Фигуративное искусство

Техники и технологии живописи (художественные материалы)

Долгое время считалось, что история живописи маслом ведет свой отсчет с XV века, а её родоначальником был нидерландский художник Ян ван Эйк. Джорджо Вазари, автор «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» назвал ван Эйка изобретателем масляной живописи, позднее это утверждение повторил Карел ван Мандер. Благодаря искусствоведу И. Мериме мнение о ван Эйке, как о первооткрывателе живописи маслом, распространилось в специальной литературе. Однако неизвестно ни одного свидетельства современников художника, что именно он был изобретателем нового метода. Художники и Северной, и Южной Европы работали масляными красками задолго до ван Эйка.

Масляная краска получается в результате соединения красящего пигмента с льняным маслом. В качестве разбавителя используется пинен, уайт-спирит и другие растворители масел. Для ускорения высыхания применяют разбавительные лаки (например, пихтовый). Красочный слой в зависимости от толщины может сохнуть от двух-трех дней до нескольких месяцев. При этом окончательная полимеризация молекул затягивается на десятки лет.

Масляная живопись требует использования специального грунта. Обычно он состоит из двух частей — нижних двух клеевых слоев (рыбий клей, желатин), предотвращающих проникновение масла в холст или дерево и последующее гниение и трех-пяти верхних слоев — для улучшения адгезии, то есть соединения краски с грунтом, в состав которых обычно входит клей, мел, глицерин. Для работы с масляной краской используют щетинные, колонковые и синтетические кисти, а также другие инструменты — мастихины, шпатели.

После высыхания масляной краски картина может быть покрыта покрывным лаком (например, фисташковым, акриловым). Это делается как для защиты красочного слоя, так и для равномерности отражающего блеска её поверхности.

• темпера;
• эмаль;
• гуашь (поскольку в качестве основного материала художник использует бумагу, характерную для графических видов изобразительного искусства — классифицируется и как графика; об этом говорит и применение последней для создания монохромных произведений);
• пастель (к этой технике справедливо замечание аналогичное тому, что высказано относительно предшествующей);
• тушь (и в данном случае, как и в двух предыдущих — нельзя однозначно отнести к графике; на Востоке, например, каллиграфия, по большей части использующая этот материал, традиционно считается живописью, как, впрочем, и академическая китайская живопись использовала по преимуществу именно тушь — ахроматическая гамма);
• живопись по штукатурке: фреска и а секко;
• граттаж;
• гризайль;
• карнация;
• лессировка;
• пуантилизм;
• сграффито;
• сфумато;
• клеевая живопись;
• восковая живопись: энкаустика, восковая темпера и холодный способ (восковые краски на скипидаре);
• живопись керамическими красками;
• живопись силикатными красками;
• акварельная живопись (техника акварели различна, некоторые приёмы ближе к живописи, некоторые — к графике; поэтому неслучайно в тезаурусе присутствует такой оборот: «рисовать акварелью»);
• сухая кисть (сухотёр),
• акрил;
• смешанная техника.
• аэрография

Техники живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком. Это уже отметил Леонардо да Винчи.

Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.

гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.

Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.

Определение

Живопись – это вид искусства, позволяющий запечатлеть красоту окружающего мира на холсте или другой поверхности с помощью красок. Она обладает выразительными средствами, которые передают эмоциональную окраску картин.

К главным методам художественного выражения относятся:

• рисунок;
• линия;
• цвет;
• композиция.

Результатом живописи является рисунок, полученный на поверхности. В зависимости от техники, предметы живописи подразделяют на картины, фрески, наскальную роспись (рисунки пещер Ляско, Альтамира, Шове), цифровое изображение, миниатюру.

Специалисты выделяют станковое, монументальное и декоративное творчество.

1. Станковая. Получила название от слова станок или мольберт, на который устанавливался холст или крепился лист бумаги.
2. Монументальная. Монументальная живопись применялась для росписи потолков и стен зданий.
3. Декоративная. Предназначена для украшения. Ее характеризуют яркие цвета, продуманные формы и композиции.

