Несение креста 1515—1516 гг.
Иероним Босх. Несение креста. 1515-1516 гг. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wga.hu.
Неожиданная для Босха работа. Вместо далёких горизонтов и множества персонажей — очень сильное приближение. Только передний план. Лица так близко к нам, что даже можно почувствовать приступ клаустрофобии.
Уже нет никаких монстров. Уродливы сами люди. Все их пороки читаются на лицах. Злорадство. Осуждение другого. Душевная глухота. Агрессия.
Обратите внимание, что только трое персонажей имеют нормальные черты. Раскаявшийся разбойник в правом верхнем углу
Сам Христос. И святая Вероника в левом нижнем.
Иероним Босх. Несение креста. Фрагмент. 1515-1516 гг. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wikimedia.Commons.
Они закрыли глаза, отрешившись от этого мира, который заполнен кричащей и злобной толпой. Только разбойник и Христос идут направо, в сторону смерти. А Вероника — налево, в сторону жизни.
На платке Вероники проступил образ Христа. Он смотрит на нас. Печальными спокойными глазами. Что он хочет нам сказать? Увидели ли мы себя в этой толпе? Готовы ли мы стать людьми, освободившись от агрессии и осуждения.
Босх был художником Эпохи Возрождения. Да, он был современником Леонардо да Винчи и Микеланджело.
Поэтому его главный герой — человек. Он рассмотрел его со всех точек обзора. И издалека. Как в “Саде земных наслаждений”. И очень близко. Как в “Несении креста”.
Его вердикт неутешителен. Люди погрязли в пороках. Но есть надежда. Надежда на то, что каждый из нас найдёт путь к спасению. Главное — вовремя посмотреть на себя со стороны.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Примитивизм
Свободное владение различными стилями письма прекрасно иллюстрирует картина «Игра в мяч» 1928 г. Спустя шесть лет после «Бега» Пикассо вновь изображает крупные фигуры на фоне морского ландшафта, но теперь классические пропорции и изысканные формы заменены примитивными «детскими» фигурами. Цвет реформирован по тому же принципу. Эта картина лишь одно из многих, похожих по манере, полотен, написанных Пикассо в 1928 и 1929 годах, когда его семья проводила отпуск на нормандском побережье Франции.
Пикассо неоднократно говорил, как он восхищается примитивным искусством и рисунками детей. Однажды он сказал: «Когда я был в их возрасте, я умел рисовать как Рафаэль. Мне потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как они».
Жизненный путь
Испанский художник, скульптор, график, керамист и дизайнер, родился 25 октября 1881 года в Малаге, шумном портовом городе на юге Испании. Голубой период. Девочка на шаре Отец Пикассо был преподавателем живописи. В семье было четверо детей, Пабло был старшим. В 1895 году семья переехала в Барселону, где отец стал работать в художественной школе Ла Лонха. Пикассо начал учиться именно там, а в 1897 году продолжил образование в мадридской Академии изящных искусств. В 16 лет он вернулся в Барселону и организовал собственную студию. Пабло был на редкость самоуверенным юношей и не сомневался в том, что сумеет добиться грандиозного успеха. Подобно всем амбициозным художникам того времени, Пикассо мечтал попасть в Париж. Его мечта сбылась в 1900. В 1904 он окончательно обосновался в Париже. 1900-1904 называют «голубым периодом» в творчестве Пикассо, поскольку большинство созданных им в эти годы картин написано в холодных голубых тонах. Розовый период «Голубой период» сменился кратковременным «розовым», когда художник предпочитал более теплую гамму. Следующий период его творчества отмечен дружбой с художником Жоржем Браком. В результате их сотрудничества сложилось новое направление в живописи – кубизм. В 1917 году художник посетил Рим, где работал над декорациями и костюмами к балету «Парад» в постановке Сергея Дягилева. Здесь Пикассо влюбился в Ольгу Хохлову, одну из танцовщиц русской труппы. Купальщицы Они поженились в 1918 году. В 1921 году у Пабло и Ольги родился сын Поль, однако их брак счастливым не назовешь. По сути, он кончился в январе 1927 года, когда Пикассо увлекся 17-летней Мари-Терез Вальтер. Самому мэтру было тогда 45. В 1935 году у Мари-Терез родилась девочка, которую назвали Майей. Брак Пикассо с Ольгой, заключенный по испанским законам, не мог быть расторгнут. Ольга и Пабло формально оставались мужем и женой вплоть до смерти Ольги в 1955 году. Но не сложились и отношения Пикассо с Мари-Терез. После нее у художника были еще музы – Дора Маар и Франсуаза Жило (они прожили вместе 10 лет, и родили двоих детей), Жаклин Рок (на которой художник женился). Даже перевалив за восьмой десяток лет, Пикассо продолжал энергично работать. При этом в последние свои годы он крайне редко появлялся на людях, предпочитая тихую уединенную жизнь в обществе Жаклин. Умер Пабло Пикассо 8 апреля 1973 года в возрасте 91 года и был похоронен в старинном замке Вовенарг, где жил и работал в 1958-1961 годах.
