Посуда и фрукты на красно-черном платке (1906)
Работа была создана в 1906 году в Коллиуре, о чем свидетельствует пурро – испанский винный сосуд, который мы видим на полотне художника. Автор работал над картиной летом. Весной 1906 Матисс путешествовал по Северной Африке, откуда кроме впечатлений, привез еще и керамику, и восточные ткани. Эти элементы стали неоднократно появляться в полотнах художника.
Красно-черный ковер, который ранее по ошибке назывался платком, фигурировал также и в других произведениях Матисса: «Красный ковер» и «Натюрморт с гипсовой статуэткой». Яркий коврик занимает почти все полотно, являясь украшением для посуды и фруктов. Только стеклянный сосуд показывает свою независимость.
Импрессионистский период
С 1896 года картины Матисса начинают выставляться в знаменитых салонах Парижа, и он приобретает определенную известность среди парижских любителей живописи. В этот период художник находится под сильным влиянием импрессионистов и их последователей. Более того, очень часто, рассказывая о творениях постимпрессионистов, специалисты приводят в пример и некоторые произведения, которые создал Матисс: натюрморты “Бутылка схидама”, “Фрукты и кофейник”, “Десерт”, “Посуда и фрукты”.
В последующие несколько лет художник начинает также заниматься скульптурой и работать в технике дивизионизма, предполагающей использование раздельных точечных мазков. В 1905-м большие споры вызывает манера письма картины Матисса ”Роскошь, покой и сладострастие”, в которой он сочетает декоративизм модерна с пуантилизмом.
Грусть короля (1952)
В российских источниках картина носит немного другое название «Грустный король», но от этого она не меняется. Для создания полотна «Грусть короля» Матисс вырезал кусочки бумаги, а его ассистенты придали им более благородный вид, покрасив гуашью. Затем он придал этим кусочкам необходимые формы, которые послужили сюжетом для картины.
Анри Матисс всегда говорил о необходимости эмоций за счет простых средств. Одним из таких средств для художника стал цвет, а другим – форма. Картина Матисса напоминает детскую простоту, с которой дети рисуют фигуры. Матиссу, для того, чтобы его картина оказалась лучшей из лучших, не понадобилась даже кисточка.
Анри Матисс «Танец»: описание картины
Мастер подверг переработке свою первоначальную идею. В новом «Танце» появилось немало реминисценций фовистских полотен, а сама тема прочитывается более явно. В композицию возвращаются пластичность и обтекаемость контуров «декоративного» периода, очертания фигур вновь вторят архитектурным формам. Новый цикл панно, называемый сегодня «Мерионским», установленный в Фонде Барнса в мае 1933 года, сам Матисс называл «дионисийским».
Тема танца все еще представлялась Матиссу незавершенной, и он принимает решение возвратиться к многострадальному первоначальному полотну, ждавшему художника в мастерской-гараже. Уже к ноябрю Матисс завершает «бумажный» вариант композиции, который тщательно переносит на новые, специально заказанные холсты. Это были именно те полотна, которые хранятся в Музее современного искусства города Парижа, а сейчас выставлены в Москве. Полотно с первоначальным вариантом, на котором оставались начатые еще зимой 1931/32 года наброски композиции, служившее основой для бумажных экспериментов и потому испещренное следами булавок, было свернуто в рулоны и оставалось забытым вплоть 1992 года. Впоследствии оно было также приобретено Музеем современного искусства города Парижа и сейчас известно как «Незавершенный» «Танец».
Окончательный вариант «Парижского» «Танца» художник считал воплощением воинственного начала. Изначально более смелый и радикальный по решению, осенью 1933 года он превратился для мастера еще и в символ победы над разлучившими его с любимым детищем обстоятельствами. «Парижский» «Танец» приобретает значение эстетического манифеста, утверждающего, помимо новых форм и приемов, еще и право мастера на творческое высказывание в современном мире.
Творческие находки Анри Матисса, сделанные во время работы над «Танцем», получили развитие в позднем творчестве самого мастера и его младших современников. Отныне техника декупажа (от франц. decouper — вырезать) стала одной из основных для художника. Бумажные подготовительные элементы композиции «Танца», перестав быть техническим приемом, обрели самостоятельную художественную ценность: рассыпавшись, они воплотились в многочисленных сериях графических листов и книжных иллюстрациях. Абстрактная арабесковость все более отстраняющейся от реальности композиции вплотную приблизила Матисса к художникам беспредметности — мастер как будто балансирует на грани превращения образа в отвлеченный знак.