Жанры живописи

Каждый вид искусства имеет свои подразделы в соответствии с объектом изображения и темой. Это жанры.

Жанры живописи:

• портрет;
• пейзаж;
• натюрморт;
• исторический;
• мифологический;
• батальный;
• бытовой;
• анималистический жанр.

В портретном жанре отражается внешний облик человека, а через внешность – и его внутренний мир и характер. Такой портрет называется психологическим. Жанр портрета популярен также в скульптуре и графике. Известными портретистами были художники Рубенс, Веласкес, Рембрандт, Боровиковский, Тропинин, Кипренский, Репин, Крамской и многие другие.

Пейзаж – не только изображение природы, но также виды городов (городской пейзаж), исторических памятников и т.д. Художники-пейзажисты: Шишкин, Саврасов, Левитан, Поленов, Куинджи, Писсарро, Моне и др.

В пейзажном жанре выделяется раздел «маринизм» – это изображение моря или другой водной стихии. Среди маринистов самым известным, пожалуй, считается русский художник Иван Айвазовский. А самый известный маринист в Европе – Уильям Тёрнер.

Натюрморт (в переводе с французского – «мёртвая натура») – изображение различных предметов труда, творчества, обихода, а также цветов, плодов и т.д.  Натюрморты писали художники Питер Клас, Виллем Хеда, ван Гог, Сезанн, Пётр Кончаловский и др.

Исторический жанр посвящён историческим событиям и деятелям. В академическом искусстве портретный и исторический жанры считались «высокими», «наиболее достойными» жанрами, тогда как пейзаж и натюрморт считались жанрами «низкими».  

В русской живописи в историческом жанре работали Репин, Суриков, Ге и др.

Мифологический жанр иллюстрирует мифы и предания разных народов. Одной из самых известных картин этого жанра можно назвать полотно «Рождение Венеры» С. Боттичелли.

Батальный жанр – изображение войн, сражений, военных подвигов. Известный русский художник-баталист В. Верещагин создал множество полотен, посвящённых военной теме, он сам участвовал в нескольких военных операциях, а погиб во время русско-японской войны 1904-1905 гг. на броненосце «Петропавловск», который подорвался на мине.  

Самая известная картина В. Верещагина – «Апофеоз войны». Это своеобразный протест художника против всех войн.

Темы бытового жанра – повседневнаяжизньпростых людей, их быт, труд, праздники, семейные традиции, дети. Этот жанр привлекал многих художников: Домье, Венецианова, Эдуарда Мане, Ярошенко, Врубеля, Репина, Серова и др.

Анималистический жанр – изображение животных.

Важно знать, что в чистом виде жанры в живописи проявляются редко, т.к. работающему в определённом жанре художнику для создания реалистичного полотна приходится обращаться к элементам другого жанра

Например, известная картина Б. Кустодиева «Купчиха за чаем» относится к бытовому жанру. Но там присутствуют портрет купчихи (портретный жанр), изображение кота (анималистический жанр), предметы на столе (натюрморт), изображение природы на заднем фоне картины (пейзаж).

Этимология и семантика

Русское слово живопись указывает на реализм этого искусства в эпоху барокко, когда в России начали писать картины в западном стиле, преимущественно масляными красками. В иконописи употребляется глагол «писа́ть», так же как в греческом языке. В то же время «живописать» может быть понято как энергичная, своеобразная манера писать, то есть и как своего рода письменность.

В связи живописи с письменностью семиотики видят и определённую манеру создавать знаки.

История живописи развивается и блуждает именно в этих двух смыслах: в изобразительности, реалистичности и — знаковости: от иконы (образ) к абстракции.

Файл:Mona Lisa, by Leonardo da Vinci, from C2RMF retouched.jpg

Мона Лиза (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo), Леонардо да Винчи

Файл:Чёрный супрематический квадрат. 1915. ГТГ.png

Чёрный квадрат.Казимир Малевич, ГТГ

С точки зрения техники создания изображения живопись принципиально отличается от графики. В первом приближении живопись — это работа с жидкими материалами (красители, замешанные на различных связующих), а графика — использование сухих материалов (графита, угля, сангины, мела). Однако существует и более принципиальное различие.

