Иллюстрации габриэля морено

РИСУНКИ

Рафаэль был не только одним из величайших, но и одним из самых плодовитых художников своего времени. За свою короткую жизнь он успел сделать более 400 рисунков, многие из которых, к сожалению, не сохранились до наших дней. Рафаэль жил в переломный момент, когда совершался переход от старой техники рисования к новой. В годы его юности основным орудием художника были серебряный карандаш и перо, а к концу его жизни большинство художников перешли на мелки (обычно чёрные или красные), введённые в практику Леонардо да Винчи. Благодаря этой замене происходит переход от преобладавшей в XV веке техники линейного штриха к более свободному стилю, характерному для эпохи Высокого Возрождения. Рафаэль с одинаковой лёгкостью пользовался любой известной в его время техникой письма и великолепно владел серебряным карандашом, которым продолжал работать вплоть до 1515 года, то есть даже тогда, когда большинство художников уже отказались от этого атрибута, сочтя его устаревшим. Почти все рисунки Рафаэля были этапом подготовки к написанию больших полотен. Среди них можно встретить и беглые зарисовки наподобие наброска, где зафиксированы первые мысли художника относительно будущей картины, и тщательно проработанные этюды.

Переехав в Рим в возрасте 25 лет, Рафаэль продолжал совершенствовать своё мастерство, быстро добиваясь всё новых и новых успехов. Уже в первых своих фресках, несмотря на то, что ему никогда прежде не приходилось иметь дела ни с подобными размерами изображения, ни с подобной техникой, Рафаэль демонстрирует своё умение объединять огромное количество фигур в стройную, гармоничную композицию. В этом отношении его первая фреска («Афинская школа», 1509-1511 гг.) до сих пор может служить высоким образцом этого жанра.

В ряде последующих ватиканских фресок Рафаэль сумел добиться ещё большей выразительности в передаче движения и более широкого спектра световых эффектов. Он продолжал развивать и совершенствовать стиль и технику письма до самого конца своей короткой жизни, и в последней большой работе «Преображение» (оставшейся незаконченной в связи со смертью художника) подошёл в передаче экспрессии и эмоций к той черте, которая отделяет прозрачный, ясный стиль Высокого Возрождения от следующего за ним маньеризма.

Дарио де Регойос и Вальдес (Darío de Regoyos y Valdés, 1857-1913 гг.)

Уроженец Барселоны Дарио де Регойос и Вальдес (Darío de Regoyos y Valdés, 1857-1913 гг.) родился в семье известного архитектора, и детство провел в Мадриде, где также был учеником Де Хаэса в Академии Сан-Фернандо. В 1879 году, по совету своего учителя, юноша отправляется в Бельгию изучать европейское искусство. Там он поступает в Королевскую школу изящных искусств Брюсселя, участвует в создании нескольких художественных кружков, организует выставки и концерты, все больше отходит от своего первоначального натурализма, а также выступает с анти-академическими заявлениями.В 1883 году Де Регойос вместе с единомышленниками совершает большое турне по Марокко и Испании, вскоре оседает в Марокко, продолжая наездами бывать в Европе. Большое влияние на этого живописца оказывают работы Сера, Синьяка и Писарро («пуантилизм»), что видно на его картинах того периода.Большая часть работ Де Регойоса создана на пленэре и посвящена природе Испании. На картинах преобладают яркие сине-фиолетовые тона, мы видим зеленые, розовые и желтые оттенки зданий, сияющий ультрамарин водной глади. К сожалению, Де Регойос не был избалован славой при жизни, но после его смерти состоялась большая ретроспективная выставка его работ, и сегодня его картины украшают не только музеи Испании, но также всей Европы и США.

Regoyos. Sierra Nevada

Regoyos. La Concha, nocturno

Regoyos. Vendredi Saint en Castille

ВЕЛИКИЙ МАСТЕР СИНТЕЗА

В работах Рафаэля, созданных им в зрелом возрасте, просматривается удивительная способность художника синтезировать в своём творчестве все лучшие достижения как старых, так и современных ему мастеров, и, в первую очередь, Леонардо да Винчи и Микеланджело.