Наконец, даже такая техническая подробность, как возможность исполнения произведения искусства простым маляром, копирующим расположение бумажных листов, воспринимается как акция, исследующая подход художника к столь актуальной для авангарда проблеме уникального и массового. Матисс, глава первого новаторского художественного движения XX столетия, по истечении его первой трети вновь попытался дать ответы на вечные вопросы о месте человека в обществе и мире, зыбком равновесии между рационализмом цивилизации и первобытной энергией инстинкта, соотношении, столкновении и диалоге в человеческой личности природного и социального.
Аллюзии (1904)
Как в некоторых сценах купания у Сезанна, герой картины (считается, что это автопортрет автора) одет, в то время как находящиеся рядом с ним женщины обнажены. Дерево обрамляет сцену справа, перекликаясь с мачтой стоящей у берега яхты. Черная тень, отбрасываемая вытирающей волосы женщиной, придает ее фигуре объем и плотность. Здесь уже наблюдается отход Матисса от аксиом дивизионизма. Он отказывается писать тень разноцветными «точками», которые в глазах зрителя должны смешиваться, давая «в сумме» черный цвет.
Когда Матисс писал эту картину, ему было 34 года и он находился под очевидным влиянием пуантилизма (это, что называется, лежит на поверхности), которым его «заразил» Поль Синьяк. Работа, выставленная в Салоне независимых 1905 года, произвела большое впечатление на зрителей. Чуть позже ее купил Синьяк для своего дома в Сен-Тропезе.
Стилистика тут дивизионистская, но композиция обнаруживает влияние Сезанна — прежде всего, его знаменитых «Трех купальщиц», приобретенных, кстати, восхищенным Матиссом у Амбруаза Воллара в 1899 году. Еще один композиционный источник — легендарный «Завтрак на траве» Мане. Полувеком ранее Мане представил публике свою скандально известную картину, где на переднем плане мы видим такую же, как у Матисса, расстеленную на земле белую скатерть. Все остальное здесь придумал сам Матисс. Среди его находок отметим искусно подобранные контрастные оттенки пурпурного и зеленого цвета. Неплохим смотрится и название этого произведения, заимствованное у Бодлера.
Последующие годы
В 1917 году Матисс перебрался в пригород Ниццы на Французской Ривьере и стал работать в более расслабленный манере, а стиль его полотен в 1920-х годах получил признание в качестве традиционной французской живописи. В 1930-х годах он принял более смелое упрощение формы, чем прежде. После 1941 года, когда художнику в результате сложной операции было тяжело работать у мольберта, он создал потрясающе яркую серию произведений в технике бумажного коллажа.
Анри Матисс прожил 84 года и скончался в 1954 году. За долгий и насыщенный период своей творческой деятельности он создавал скульптуры, витражи, эскизы для труппы «Русского балета» Сергея Дягилева, работал над книжными иллюстрациями, художественным оформлением интерьеров и даже монастырской капеллы. Но самое огромное достояние Матисса, как основополагающей фигуры современного искусства, — это его выразительный язык цвета и рисунка, отображенный во множестве работ.
Радость жизни (1905-1906)
«Радость жизни» в свое время была встречена зрителями очень бурно, шумно. Небезразличных к ней не было: одни отводили глаза, другие довольствовались буйством красок. Чересчур смелая и ярка картина Матисса стала новым событием в мире изобразительного искусства. Художник начал работать над ней во Франции, где организовал уютную мастерскую в одном монастыре.
В сюжете картины – обнаженные фигуры, нежащиеся на природе. Все они распределены на холсте равномерно, стоит сделать от него несколько шагов назад, как приходит понимание, насколько гармонично составлена картина, хотя Матисс не приветствовал законы перспективы. Сам художник с любовью назвал картину «Моя Аркадия», подразумевая свой взгляд на идею-утопию абсолютной гармонии человека с природой.
Фовистский период
Лето 1905 года Матисс провёл с Андре Дереном и Морисом де Вламинком в Кольюре, рыбацкой деревне на Средиземном море. Это время ознаменовало значительный поворот в творческой деятельности художника. Вместе с Андре Дереном, Матисс создал новый стиль, вошедший в историю искусства под названием фовизма. Его картинам того периода характерны плоские формы, чёткие линии и менее строгий пуантилизм.