Густав Брион
Жан ВальжанИллюстрация: Гюстав Брион / Public Domain
Густав Брион — французский художник и иллюстратор из Эльзаса, он родился в 1824 году в коммуне Рото, очень красивом и спокойном месте. Брион любил изображать жизнь родного края, крестьян за сбором картошки, их разговоры у колодца, похороны и танцы на свадьбах.
Помимо живописи Брион также занимался и книжной иллюстрацией, например, он создал одни из первых образов Квазимодо и Эсмеральды из «Собора Парижской Богоматери». Его также наняли для работы над «Отверженными», но Гюго был против иллюстраций в романе, поэтому Брион выпустил их отдельно. Серию из двадцати пяти изображений наклеили на картон в трёх разных форматах и продавали в альбомах рядом с книгой. Иллюстрации имели колоссальный успех и разошлись тысячными тиражами, а позже и сам Гюго похвалил работу Бриона за точность и качество портретов.
Анатолий Иткин
Козетта с матерьюИллюстрация: Анатолий Иткин / «Лабиринт Пресс», 2017 год
Анатолий Иткин — один из самых известных отечественных художников-графиков, он родился в Москве в 1931 году, окончил Суриковский институт и уже в пятидесятые годы начал работать с журналом «Мурзилка».
Иткин шутливо называет себя художником «для среднего и старшего школьного возраста». Он много иллюстрировал как сами произведения Пушкина, так и неоконченный роман Юрия Тынянова о нём, а также создал серию литографий «Поэты пушкинского окружения»
Но ему удалось поработать и с «Отверженными» Гюго. Его образы Вальжана и Козетты удивительно трогательны, с помощью акварели он мастерски передал положение героев. На одном из рисунков социальный разрыв между детьми хозяйки трактира и Козеттой показан при помощи цветового контраста — тёплые персиковые тона одежды богатых девочек противопоставляются холодному голубому цвету платья Козетты. Лица не прописаны детально, но в позах персонажей мы считываем все их эмоции, от спокойствия и усталости матери до страха девочки.
Эмиль Антуан Байяр
КозеттаИллюстрация: Эмиль Антуан Байяр / Wikimedia Commons
Эмиль Антуан Байяр — французский художник и график, как и Брион, он тоже современник Гюго. Родился в 1837 году недалеко от Парижа в коммуне Ла Ферте‑Су‑Жуар, получил образование в Высшей школе изящных искусств в Париже и рано начал сотрудничать с журналами. Байяр был разносторонним художником и работал в разных техниках — занимался графикой, живописью и росписью стен, создавал портреты, исторические картины, жанровые сцены. Помимо этого занимался фотографией и исследованием рококо, но стал известен прежде всего как иллюстратор.
Биография Иеронима Босха
Ерун ван Акен родился около 1453 г. в Хертогенбосе (Брабант). Семья ван Акенов, происходившая из немецкого города Ахена, была издавна связана сживописным ремеслом — художниками были Ян ван Акен (дед Босха) и четверо из его пяти сыновей, включая отца Иеронима, Антония. Поскольку о становлении Босха как художника ничего не известно, предполагается, что первые уроки живописного ремесла он получил в семейной мастерской. Мастерская ван Акенов выполняла самые разнообразные заказы — в первую очередь, это стенные росписи, но также золочение деревянной скульптуры и даже изготовление церковной утвари. Так что «Хиеронимус-живописец», как он впервые упомянут в документе 1480 г., взял псевдоним по сокращённому названию своего родного города (Den Bosch), видимо, из необходимости как-то обособиться от прочих представителей своего рода.
Босх жил и работал преимущественно в родном Хертогенбосе, который в те времена входил в состав Бургундского герцогства, а сейчас является административным центром провинции Северный Брабант в Нидерландах. В соответствии со сведениями о жизни художника, сохранившимися в городском архиве, в 1478 г. умер его отец, и Босх унаследовал его художественную мастерскую. Он вступил в Братство Богоматери («Zoete Lieve Vrouw») — религиозное общество, возникшее в Хертогенбосе в 1318 г. и состоявшее как из монахов, так и мирян.
