стань Буддой», Хакуйн Экаку (Hakuin Ekaku, с 1685 до 1768)

«Бог ветра» (Wind God) Огаты Корина (Ogata Korin)

Одна из значительных школ, появившихся в начале периода Эдо — школа Римпа (Rimpa), которая использовала классические сюжеты, но представляли их в смелом и ярком формате. Художник Сотатсу (Sōtatsu) развивал декоративный стиль живописи, воссоздавая сюжеты классической литературы, используя блестяще раскрашенных персонажей и картины природы, противопоставленные фону из позолоты. Спустя век, художник Корин (Korin) переработал стиль Сотатсу и создал великолепные картины в своем собственном стиле.Другой важный жанр, появившийся в период Азучи-Момояма, но достигший пика своего развития в начале периода Эдо — Намбан (Namban), который изображал экзотичных иностранцев и использовал экзотичный иностранный стиль изобразительного искусства. Центром этого жанра стал портовый город Нагасаки (Nagasaki), который, после введения сёгунатом Токугавы политики изоляции, стал единственным японским портом, получившим разрешение вести торговлю с иностранными государствами; Нагасаки стал единственным путем проникновения китайских и европейских влияний на искусство в Японию. Примеры этого жанра включают в себя работы школы Нагасаки, а также работы школы Маруяма-Шиджо (Maruyama-Shijo), объединившей китайские и европейские влияния с традиционными японскими элементами.Третья важная тенденция периода Эдо — подъем жанра Бунджинга (Bunjinga, иллюстрации к литературным произведениям), также известного как школа Нанга (Nanga, Южная школа живописи). Сначала этот жанр был имитацией работ китайских художников-любителей времен династии Юань, чьи работы и техники пришли в Японию в середине XVIII века. Позднее, художники, работающие в стиле бунджинга, видоизменили как техники, так и сюжеты этого жанра, создав смесь японского и китайского стилей. В этом стиле работали такие художники, как Ике но Таига (Ike no Taiga), Урагами Гиокудо (Uragami Gyokudo), Йоса Бусон (Yosa Buson), Таномура Чикуден (Tanomura Chikuden), Тани Бунчо (Tani Buncho) и Ямамото Баитсу (Yamamoto Baiitsu).Из-за строгой финансовой и социальной политики сёгуната Токогава дорогие произведения этих жанров и стилей были лимитированы для высших слоев общества и недоступны, даже запрещены для низших классов. Простолюдины разработали альтернативный вид живописи — фузокуга (fuzokuga), в котором изображались сцены простой, повседневной жизни обычных людей. Популярными были изображения театра кабуки, проституток и пейзажи. В XVI веке эти картины положили начало развитию гравюр на дереве для оттиска, или укиёи (ukiyoe), которые в середине и в конце периода Эдо были основными носителями письменной информации.

Известные японские художники периода Мейджи (Meiji):

Харада Наоджиро (Harada Naojiro, 1863-1899)
Ямамото Хосуи (Yamamoto Hosui, 1850-1906)
Асай Чу (Asai Chu, 1856-1907)
Кано Хогай (Kano Hogai, 1828-1888)
Хашимото Гахо (Hashimoto Gaho, 1835-1908)
Курода Сейки (Kuroda Seiki, 1866-1924)
Вада Эйсаку (Wada Eisaku, 1874-1959)
Окада Сабуросуке (Okada Saburosuke, 1869-1939)
Сакасамото Ханджиро (Sakamoto Hanjiro, 1882-1962)
Аоки Шигеру (Aoki Shigeru, 1882-1911)
Фуджишима Такежи (Fujishima Takeji, 1867-1943)
Хишида Шунсо (Hishida Shunso, 1874-1911)
Каваи Гёкудо (Kawai Gyokudo, 1873-1957)
Мёда Сейсон (Maeda Seison, 1885-1977)
Шимомура Канзан (Shimomura Kanzan, 1873-1930)
Такеучи Сейхо (Takeuchi Seiho, 1864-1942)
Томиока Тессай (Tomioka Tessai, 1837-1924)
Уемура Шоен (Uemura Shoen, 1875-1949)
Ёкояма Тайкан (Yokoyama Taikan, 1868-1958)