Рафаэль был одним из трёх величайших художников эпохи Возрождения наряду с Леонардо да Винчи и Микеланджело. Это было замечательное время, когда – по оценкам современников и исследователей последующих поколений – итальянское искусство достигло в своём развитии вершины величия и гармонии. Леонардо и Микеланджело традиционно считаются великими художниками-новаторами того времени, в то время как Рафаэль воспринимается чаще всего как мастер синтеза, художник, способный с необычайным изяществом соединять и совершенствовать чужие идеи. Джошуа Рейнольдс, один из наиболее выдающихся художников XVIII века, подытожил мнение о Рафаэле, когда написал: «Он использовал в своём творчестве столько образцов, что, в конце концов, сам сделался образцом для процветающих художников: всегда имитирующих и всегда оригинальных».

Сбалансированность манеры Рафаэля отражает основные черты его характера, столь резко отличавшегося от характеров двух его выдающихся современников. Если Леонардо и Микеланджело предпочитали писать в одиночестве, с головой уходя в работу, то Рафаэль никогда не уклонялся от общества, и в одном письме, датированным 1504 годом, его называют «отзывчивым и хорошо воспитанным». Работы Рафаэля не поражают интеллектуальной сложностью, как картины Леонардо, не удивляют мощью, как творения Микеланджело, но зато они полны здоровым, спокойным чувством собственного достоинства.

Джорджо Вазари, великий хроникёр искусства эпохи Ренессанса, отмечал это отсутствие крайностей в творчестве Рафаэля и полагал, что в силу этого его работы окажутся менее долговечными, чем творения Леонардо и Микеланджело. Он писал, что, «хотя многие считают, что он (Рафаэль) превзошёл Леонардо в свежести и лёгкости письма, ему никогда не достичь его возвышенности и величия» и что Рафаэль сам «в невозможности сравняться с Микеланджело в его умении изображать обнажённую натуру». Впрочем, многие критики последующих веков были склонны видеть в отсутствии крайностей сильную сторону творчества Рафаэля: некоторые художники могли превосходить его в определённых областях, — например, Тициан считался лучшим колористом, однако ни он, ни кто-либо другой не смогли выработать такой сбалансированной манеры письма, как у Рафаэля.

Секреты «Дорифора»

«Дорифора» относят ко временам высокой классики, расцвета древнегреческой скульптуры. В отличие от своих статичных предшественников, этот образ наполнен силой и движением. Фигура героя представляет собой динамичную, однако уравновешенную композицию.

Поликлет считается законодателем принципа, при котором вес тела переносится на одну ногу и компенсируется особенностями положения человека. Но если для живого натурщика такой вариант был удобен и приемлем, то выразить изящество, спокойствие и силу (причём гармонично) в бронзе – задание не из лёгких. Кроме того, ощущение пластичности и лёгкости изваяния возникает из-за S-образной линии, которую визуально можно начертить вдоль фигуры копьеносца.

Герои Поликлета неизменно спокойны и уверены в себе

Как я уже отметила, оригинал, созданный Поликлетом, увы, не сохранился. Изначально «Дорифор» был отлит из бронзы, однако сегодня его изображения известны благодаря скульптурам из тонированного гипса. На сегодняшний день существует немало копий в итальянских городах, различных известных музеях мира.

Что примечательно, практически во всех репликах имеется подпорка под левой ногой, однако у оригинала её не было. Выходит, даже скульпторы более позднего периода не сумели разгадать тайну принципа Поликлета и воссоздать совершенный образ без дополнительных приспособлений.

Из 31 копии скульптуры «Дорифор» каждая выделяется своими особенностями. Плиний Старший в своей «Естественной истории» отмечал следующее:

Такое интересное высказывание античного историка наталкивает на размышления. Выходит, что поистине совершенный облик «Дорифора» никто из последующих мастеров так и не смог воссоздать. И это, несомненно, главная загадка Поликлета.