Графика в чистом виде использует белизну (цвет) фона для создания тональных градаций. Чем гуще слой красящего вещества, тем темнее данный участок картины или рисунка. Работа над рисунком ведется в направлении постепенного насыщения тона, использование белил не допускается.Напротив, в живописи белила составляют основу изобразительной техники, краска накладывается корпусно, плотно перекрывая фон, цвет которого не имеет значения. Живописец работает слоями краски, многократно проходя одни и те же участки картины, высветляя или утемняя их. По этой классификации в разряд графики попадает не только карандаш, сангина и уголь, но и акварель. С другой стороны пастель и гуашь оказываются чисто живописными техниками.

С

Светлота

Светлота – это относительная светлость или темнота цвета. Светотеневые градации (от пика яркости до наибольшей тени) зависят от атмосферных состояний, фактуры и особенностей формы изображаемого предмета, его объема, силы освещения.

Связующее вещество

Связующее вещество – это связующее для краски, которое удерживает пигмент и обеспечивает его прилипание к поверхностям. Оно также придает краске однородную консистенцию.

Сглаженные края

Сглаженные края – это когда границы объекта в картине растворяются на заднем плане. Противоположность жестких краев.

Стилизованный рисунок

Стилизованный рисунок – это представление субъекта, которое соответствует правилам определенного стиля, в отличие от реалистичного изображения.

Сфумато

Сфумато – это техника рисования, которая смягчает переход между двумя цветами и тонами таким образом, что они, кажется, сливаются друг с другом.

Схождение в одной точке

Схождение в одной точке – это явление, при котором все параллельные линии сходятся вместе, когда проходят вдоль точки на уровне глаз человека. Относится к линейной перспективе на чертеже или картине.

Натюрморт

Натюрморт традиционно представляет собой изображение неодушевленных предметов. Сам этот термин, означающий в переводе с французского «мертвая жизнь», вошел в художественный обиход не ранее XIX в., то есть намного позже, чем появились те многочисленные изображения, к которым его можно применить и которые существовали уже за много веков до нашей эры, например, в искусстве Древнего Египта. И по сей день в настенных росписях древнеримского города Помпеи можно увидеть натюрморты в обрамлении нарисованной иллюзорной архитектуры. В большинстве случаев в них изображались ксении – покровительственные дары, которые радушные хозяева преподносили гостям. Обычно они представляли собой корзину с фруктами, вазу, дичь или рыбу. В эпоху Возрождения античные декоративные элементы были вновь открыты итальянскими художниками, что способствовало увеличению их интереса к окружающему миру предметов, но вплоть до начала XVII в. натюрморт продолжал оставаться в подчиненном положении у религиозных композиций и портретов.

Первым самостоятельным натюрмортом в истории живописи принято считать картину Караваджо «Корзина с фруктами». 1596

Но, несмотря на то, что жанр уже сложился, изображения разнообразных предметов, цветов и плодов еще долгое время будут наполнены определенной, чаще всего религиозной, символикой. Так, прекрасные натюрморты, созданные голландскими мастерами XVII в. – завтраки, банкеты, напоминающие о бренности жизни Vanitas (см. раздел «Живопись XVII в.»), всегда будут нести в себе назидательный смысл. Такого типа картины имели общее название Stilleven – «тихая жизнь», и полностью ему соответствовали.

XVII в. стал временем расцвета натюрмортной живописи не только в Голландии, но и во Фландрии, Испании, Италии. В Испании у подобных изображений было свое название bodegonas – что значит «подвал» или «таверна» (см. раздел «Живопись XVII в.»).