Фовизм, как направление в искусстве, появился в 1900 году на уровне экспериментов и был актуален до 1910 года, само же движение длилось всего несколько лет, с 1904 по 1908 год, и имело три выставки. Движение фовизма получило своё название от небольшой группы единомышленников, художников Анри Матисса, Андре Дерена и Мориса де Вламинка.
Матисс был признан лидером фовистов, наряду с Андре Дереном. Каждый из них имел своих последователей. Другими значительными художниками в движении были Жорж Брак, Рауль Дюфи, Кеес ван Донген и Морис де Вламинк. Все они (кроме Кееса ван Донгена) были учениками Гюстава Моро, подтолкнувшего учеников думать вне формальных рамок и следовать своему видению.
Снижение роли фовизма после 1906 года и распад группы в 1907 году никоем образом не повлияли на творческий рост самого Матисса. Многие из его лучших работ были созданы им в период между 1906 и 1917 годами.
Когда осенью 1905 года будущие фовисты впервые представили широкой публике свои работы на Осеннем салоне в Париже, их резкие, энергичные краски буквально потрясли зрителей и вызвали негодование у критиков. Камиль Моклер (англ.)русск. сравнил выставку с горшком краски, брошенным в лицо общественности. Другой критик, Луи Воксель, в рецензии Донателло среди дикарей! (фр. Donatello parmi les fauves!), опубликованной 17 октября 1905 года в газете Жиль Блаз, дал художникам ироничное прозвище «фовистов», то есть «дикарей» (фр. fauves).
Матисс представил на выставке две работы, Открытое окно и Женщина в зелёной шляпе. Критика Луи Вокселя была направлена прежде всего на картину Женщина в зелёной шляпе. Коллекционер из США Лео Стайн , брат известных коллекционеров, Майкла Стайна и Гертруды Стайн, купил у художника эту картину за 500 франков. Скандальный успех повысил рыночную стоимость работ Матисса, что позволило ему продолжить занятия живописью.
После выставки в начале 1906 года в галерее Берней-Жён (фр.)русск., 20 марта 1906 года в Салоне Независимых художник представил свою новую картину Радость жизни, в сюжете которой сочетались мотивы пасторали и вакханалии. Реакция критиков и академических кругов на произведение была крайне раздражительной. Среди критиков оказался и Поль Синьяк, вице-президент «независимых». Пост-импрессионисты отошли от Матисса. Однако, Лео Стайн приобрел и эту картину, увидев в ней важный образ современности.
В том же году Матисс познакомился с молодым художником Пабло Пикассо. Их первая встреча состоялась в Салоне Стайн на улице Рю де Флёрю в Париже, в котором Матисс регулярно выставлялся в течение года. Творческая дружба художников была полна и духа соперничества, и взаимного уважения. Гертруда Стайн, вместе с друзьям из Балтимора в США, сёстрами Кларабель и Эттой Коэнами (англ.)русск., были меценатами и коллекционерами Анри Матисса и Пабло Пикассо. Ныне Коллекция сестёр Коэн является ядром экспозиции Музея искусств в Балтиморе (англ.)русск..
В мае 1906 года Матисс приехал в Алжир и побывал в оазисе Бискра. Во время поездки он не рисовал. Сразу по возвращении во Францию им была написана картина Голубая обнажённая (Сувенир из Бискры) и создана скульптура Лежащая обнажённая I (Аврора). Из двухнедельной поездки, он привёз керамику и ткани, которые затем часто использовал в качестве фона для своих картин.
Под впечатлением поездки Матисс увлекся линейными орнаментами мусульманского Востока в стиле арабесок. В его графике арабеск сочетался с тонкой передачей чувственного обаяния натуры. В это время он открыл для себя скульптуру народов Африки, стал интересоваться примитивизмом и классической японской ксилографией. Тогда же появились первые литографии художника, гравюры на дереве и керамика.
В 1907 году Матисс отправился в путешествие по Италии, во время которого посетил Венецию, Падую, Флоренцию и Сиену.
Творческое становление
В 1889 году у Анри случился приступ аппендицита. Когда он поправлялся после операции, мать купила ему принадлежности для рисования. Анри впервые начал рисовать, копируя цветные открытки во время двухмесячного пребывания в больнице. Это его так увлекло, что он, преодолев сопротивление отца, решил стать художником и записался в школу рисунка Кантен де ля Тур (фр. Ecole Quentin de la Tour), где обучались чертёжники для текстильной промышленности.