Одна из лучших копий статуи Поликлета «Дорифор», римская копия с греческого оригинала, конец I века до н.э. – начало I века н.э.Местонахождение: Национальный археологический музей, Неаполь, Италия

«Дорифор» Поликлета считается канонным вариантом античной скульптуры. В нём сочетаются красота и грация, сила и динамика, но главное – изваяние наполнено гармонией. Очень жаль, что изначальный вариант, созданный легендарным мастером, мы уже никогда не увидим, но, быть может, некоторые тайны о «Дорифоре» история откроет в будущем.

На обложке: Поликлет «Дорифор», римская копия с греческого оригинала, конец I века до н.э. – начало I века н.э. Местонахождение: Национальный археологический музей, Неаполь, Италия

Работает

Адам и Ева (около 1620 г.), Музей изящных искусств Дижона .

Сибилла (1635-1636), Болонская национальная пинакотека .

Иероним (конец XVI — го - XVII — го века), Галерея Спада , Рим .
1603: Распятие Святого Петра , холст, масло, 305 × 175 см , Музеи Ватикана , Рим .
около 1604 г .: Воскресший Христос является его матери , Музей изящных искусств Нэнси .
1605: Давид с головой Голиафа , холст, масло, 220 × 145 см , Лувр , Париж ..
1610 год: фрески в часовне Квиринальского дворца в Ватикане .
1609-1611: фрески в часовне Сент-Мари-Мажор в Ватикане .
1610-1612: Портрет женщины по имени Мать художника , холст, масло, 65 × 55 см , Национальная галерея (Болонья)
1611-1612: Избиение младенцев , холст, масло, 268 × 170 см , Pinacoteca Nazionale , Болонья .
1611-1612: Победа Самсона , холст, масло, 260 × 223 см , Pinacoteca Nazionale, Болонья.
1613-1614: L’Aurore , 281 × 700 см , потолочная фреска в Палаццо Паллавичини Роспильози , Рим .
около 1614 г .: Мученичество святой Аполлины , масло, коллекция Аланы
1614: Святой Филипп Нери в экстазе , холст, масло Chiesa Nuova
1614-1615: Моисей и урожай манны , холст, масло, 280 × 170 см , собор, Равенна .
1615: Святой Себастьян , алтарь, Капитолийские музеи , Рим .
1615-1616: Лот и его дочери , холст, масло, 111 × 149 см , Национальная галерея , Лондон
1617–1621: Цикл « Подвиги Геракла» , Лувр , Париж .
1617-1621: Деянира, похищенная кентавром Нессом , 239 × 193 см , Лувр , Париж
1619-1620: Вакх и Ариадна , холст, масло, 97 × 86 см , Музей искусств округа Лос-Анджелес
1620: Ла Шарите , холст, масло, 116 × 90 см , Флоренция , Дворец Питти , Палатинская галерея.
1620-1625: Союз рисунка и цвета , холст, масло, диам. 121 см, Лувр , Париж
1620-1630: Сен-Себастьен , холст, масло, 225 × 162 см , Картинная галерея Далвича.
1622: Святой Франциск в экстазе , холст, масло, 198 × 133 см , церковь Джироламини , Неаполь .
1622-1623: Крещение Христа , холст, масло, 263 × 186 см , Художественно-исторический музей , Вена
1622-1625: Аталанта и Иппомена , холст, масло, 191 × 264 см , Музей Каподимонте , Неаполь .
1623: Мадонна делла Неве , Богородица с младенцем, Сент-Люсия и Мария Магдалина на медном спелере, заказанная Джулиано Микотти для церкви Санта-Мария-Кортеорландини в Лукке, в настоящее время находится в галерее Уффици во Флоренции .
1624: Благовещение , Лувр , Париж .
1624-1626: Сен-Жан-Батист , холст, масло, 157 × 113 см , Нантский музей изящных искусств.
1627: Непорочное зачатие , холст, масло, 268 × 185 см , Музей Метрополитен , Нью-Йорк
1630-1642: Поклонение пастухов , холст, масло, 485 × 350 см , Музей Сан-Мартино , Неаполь
1631: Похищение Элен , холст, масло, 253 × 265 см , Лувр, Париж.
1631: Портрет кардинала Бернардино Спада , Галерея Спада, Рим .
1631-1632: Богородица с младенцем в окружении ангелов , музей Конде , Шантильи .
1632: Автопортрет , холст, масло, 45 × 34 см , Музей Уффици , Флоренция
1635: Святой Михаил Архангел , церковь Санта-Мария-делла-Консесионе-деи-Капуччини , Рим .
ок. 1635: Святой Иосиф с младенцем Иисусом на руках , холст, масло, 126 × 101 см , Эрмитаж , Санкт-Петербург
1635-1636: Сибилла , Национальная пинакотека , Болонья.
1635-1640: Святой Матфей и ангел , холст, масло, 85 × 68 см , Музеи Ватикана , Рим
1635-1640: Смерть Клеопатры , холст, масло, 125 × 97 см , Дворец Питти , Флоренция
1637: Успение Богородицы , холст, масло, 242 × 161 см , происходит из церкви филиппинцев в Перудже , Лионского музея изящных искусств .
1637-1638 Вакх Пьет , холст, масло, 72 × 56 см , Gemäldegalerie Alte Meister , Дрезден
1639-1640: Христос с тростником , также известный как Ecce Homo , холст, масло, 60 × 45 см , Лувр , Париж.
около 1640 г .: Поклонение пастухов , холст, масло, Национальная галерея в Лондоне .
1640-1642: Блаженная душа , Болонья .
Портрет ювелира Жана Джейкобса ;
Христос и самаритянка , Музей изящных искусств Каркассона .
Святая Троица , главный алтарь церкви Сантиссима Тринита деи Пеллегрини , Рим