Виллем Кальф Натюрморт с китайской чашей и наутилусом. 1662

Эваристо Баскенис. Натюрморт с музыкальными инструментами 1660

Жан Батист Симеон Шарден Натюрморт с трубкой и кувшином. Ок. 1737

Во Фландрии монументальные полотна с изображениями роскошных даров родной земли призваны были отображать ее богатство и плодородие.

В XVIII в. натюрморт постепенно избавляется от своего символического значения, и на первый план выходит интерес художников к самим предметам и к отображению их посредством живописи, прекрасным примером чему является творчество ведущего мастера этого жанра Жана Батиста Симеона Шардена.

Франсиско де Сурбаран. Натюрморт с лимонами, апельсинами и розой. 1633

Эдуард Мане. Натюрморт с пионами и секатором 1864

Долгое время натюрморт относился к числу низких жанров, поэтому немногие из известных мастеров обращались к нему в XVIII и XIX столетии

Заслуженное внимание этому жанру вернул во второй половине XIX в. французский художник Поль Сезанн

К жанру натюрморта можно отнести и картины-обманки, так называемые тромплей (trom pel’oeil – фр. «обман зрения»), задача которых состояла в том, чтобы обмануть своей детальной проработкой и реалистичностью глаз зрителя, подобно тем винограду и покрывалу, что были написаны античными живописцами Зевксисом и Паррасием. Хотя в технике trompe-l’oeil нередко бывают выполнены также изображения человеческих фигур и иллюзорной архитектуры.

Самюэл ван Хогстратен Trompe-l’oeil. Еврей, выглядывающий из окна. 1653

Винсент Ван Гог Подсолнухи. 1889

Поль Сезанн. Натюрморт с корзиной (Кухонный стол). 1890–1895

В этом натюрморте Мане обращается к изображению именно неживой природы – срезанных, уже увядающих цветов, небрежно брошенных рукой садовника. Присутствие человека здесь обозначено лежащим на краю стола секатором, который напоминает раскрывшийся на стебле цветок. Лезвия инструмента направлены в сторону пышных лепестков пиона цвета запекшейся крови. Эти детали позволяют предположить, что художник, подобно голландским мастерам XVII в., затрагивает тему бренности всего сущего и быстротечности жизни. Данная композиция, написанная сильными, быстрыми мазками кисти, прекрасно иллюстрирует уровень художественного мастерства Мане.

Фигуративность

Многие считают фигуративность и репрезентативность синонимичными понятиями, но это не так. Когда мы говорим, что живопись фигуративна, то подозреваем, что у нее есть определенная связь с образным строем реального мира

Когда мы называем ее репрезентативной, то в узком смысле мы подразумеваем искусство подражательное, а в более широком — тенденцию, когда художник выделяет из потока явлений наиболее важное, актуальное. Смысл этого термина перекликается с его использованием в биологии, когда по одному представителю можно судить обо всем виде

В первой половине ХХ века искусство, а точнее авангардные «измы», отказывалось от репрезентативности. Во второй половине 1920-х годов существовало сообщество художников «Новая вещественность», включавшее в себя очень разных авторов. Некоторые из них, как, например, Георг Шримпф, апеллировали к классическому искусству и продолжали традицию фигуративной живописи:

Лежащая женщина с ребенком. Георг Шримпф. 1922 год

Георг Гросс работал с экспрессивными формами. У него есть карикатурные образы, но он изображал характерные явления своего времени, поэтому его живопись можно назвать репрезентативной с элементами фигуративной:

Уличная сценка в Берлине. Георг Гросс. 1930 год

То же можно сказать и про творчество Отто Дикса.

Родители. Отто Дикс. 1921 год

Так что в 1920–30-е годы тенденция фигуративности никуда не исчезла, а в 1940–50-е годы лишь стала расцветать по всему миру. Появились смежные понятия — например, в 1930–50-х годах внутри Бостонской школы зародилось направление так называемого фигуративного абстракционизма. Уже в самом его названии чувствуется, что критики того времени пытались что-то сделать с неподвижностью терминологии и найти более точное определение, соответствующее своему времени.