В 1891 году он оставил юридическую практику и снова приехал в Париж, где поступил в Академию Жюлиана. Анри учился у известного мастера салонного искусства, Виллиама Адольфа Бугро, готовясь к вступительным экзаменам в Школу изящных искусств (фр. École nationale supérieure des beaux-arts de Paris), куда, однако, не поступил.
В 1893 году он перешёл в Школу декоративных искусств. (фр. École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris), где познакомился с юным Альбером Марке. В 1895 году оба выдержали вступительные экзамены в Школу изящных искусств и были приняты в мастерскую Гюстава Моро, у которого с 1893 года они обучались в качестве приглашенных студентов. Здесь Анри познакомился с Жоржем Руо, Шарлем Камуэном, Шарлем Мангеном и Анри Эвенепулом.
Во время обучения он копировал в Лувре произведения старых французских и голландских мастеров. Особое влияние на него в период ученичества оказало творчество Жана-Батиста Симеона Шардена, им были сделаны копии четырёх его картин. Творчество Анри в это время также находилось под влиянием современных ему художников и японского традиционного искусства.
В 1894 году в личной жизни художника произошло знаменательное событие. Его модель Каролина Жобло (фр. Caroline Joblau) родила дочь Маргариту (1894—1982).
Лето 1896 года он провёл на острове Бель-Иль у побережья Бретани, вместе с Эмилем Бери, соседом по лестничной площадке в Париже.
Здесь Анри познакомился с художником из Австралии, Джоном Питером Расселом, другом Огюста Родена, коллекционером произведений Эмиля Бернара и Винсента ван Гога. В 1897 году он снова посетил его.
Джон Питер Рассел познакомил Анри с импрессионизмом и работами Винсента Ван Гога, с которым он был дружен в течение десяти лет, и даже подарил Анри два его рисунка.. Их общение кардинальным образом повлияло на творчество художника, и позднее он называл Джона Питера Рассела своим учителем, объяснившим ему теорию цвета.
В 1896 году пять картин Анри были выставлены в Салоне Национального общества изящных искусств, две из которых были приобретены государством, в том числе его Читающая, написанная в 1894 году и приобретенная для резиденции президента Франции в Рамбуйе. После выставки, по предложению Пьера Пюви-де-Шавана Анри Матисс стал членом-корреспондентом Салона Национального общества изящных искусств.
10 января 1898 года Анри Матисс женился на Амели Парейр (фр. Amélie Noellie Parayre), которая родила ему сыновей Жана-Жерара (1899—1976) и Пьера (1900—1989). Его незаконнорожденная дочь, Маргарита также была взята в семью. Жена и дочь были любимыми моделями художника.
По совету Камиля Писсарро в свой медовый месяц он отправился с женой в Лондон исследовать картины Уильяма Тёрнера. Затем супруги предприняли путешествие по Корсике, во время которого побывали также в Тулузе и Генуе. В феврале 1899 года они вернулись в Париж.
Со смертью Гюстава Моро в 1899 году у Анри возникли разногласия с его преемником, Фернаном Кормоном, и он ушёл из Школы изящных искусств. После очередного краткого обучения в Академии Жюлиана, художник поступил на курсы Эжена Каррьера. Здесь Анри познакомился с Андре Дереном, Жаном Пюи (англ.)русск., Жюлем Фландреном (англ.)русск. и Морисом де Вламинком.
Его первой пробой в скульптуре была копия работы Антуана-Луи Бари, сделанная им в 1899 году. В 1900 году, наряду с работой над картинами, Анри начал посещать вечерние курсы Антуана Бурделя в Академии де ля Гран-Шомьер. По утрам вместе с Альбером Марке он рисовал в Люксембургском саду, а по вечерам посещал занятия скульптурой.
Рост семьи, отсутствие постоянного дохода и потеря шляпного магазинчика, которым, вместе с партнером, владела его жена, стали причиной того, что детям пришлось переехать к родителям Анри. Испытывая серьезные денежные затруднения, он поступил на работу в качестве художника-декоратора. Вместе с Альбером Марке занимался декорированием объектов для Всемирной выставки в Гран-Палэ, в Париже в 1900 году. Работа была изнурительной, и Анри заболел бронхитом. В 1901 году, после недолгого лечения в Швейцарии, где он продолжал много работать, некоторое время Анри провел вместе с семьей у родителей в Боэн-ан-Вермандуа. В те дни художник был настолько расстроен, что даже думал отказаться от занятия живописью.