Аурелиано де Беруэте-и-Морет (Aureliano de Beruete y Moret, 1845 -1912)

Следующий испанский художник-импрессионист — Аурелиано де Беруэте-и-Морет (Aureliano de Beruete y Moret, 1845 -1912) родился в Мадриде и первоначально получил юридическое образование. Он защитил докторскую диссертацию, стал профессиональным политиком и даже (в 1871 и 1872 гг.) депутатом законодательного собрания. Но в 1874 году, после встречи с Хаэсом, оставив политическую деятельность, Беруэте начал профессионально заниматься живописью, также пройдя через Академию изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде. Художественные критики, характеризуя творчество Беруэте, склонны противопоставлять его кастильскую резкость и «заземленность» легкости и безмятежности французского импрессионизма. В последние годы жизни художник, прославившийся также как историк искусства, написал несколько трактатов о живописи и стал редактором первого сборника работ Веласкеса, изданного в 1898 г. в Париже.

Aureliano de-Beruete-y-Moret. Casa sobre la playa

Quimperlé at Night

Развитие романтизма в других странах

Расцвет этого направления пришелся на XIX век, но зарождение началось еще в конце XVIII. В эту эпоху стало больше образованных людей, появились революционные идеи, которые отразились на романтизме. Но в каждой стране у развития стиля были свои особенности.

Англия

Английские романтики искали баланс между гармонией природы и прогрессом в науке и живописи. Поэтому в их творчестве преобладают романтические пейзажи, на которых человеку нет места. Самые яркие представители — Дж. Констебль и Дж. Милле.

В картинах Дж. Констебля («Телега для сена», «Пляж в Брайтоне и угольщики») природа занимала господствующее положение, а человек — гость, случайно зашедший в ее владения. Пейзаж написан яркими красками, а крестьяне — грубыми небрежными мазками, что выделяло их на общем фоне. Уильям Тёрнер («Последний рейс корабля «Отважный»», «Ганнибал, пересекающий Альпы в метель») придерживался сдержанной манеры в написании картин, но человек пытается достичь величия природы.