Жанры живописи для детей старшего дошкольного возраста с примерами картин и художников.

Как познакомить дошкольника с жанром пейзажа?

Знакомство дошкольника с пейзажной живописью лучше начинать с произведений русских художников-пейзажистов И. И. Шишкина, И. И. Левитана, К. К. Саврасова, И. К. Айвазовского.

Жанру пейзажа можно посвятить тематические выставки по теме «Весна», «Лето», «Осень», «Зима». В каждую тематическую выставку можно включать работы разных пейзажистов. Это позволит ребенку увидеть времена года и сезонные изменения в природе глазами мастеров пейзажа

 Важно обратить внимание на то, что времена года у каждого художника отличаются по присущему ему стилю

Пейзаж выражает настроение художника, его отношение к окружающей природе, поэтому каждый пейзаж созвучен с музыкой или поэзией. Рассматривая с ребенком картину, расскажите о том, что на ней изображено. Рассказ может быть построен так: «На этой картине художник представил весну. Солнце стало жарким. От его света ожила березовая роща. Чувствуется свежий запах влажной земли и тепло солнечных лучей (картина В. Н. Бакшеева «Весна»). Точно такую же весну мы представляем при прослушивании мелодии П.И. Чайковского «Весна»».

В. Н. Бакшеев «Весна»

Картина А. А. Рылова «В голубом просторе» созвучна «Баркаролле» П.И. Чайковского,

А. А. Рылов «В голубом просторе»

картина А. А. Пластова «Первый снег» — музыке С. С. Прокофьева «Утро».

А. А. Пластов «Первый снег»

При описании картины И. И. Левитана «Золотая осень» можно обратиться к стихотворным строкам А.С. Пушкина.

Расскажите дошкольнику о разновидностях жанра. Пейзаж подразделяется на жанры: романтический, лирический, эпический, драматический.

Романтический пейзаж

Природа, представленная в романтическом пейзаже, передает чувства человека.

В картине И.К. Айвазовского «Девятый вал» показана тревога и беспомощность человека перед морской стихией.

Картина И.И. Левитана «Весна – большая вода» рассказывает нам о пробуждении природы и души художника.

Лирический пейзаж

А. А. Пластов «Сенокос»

В лирическом пейзаже отражена красота природы. Он вызывает чувство любви к Родине, заставляет грустить, учит радоваться, восхищаться… У картины А. А. Пластова «Сенокос» так и хочется прочитать лирические строки С.А. Есенина:

Эпический пейзаж

В эпическом пейзаже художник показывает величие земли монументально, красочно, звучно (картины М.С. Сарьяна «Горы», «Октябрь в Ереване»).

М. С. Сарьян «Октябрь в Ереване»

Драматический пейзаж

В драматическом пейзаже чувствуется напряжение, тревога. Художник показывает природу перед грозой или бурей (картина К. Е. Маковского «Дети, бегущие от грозы»).

Примечания

1. Hamlin. . SFGate (19 декабря 2013). Дата обращения: 11 декабря 2018.
2. . vezdekultura.ru. Дата обращения: 5 августа 2019.
3. Helen Park Bigelow, David Park, Painter: Nothing Held Back (2015)
4. . SFMOMA. Дата обращения: 11 декабря 2018.
5. . Дата обращения: 5 августа 2019.
6. . Royal Academy of Arts. Дата обращения: 25 августа 2017.
7. . www.artsy.net. Дата обращения: 11 декабря 2018.
8. . www.berggruen.com. Дата обращения: 11 декабря 2018.
9. . Дата обращения: 31 октября 2019.
10. ↑ . The Henrietta Berk Research Project. Steven Stern Fine Arts. Дата обращения: 31 марта 2018.
11. . askART. Дата обращения: 31 марта 2018.
12. FitzSimons, Casey. «’Transformation: The Art Of Joan Brown’ At The Berkeley Art Museum And The Oakland Museum Of California.» Artweek 29.12 (1998): 12-13. Art Full Text (H.W. Wilson). Web. 5 May 2016.
13. . www.artnet.com. Дата обращения: 11 декабря 2018.
14. . www.artnet.com. Дата обращения: 11 декабря 2018.