Живопись
В 1891 г. Анри оставил правовую деятельность и отправился в Париж, начав готовиться к поступлению в Школу изящных искусств. Однако он провалил экзамены, в связи с чем смог стать учеником Школы только спустя 4 года.
В данный период биографии Матисс часто посещал Лувр, исследуя полотна великих мастеров. Здесь он перерисовывал картины французских и голландских живописцев. Одновременно с этим, он увлекался современными течениями и классическим японским искусством.
Позднее Анри познакомился с австралийским художником Джоном Питером Расселом. Именно Рассел открыл для него мир импрессионизма, который в то время только набирал обороты. В частности, он показал Матиссу работы Ван Гога, с которым Рассел был тесно знаком около 10 лет.
Общение с Джоном оказало на Анри огромное влияние и позже, он даже называл его своим наставником. По словам Матисса, он помог ему осмыслить теорию цвета.
В 1896 г. сразу 5 полотен Анри были выставлены в Салоне, 2 из которых были куплены государством. После такого успеха, его избрали членом-корреспондентом Салона Национального общества изящных искусств. В 1890-е годы он ежегодно писал по несколько картин, выполненных в духе импрессионизма.
В начале 1900-х годов Матисс находился в активных творческих поисках, экспериментируя с разными жанрами. Не смотря на серьезные материальные трудности, он покупал полотна тех художников, которыми он восхищался. В частности, на него производило огромное впечатление творчество Поля Сезанна.
Анри поражала работа Сезанна с цветом и самой структурой живописи. В результате, он даже называл его своим основным вдохновителем. Летом 1904 г. в биографии Матисса произошло знаковое событие – была организована его первая персональная выставка, которая, однако, не впечатлила его соотечественников.
После этого Анри решил попробовать свои силы в технике точечных мазков, став автором первого шедевра – «Роскошь, покой и наслаждение». Тем не менее, вскоре он охладел к такому стилю письма, предпочтя ему широкие и размашистые мазки.
В середине 1905 г. в карьере Матисса произошел творческий переворот. Вместе с группой единомышленников он создал совершенно новый стиль – фовизм. Для фовизма были характерны обобщение формы и пространства, сведение формы к простым очертаниям, исчезновение светотени и линейной перспективы.
На предстоящей выставке Анри продемонстрировал 2 новые работы – «Женщина в шляпе» и «Открытое окно». На художников-новаторов обрушилась волна критики, поскольку посетители были возмущены их пренебрежением к канонам изобразительного искусства. Не случайно публика прозвала их фовистами, что в переводе с французского означало – дикари.
И все же, было немало и тех, кто проявил большой интерес к фовизму. В результате, у Матисса и его коллег начали покупать картины. Интересен факт, что большая часть лучших работ Анри, была создана в период 1906-1917 гг.
Скульптор Анри Матисс
Вскоре Матисс познакомился с еще малоизвестным Пабло Пикассо, с которым продолжал дружить и в последующие годы биографии. В будущем они будут «соперничать» между собой на мировой художественной арене, проявляя друг к другу большое взаимоуважение.
Два наиболее прославленных полотна – «Танец» и «Музыка», Анри Матисс написал для русского мецената Сергея Щукина. Примечательно, что монтаж своих картин живописец контролировал самостоятельно. Ради этого, он приехал в Москву, где ему оказали очень теплый прием.
В скором времени Матисс посетил Алжир и Италию. Приехав домой он создал новый шедевр «Голубая обнаженная», а также увлекся литографией и гравюрой. Постепенно в его творчестве происходит отход от приемов фовизма.
Картины Анри наполняются тонкостью и глубиной, а также начинает прослеживаться связь с природой. В 1920-х годах он уже имел мировую известность, вследствие чего его выставки проходили в самых разных городах и странах.
В разгар Второй мировой войны (1939-1945) у мастера обнаружили онкологию. После операции он почти не мог передвигаться. В этот отрезок биографии, он стал автором нового направления в сфере декупажа, в основе которого лежало составление картин из кусков разноцветной бумаги.
На закате своей карьеры Анри Матисс уделял внимание интерьеру. Также он приложил руку к художественному оформлению женского монастыря в Вансе
Сам он говорил, что работа над Капеллой в монастыре, потребовала от него 4-х лет усидчивого труда, и что она является результатом всей его сознательной жизни. Более того, Матисс заявлял, что не смотря на все ее недостатки, он считал Капеллу своим лучшим произведением.