В творчестве английских романтиков героями выступают не мятежные, революционные персонажи, а простые люди, пытавшиеся найти свое место. Англичане известны своей прагматичностью и рациональным мышлением, что отразилось в живописи.

Германия

Немецкие художники живо откликнулись на романтические идеалы. Свое вдохновение они черпали в эпохе Средневековья. Поэтому немецкие приверженцы романтизма были близки к истокам неоклассицизма. Они полагали, что в период Средневековья люди жили в гармонии с собой и окружающим миром.

Живописцы в Германии старались передать эмоциональность и чувственность, сохранив академические традиции. Известные представители немецкого романтизма — Каспар Давид Фридрих («Странник над морем тумана»), Филипп Отто Рунге («Утро»), Карл Шпицвег («Книжный червь»).

Франция

Во Франции произошла Великая революция, которая дала мощный толчок для развития романтизма. В отличие от английских и немецких живописцев французы не ограничивались написанием пейзажей. Изначально, они не ставили никаких целей: главной задачей было противопоставлении классицизму, его высмеивание.

Позже, после революции главной темой полотен стали бунтари, вступавшие в противостояние с людьми, стихией. Большая часть французских художников творили в портретном жанре. Самые известные живописцы того времени — Эжен Делакруа («Свобода, ведущая народ», «Охота на тигра») и Теодор Жерико («Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку», «Плот «Медузы»).

Испания

Испанский романтизм в живописи ассоциируется с Франсиско де Гойей, который был главным художником страны. Его герои отличаются эмоциональностью, склонностью к необдуманным поступкам, любящие фантазировать. Самые известные работы Франсиско де Гойи — «Третье мая», «Бедствия войны», «Капричос».

США

В этот период Америке были нужны ремесленники, а не художники. Поэтому романтизм в живописи не получил такого распространения, как во Франции. Художники в своих полотнах освещали только значимые для государства события.

Из американских живописцев выделяют Джона Трамбула («Смерть генерала Монтгомери в Квебеке») и Бенджамина Уэста («Договор между мистером Пенном и американскими индейцами»).

Россия

В Российской империи романтизм начал развиваться раньше, чем в других странах. Развитие этого направления было обусловлено патриотическими настроениями после победы в войны 1812 года. Появились первые частные коллекции, возникают такие понятия как спонсорство и меценатство.

Русским художникам удалось объединить романтизм с основами классицизма и написать мировые шедевры.

Лауреано Баррау (Laureano Barrau,1863-1957 гг.)

Родившийся с Сорольей в один год, но переживший его на тридцать с лишним лет, другой испанский импрессионист, — Лауреано Баррау (Laureano Barrau,1863-1957 гг.) происходил из буржуазной семьи и учился в школе изящных искусств в Барселоне. После переезда в Мадрид он изучал живопись по картинам музея Прадо, затем учился в Париже в Художественной Академии, в Италии изучал великих итальянских мастеров. Он становится известным в европейских столицах, обладателем многих наград, уже с 28 лет участвует в выставках Парижского салона изящных искусств. Но в возрасте 47 лет успешный художник с семьей переезжает на остров Ибица и остается там жить и писать до конца своих дней. Очарованный видами острова, он пишет там свои самые восторженные работы. Все они — цвет и свет. Там же на Ибице, после смерти живописца, его вдова открывает в 1963 г. музей, в котором хранится около двухсот картин мастера.

Laureano Barrau. La Payesa Ibiza

Laureano Barrau. Solitude

В принципе, к середине XX века импрессионизм почти полностью сменился новыми художественными течениями. В Испании появляются новые мастера, многие из работ которых называют «поздним импрессионизмом», но в целом это уже иные направления, течения, техника. Зачастую они многое берут от испанского импрессионизма, но являют собой дальнейший путь испанской живописи, — к модернизму и пост-модернизму. Под влиянием импрессионизма находились такие испанские живописцы начала XX века как Рамон Касас (1866-1934 гг.), Игнасио Сулоага Забалета (1870-1945 гг.), Эрменехильдо Англада Камараса (1871-1959 гг.).