Телесность и спонтанность

Художники Лондонской школы и абстракционисты были близки в художественном методе. Бэкон, говоря о себе как о спонтанном художнике, много работал над образом. Авторы Лондонской школы всегда отталкивались от объекта, имея возможность в дальнейшем его искажать. Это особенная фигуративность и доступный и абстракционистам способ оптического воздействия силой материи, эстетикой цвета. Так, Леон Коссофф и Франк Ауэрбах работали с фактурой и количеством краски. Художники искали момент, когда картина перестанет распадаться на материю и пространство. Им нужно было не образно воздействовать на зрителя, а передать физическое, телесное ощущение от живописи.

Действительно, художники Лондонской школы укоренены в современной им действительности даже не через фигуративность, а буквально «плотью и кровью». Это очень осязательная живопись, на некоторые картины просто физически некомфортно смотреть.

Когда художники только исследовали и открывали направления абстракции, у одних было больше спонтанности, у других — системности. Во второй половине ХХ века многие делают ставку на спонтанный эффект и импульсивность как проявление индивидуальности художника

Авторам было важно, чтобы зритель интуитивно прочувствовал их произведения

Спонтанность и искажение позволяют художникам говорить о том, о чем никто не решался. Люсьен Фрейд и другие художники изучали человека как натуралисты, и это изучение — чистая физиология, в которой нет чувственности. Это максимально абстрагированное переживание телесности.

В то же время эта живопись имеет связь с биографией художника. Фрейд известен огромным количеством любовниц и детей, для него писать картину и спать с женщиной — одно и то же. Но какой холодный результат мы получаем: его образы женщин не вызывают у нас никаких чувственных эмоций. Это трагическая ситуация, ведь Фрейд ждал чуда от живописи, но всякий раз, заканчивая картину, он приходил к выводу, что это всего лишь полотно. Каждый раз живопись — это попытка решить личную проблему, которая не может быть решена живописью. Для англичан открытое декларирование проблем сексуальности немыслимо. Бэкон и Фрейд закрыли эту проблему для английского общества.

Также их видят как воплощение мечты о хорошей жизни после войны, поскольку они вращались в высших кругах общества.

Сегодня представители Лондонской школы считаются у себя на родине отцами-основателями английского искусства. Многие художники говорят, что Люсьен Фрейд, Фрэнсис Бэкон и другие дали им голос, определили их видение послевоенного мира и манеру письма. Лондонская школа и проблема абстракции — самое характерное в искусстве Англии.

: Художники Лондонской школы остро переживали то, что было им современно. В послевоенной Европе накопилось недовольство миром, пережившим войны, появились протестные движения — причем не только социально-политического плана, но и касающиеся академической среды и сферы художественной культуры. Но в творчестве авторов Лондонской школы нет социального протеста. Здесь есть уровень телесного ощущения происходящего в мире. Их фигуративность — старый прием, использующийся для новых реалий. Разговор об абстракции как дистанции по отношению к предмету и средствам творчества также уместен и правомерен. Жесткой границы между фигуративной живописью и абстракцией в искусстве XX века нет.

Анималистический жанр

Главной темой данного жанра является изображение животных, птиц и охотничьих сцен. Его название происходит от латинского слова «animal» – животное. Как мы уже знаем из раздела «Живопись Древнего мира», анималистические темы – древнейшие в истории живописи. Изображения животных встречаются и в пещерах первобытных людей, и в греческой вазописи, и в средневековых бестиариях. Однако обособление анимализма как отдельного жанра происходит лишь в XVII столетии. Его родоначальниками считаются голландские художники Альберт Кейп и Паулус Поттер, писавшие изображения домашних животных на фоне ферм и пастбищ, воспринимая их как неотъемлемую часть размеренной и тихой сельской жизни.