Творчество Матисса
Поиск самого себя, личностного авторского стиля является необходимым условием развития для любого талантливого мастера кисти. Рано или поздно каждый из великих художников находил свои уникальные методы и приемы, свойственные его индивидуальной манере, руководствуясь при этом сформировавшимся личностным пониманием роли живописи и собственным видением окружающего мира. Но из всякого правила обязательно должны быть исключения, лишь подтверждающие это правило. Одним из таких исключений был знаменитый художник Анри Матисс.
Всю свою жизнь Анри Матисс находился в безостановочном поиске. В стремлении к максимально эффектной и одновременно гармоничной выразительности он менял свои художественные инструменты и менялся сам.
Музей в Ницце, посвященный жизни и творчеству мастера, открывает взглядам удивленных посетителей живопись и рисунок, оконные витражи и керамику, скульптуру и бумажные коллажи. В каждом из этих направлений и в целом ряде других Анри Матисс сумел сказать свое особое слово, оставившее яркий след в искусстве.
Влияние импрессионизма и дивизионизма, собственные эксперименты с цветовыми контрастами очень сильно сказались на ранних произведениях художника. Его картины и картины его товарищей Вламинка, Дерена, Руо и Марке, выставленные в Осеннем Салоне 1905 года, критики назвали «дикими», отсюда и произошло название нового направления – «фовизма».
Впоследствии Анри Матисс под влиянием различных впечатлений неоднократно менял стиль, манеру и технику, осваивал новые средства творческого самовыражения. Ряд удачных знакомств, в том числе с Пикассо и с русским коллекционером Щукиным, помогли ему улучшить материальное положение, и художник совершил несколько путешествий.
В Марокко он увлекся восточными декоративными узорами и орнаментами, в Мюнхене испытал сильные чувства на выставке произведений исламского искусства, в России был потрясен иконами, на Таити восхищался цветочными композициями.
Однако всякий раз, подчиняясь на время новому сильному впечатлению, Матисс впитывал его, как губка, а затем творчески перерабатывал в соответствии с собственным мироощущением.
Многие его композиции кажутся обманчиво простыми, но за каждой из них стоит титанический творческий труд, создающий поразительное напряжение этой «кричащей» простоты.
В последние годы жизни при помощи обыкновенной цветной бумаги и ножниц Анри Матисс создавал аппликации, производившие потрясающий эффект симфонического цветового звучания, ритмической музыкальности линий и абсолютной композиционной гармонии.
После смерти художника Пабло Пикассо коротко и емко охарактеризовал его творчество одной фразой «Матисс всегда был единственным и неповторимым».
Музыка (1910)
Скрипач отчетливо напоминает памятник Поза музыканта точна во всех деталях — добиться этого Матиссу было несложно, потому что он сам неплохо играл на скрипке. Достижение цветовой гармонии — вот главная задача, которую блистательно решает Матисс в этой работе. Яркий пунцовый цвет здесь прекрасно сбалансирован с синим и зеленым. Фигуры персонажей обведены черным контуром, заполненным впоследствии краской. Они выглядят плоскими, предвещая будущие композиции художника, вырезанные из цветной бумаги. Поначалу Матисс изобразил мужские фигуры с гениталиями, но в финале работы над картиной убрал последние — вероятно, по желанию заказчика.
Эта работу (как и парную к ней — «Танец») в 1909 году заказал Матиссу русский промышленник и коллекционер Сергей Иванович Щукин, попросив изобразить в аллегорической форме музыку и танец. Матисс поставил себе целью свести эти образы к элементарным формам. Но в динамике парные картины разнятся. Если герои «Танца» стремятся вырваться за пределы полотна, то персонажи «Музыки», напротив, выглядят удивительно статичными. Композиция наполнена покоем и прекрасно сбалансирована.
Вместо мужчин тут действуют «эмблемы» мужчин, превращающие героев в «близнецов-братьев». Это работает на создание цельности произведения, не разваливающегося на, условно говоря, уникальные формы. Три персонажа справа сидят, подогнув колени, что делает их чем-то похожими на нотные знаки. Если это так, то фигура скрипача исполняет роль нотного ключа. Впрочем, это всего лишь версия — сам Матисс эту свою работу расшифровывать не захотел.