Несмотря на то, что в среде художественных критиков испанский импрессионизм зачастую считается подражательным явлением, «цитатой» французских отцов-основателей, работы, созданные испанскими мастерами, для многих являются источником особенной радости, вдохновения и живейшего интереса. Испанские последователи великих импрессионистов были не просто хорошо образованы, пройдя через художественные школы ведущих европейских столиц, но по-настоящему любили свою родину. И пожалуй ярче всего показали импрессионистское течение в своей стране Беруэте, Соролья и Регойос. Все трое писали в основном Испанию и смогли передать в своем творчестве ее дух очень по-разному.

Конечно трудно уместить в одну статью все богатство испанского импрессионизма, будем считать, что это лишь краткий обзор, первое знакомство с этим пластом испанского искусства. И, смею надеяться, у вас появится желание продолжить это знакомство, любуясь пейзажами, портретами и повседневными зарисовками испанской жизни. Приобретая свое Впечатление.

Eliseo Meifrén y Roig , 1858-1940

Другой известный импрессионист, рожденный в Барселоне, — Роиг (Eliseo Meifren y Roig, 1858-1940). Начав свое художественное образование в родной Барселоне, в 1870 году он переезжает в Париж, где продолжает учиться, творить, а также сближается с художниками-модернистами, в том числе из Испании, такими как Рамон Касас и Сантьяго Русиньоль. В течении продолжительного времени Роиг живет и пишет в Италии, а в 1881 г. возвращается на родину.

Роиг прославился как пейзажист и живописец бытовых сцен, он постоянно выставлялся, в том числе организуя персональные выставки картин в Барселоне, Мадриде, Буэнос-Айресе. Он — обладатель многочисленных наград и почетных званий не только на своей родине, но по всему миру.Основные сюжеты полотен Роига — повседневность родной Испании, в особенности ее северных земель. Творчество художника относят и к импрессионизму, и к модернизму. Многие работы нельзя с уверенностью отнести строго к одному течению, работы разнообразны, как и периоды творчества, это скорее предмет обсуждения искусствоведов, мы же позволим себе просто насладиться созерцанием полотен живописца.

Роиг. Марина с буем

Pontevedra

Убийство

Портрет генерала Габриэля Гарсиа Морено.

6 августа 1875 года в конце мессы (на которую он ходил каждый день) на Гарсиа Морено напали четверо мужчин, вооруженных мачете и пистолетами; это Фаустино Райо, Роберт Андраде, Абелардо Монкайо и Мануэль Корнехо. После непродолжительной борьбы он не выдерживает. Убийцы были в основном из буржуазии, из армии, а Монкайо был бывшим иезуитом. Мотивы преступления остаются неясными, хотя Мануэль Корнехо считал себя свободным человеком, жертвующим собой против диктатора. Он был казнен 27 августа. Главный убийца Райо — кожевник и бывший государственный служащий Гарсиа Морено в провинции Напо . Утром Райо обсуждал с Гарсией Морено цену седла, и его казнили на месте. В масонах , запрещенные конституцией страны с 1869 года, играют роль в убийстве Гарсиа Морено. Последний писал о ней в 1873 году: «Мне сказали из Германии, что ложи в этой стране приказали американцам сдвинуть небо и землю, чтобы свергнуть правительство Эквадора; но если Бог защищает нас и покрывает нас Своей милостью, чего нам бояться? «

Книга по этому вопросу Garcia Moreno y sus asesinos подтверждает гипотезу сторонников Гарсии Морено об убийстве со стороны международного масонства при финансировании Германией Kulturkampf и политической поддержке со стороны Перу, но многие неясные моменты, в частности быстрые казни убийц, неравное обращение с причастными к уголовной ответственности, оставляет вопрос без ответа. Узнав о его убийстве, Хуан Монтальво , эквадорский полемист, автор брошюры «Вечная тирания» против Гарсиа Морено, произнес знаменитую фразу: « Mi pluma lo mató » («Это моя ручка убила его»).