Пьер-Огюст Ренуар Жюли Мане с кошкой. 1887

Для фламандской живописи этого времени, напротив, были характерны динамичные сцены охоты, образы диких зверей и экзотических птиц, как в произведениях художника Яна Фейта, которого считали величайшим анималистом Фландрии после Снайдерса. О нем говорили как о втором Ное, который тоже собирал животных и птиц, но только на своих картинах, а его мастерство в изображении представителей мира природы ставили в один уровень с портретным мастерством Ван Дейка.

Павлин с его ярким и пышным хвостом, священная птица Юноны – царицы античных богов – придает благородство и сияющую красоту всей картине. Попугай, петух, курица и две цапли добавляют свои голоса в концерт – какофонию из карканья, криков, кукареканья и воркования. Тем временем сойка с любопытством смотрит на пустую нотную книгу, застрявшую между сучьями деревьев, у основания которого лежит мертвый голубь. В известном птичьем концерте, описанном Торквато Тассо в поэме «Освобожденный Иерусалим» в 1575 г., «веселые птицы… пели радостные песни на каждой ветке» в заколдованном саду у дворца Армиды. В поэме Тассо попугай сидит особняком от основного хора. Поют ли птицы Фейта ту же песню о быстротечности, что и у Тассо, где автор предлагает слушателю «собирать розы любви, пока еще возможно» – этот вопрос остается без ответа.

Ян Фейт. Птичий концерт. 1658

Эмиль Мунье. Завтрак 1880

В дальнейшем в XIX в. в произведениях мастеров анималистического жанра естественнонаучный интерес и стремление к точному воссозданию повадок и природной пластики животных будет соседствовать с романтическим восхищением их силой и ловкостью. Ведущие представители романтизма часто обращались к миру дикой природы, которая ассоциировалась для них с преодолением границ и правил, навязанных рациональным «цивилизованным» миром. В их картинах нередко возникает образ встающей на дыбы лошади или лошади, терзаемой львом (Делакруа, Жерико, Стаббс).

Близкий барбизонской школе живописи Констан Тройон писал изображения охотничьих собак и лирические пейзажи с пасущимися овцами, а «наивный» художник по прозвищу Таможенник Руссо изображал сцены борьбы и охоты экзотических животных в джунглях, зарисовывая их чучела в Зоологическом музее Парижа

Не оставляли вниманием анималистический жанр и художники XX века, но эти образы были уже далеки от реалистического характера натурных изображений (Франц Марк, Пабло Пикассо) и чаще всего имели особое символическое звучание

Теодор Жерико Голова лошади. 1815

Разнообразие техник

Если верить Леонардо Да Винчи, то техники живописи неисчерпаемы. Они – это все, что создает природа, время и человек. Существуют десятки направлений, но говорить следует только про основные виды:

1. Масляная. Для произведений используют масляную краску. Особенность техники – многослойность. В качестве основы художники чаще выбирают холст, покрытый грунтом.
2. Темпера. Это сухой порошковый пигмент, смешиваемый на основе эмульсии. Технику применяют в иконописи. Темпера позволяет наносить как тонкие полупрозрачные мазки, так и густые, пастозные.
3. Акварельная. Акварельную технику отличает использование красок, не содержащих белил. Они создают на бумаге легкий слой, через который просвечивает основное полотно. Акварель использовали для создания воздушных картин.
4. Тушь. Тушь – материал черного цвета на основе сажи. Художники использовали его для зарисовок и эскизов. Преимущество туши в высокой стойкости к размытию, даже спиртом.
5. Пастель. Пастель – это техника рисования масляными или пастообразными карандашами.
6. Акрил. Акриловые краски были разработаны в середине XX века. Особенность материала – стойкость и высокая скорость высыхания.
7. Аэрография. Современная техника. Предполагает нанесение жидкой или порошкообразной краски распылением из баллончика или аэрографа.

Эволюция

Жан Огюст Доминик Энгр , Le Bain Turc (Турецкая баня) , 1862, холст, масло, 108 × 110 см, Лувр , Париж

Фигуративное искусство само по себе основано на молчаливом понимании абстрактных форм: фигурная скульптура греческой античности не была натуралистической, поскольку ее формы были идеализированными и геометрическими . Эрнст Гомбрих сослался на строгость этого схематического изображения, приверженность тому, что уже было известно, а не то, что рассматривается как «египетский метод», намек на основанную на памяти ясность образов в египетском искусстве. .
В конце концов идеализация уступила место наблюдению, и изобразительное искусство, уравновешивающее идеальную геометрию с большим реализмом, было замечено в классической скульптуре к 480 г. до н.э. Греки называли использование визуального наблюдения мимесисом . До времен импрессионистов фигуративное искусство характеризовалось попытками примирить эти противоположные принципы.

От раннего Возрождения, маньеризма и барокко до живописи 18, 19 и 20 веков Фигуративное искусство неуклонно расширяло свои параметры

Важной вехой в эволюции изобразительного искусства является первая известная лежащая обнаженная натура в западной живописи в « Спящей Венере» (1510) Джорджоне. Он представил женскую обнаженную натуру как предмет и положил начало длинной череде известных картин.

Николя Пуссен (1594–1665), французский художник в классическом стиле, чьи работы преимущественно отличаются ясностью, логикой и порядком и предпочитают линию цвету, послужил альтернативой более повествовательному стилю барокко 17 века. Он был главным источником вдохновения для таких классически ориентированных художников, как Жак-Луи Давид , Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Сезанн . Подъем неоклассического искусства Жака-Луи Давида в конечном итоге вызвал реалистические реакции Гюстава Курбе и Эдуара Мане. ведущие к многогранному изобразительному искусству ХХ века.

В ноябре 2018 года ученые сообщили об открытии старейшей из известных фигур изобразительного искусства неизвестного животного возрастом более 40000 (возможно, 52000) лет в пещере Лубанг Джериджи Сале на индонезийском острове Борнео .

Способы развития восприятия произведений искусства

Представление о жанрах изобразительного искусства формируется не только на выставках и экскурсиях в музеи, но и в процессе игр.

Восприятие произведений искусства – это эмоционально-интеллектуальный труд, который требует от ребенка определенной подготовки.

В связи с тем, что дошкольник только учится «считыванию» трёхмерного пространства картины, следует развивать в нем наблюдательность и обращать внимание на прекрасное (сочетание красок, форму предметов) во время прогулок, походов, экскурсий, игр и т. д

Важно научить ребенка замечать красоту в живой природе для того, чтобы он смог увидеть красоту на картине. Развитое восприятие произведений искусства у дошкольника проявляется в том, что он понимает то, что изображено на картине и что хотел нам рассказать художник

Развитое восприятие произведений искусства у дошкольника проявляется в том, что он понимает то, что изображено на картине и что хотел нам рассказать художник.

Для развития эмоционального восприятия можно воспользоваться приёмом «вхождения в картину»:

Что ты чувствуешь, глядя на эту картину? Какое настроение передаёт тебе художник? Давай представим себе, что мы оказались в этом лесу (на этой поляне, на этой дорожке, на этой горе…). Дотронься до дерева (до воды, до листвы)! Что ты почувствовал? Какое оно? Пройдись по этой листве! Ты слышишь шелест? Потрогай воду (траву, листву и т.д.). Посмотри на небо! Какое оно? Попробуй вдохнуть в себя воздух! Что ты почувствовал? и т.д.

Для развития художественного мышления следует обратить детское внимание на выразительные средства: «С помощью каких красок художник передал нам радость (тишину, покой, волнение, грусть, страх, свежесть…)? А что бы ты чувствовал, если бы он взял темные краски?»

Выразить свое эмоционально-личностное отношение к картине может прием установки. Дошкольнику дают установку составить мини-рассказ по картине: «Прежде чем сказать, что тебе нравится в этой картине и что ты думаешь ней, надо вспомнить, как она называется, чему она посвящена и что хотел художник нам передать.