Он даст свое название приходу Гарсия Морено, в который входят несколько муниципалитетов, которые в настоящее время находятся в ведении автономного правительства Котакачи.

Герои и сюжеты картин романтизма

Персонажи полотен живописцев, писавших в этом направлении, напоминают литературных героев. Это тонко чувствующие натуры, постоянно находящиеся в поиске истины. Но это не сентиментальные романтики, а страстные мятежники, сильные духом.

Нередко живописцы исследовали темные стороны человеческой натуры. Поэтому нередко на их полотнах можно увидеть грозу, молнии и мистические сюжеты. Художники вдохновлялись стилем барокко, поэтому в их работах виден накал страстей, динамика. Они позаимствовали инструменты для повышения выразительности картины — игру света и тени, динамичный сюжет.

В период романтизма произошла эволюцией портретного жанра. Живописцы перестали писать парадные портреты. Для них главной целью было раскрытие личности, индивидуальности, демонстрация переживаний, эмоций. Одной из любимых тем художников-романтистов — тема сломленного человека. Они не боялись исследовать темные грани человеческой души, так как были уверены, что в человеке есть свет и тьма.

Для сюжетов живописцы выбирали темы, вызывающие эмоциональный отклик у людей. Но приверженцы романтизма не писали абстрактные идеалы, им не нравилась чрезмерная театральность.

В этот период происходит расцвет пейзажной живописи в романтизме. Но художников больше интересует буйство стихий, бескрайние дали. Живописцы романтизировали ночь, воспевали ее мистицизм, красоту луны и звезд. Природа теперь перестала быть фоном для сюжета — она стала его полноправной участницей. На многих полотнах герои вступают в противостояние со стихией. В других работах природа вторит переживаниям человека.

Чаще всего на картинах писали грозы, бурю, землетрясение, извержение вулканов. Романтисты восхищались буйством стихий, их необузданной, первозданной красотой, потому что только она способна вызвать сильные эмоции у человека при просмотре картины.

«Дом глухого»

Но, как известно, счастье скоротечно. Работа над многочисленными портретами и картонами для шпалер не оставляла времени для выполнения собственных творческих задумок. Гойя стал мрачным и несдержанным: «Порой я так взволнован, что не могу сам себя переносить». К тому же художника мучили частые приступы головной боли, настолько сильные, что почти два года он не рисовал. Однако страшнее всего была потеря слуха. Для 50-летнего Франсиско, любителя шумных праздников и музыки, это стало страшным потрясением. Как только Гойя снова смог взять в руку кисть, он написал картины о народных гуляньях: «Карнавал», «Деревенская коррида». Тогда же в его работах появилась тема людских пороков: жестокости, фанатизма, самовлюблённости. Даже коронованных особ художник изображал без лести. Взгляд Гойи на мир изменился, стал пессимистичнее. Вокруг его серии офортов «Капричос» до сих пор не умолкают споры искусствоведов. Одни считают «Причуды» злой сатирой, другие — шуткой, третьи — болезненными фантазиями художника.

После женитьбы сына и смерти супруги постаревший Гойя перебрался в загородный особняк, который вскоре стали называть «Домом глухого». Стены живописец расписал жуткими фресками, словно вытащив из подсознания свои самые мрачные идеи.

Гойя прожил 82 года и до последних дней продолжал рисовать. После его смерти литератор Теофиль Готье написал: «Здесь почивает старое доброе испанское искусство, безвозвратно ушедший мир отважных тореадоров, истинных мачо и очаровательных манолас, мир злодеев и ведьм — одним словом, весь богатейший фольклор Испании…».