Братство, посвящённое культу Девы Марии, занималось и делами милосердия. В архивных документах имя Босха упомянуто несколько раз: ему, как живописцу, поручались разнообразные заказы, начиная от оформления праздничных шествий и обрядовых таинств Братства и заканчивая написанием створок алтаря для капеллы Братства в соборе св. Иоанна (1489, картина утеряна) или даже модели канделябра. В той же капелле было совершено и отпевание живописца, скончавшегося 9 августа 1516 г. Торжественность проведения этого обряда подтверждает теснейшую связь Босха с Братством Богоматери.
Затем последовало обучение в нидерландских городах Харлеме и Делфте, где молодой художник познакомилея с искусством Рогира ван дер Вейдена, Дирка Боутса, Гертгена тот Синт Янса, влияние которых ощущалось потом в разные периоды его творчества. В 1480 г. Босх вернулся в Хертогенбос уже свободным мастером-живописцем.
В следующем году он заключил брак с Алейд Гойартс ван дер Меервенне (Мервей). Эта девушка из богатой и знатной семьи принесла в приданое мужу солидное состояние, предоставив ему право распоряжаться им по своему усмотрению. Брак Иеронима не был особо счастливым (супруги не имели детей), но он дал художнику материальное благополучие, положение в обществе и независимость: даже выполняя заказы, он мог себе позволить писать так, как хотел.
Ни одна из дошедших работ Босха не датирована им самим.
Поэтому, предположительно, первые известные его картины, носившие сатирический характер, относятся к середине 1470-х гг. Созданные в 1475-1480гг. картины «Семь смертных грехов», «Брак в Кане», «Фокусник» и «Удаление камней глупости» («Операция глупости») носят ярко выраженный нравоучительный характер с элементами иронии и сатиры.
Не случайно испанский король Филипп II распорядился повесить «Семь смертных грехов» в спальне своей резиденции-монастыря в Эскориале, чтобы на досуге предаваться размышлениям о греховности человеческой натуры. Здесь еще чувствуется неуверенность штриха молодого художника, он использует лишь отдельные элементы символического языка, которые позже заполнят все его произведения.
Немногочисленны они и в картинах «Операция глупости» и «Фокусник», высмеивающих людскую наивность, которой пользуются шарлатаны, в том числе и в монашеском одеянии.
Еще острее Босх высмеял церковников в картине «Корабль дураков» (1490-1500гг.), где подвыпившие монашкa и монах горланят песню в компании простолюдинов на утлом суденышке, управляемом шутом.
Резко осуждавший развращенность духовенства, Босх все же вряд ли являлся еретиком, как утверждал современный немецкий искусствовед В. Френглер. Хотя свой путь к постижению Бога он искал вне официальной церкви .
Формы и чувства
Пикассо не слишком доверял теориям и говорил: «Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять её конечности. Мы любим её нашими чувствами». Он стремился как можно живее и непосредственнее передать свои эмоции. Приём искажения человеческой фигуры всегда работал на решение именно этой задачи.
Характерным для художественной системы Пикассо было разложение на части человеческого тела. Перемещение в пространстве глаз, ушей, рта и носа позволяло художнику острее и адекватнее передать свои ощущения.
Многие работы Пикассо автобиографичны, и, в первую очередь, это относится к портретам женщин, которых любил художник. Некоторые из этих образов откровенно эротичны. За это Пикассо и хвалили, и осуждали. Некоторые поздние женские образы Пикассо отличаются грубой агрессивностью, однако другие написаны с удивительной нежностью.
Наталья Салиенко
КозеттаИллюстрация: Наталья Салиенко / издательство «Стрекоза», 2008 год
Наталья Салиенко — современная московская художница-иллюстратор. Она окончила Полиграфический институт и на протяжении многих лет сотрудничала с журналом «Мурзилка». За свою творческую карьеру художница успела проиллюстрировать более 100 детских книг, начиная с «Путешествий Гулливера» Джонатана Свифта и заканчивая «Красной Шапочкой на Манхэттене» Кармен Мартин Гайте, а её работы увидели не только в России, но и в Южной Корее, Австрии и Литве. В 2015 году она получила престижную премию Международной биеннале иллюстрации в Братиславе.
Гравюра
За свою жизнь Пикассо создал более 2000 гравюр. Многие из них вошли в так называемую «Сюиту Воллара» (1930-е годы) — в частности, «Минотавр, обнажающий женщину». Помимо этого, Пикассо занимался литографией и линогравюрой. Гравюры Пикассо различаются по настроению и стилю — от изысканных ранних гравюр до поздних гравюр, исполненных в дерзкой манере. Линолеум позволяет получать большие четкие изображения, так как вырезать рисунок на его поверхности гораздо легче, чем на дереве или металле. Этим объясняется привязанность Пикассо к этой технике — в ней он создал целый ряд плакатов, изобретя при этом способ наносить несколько цветов с одного и того же клише.
Методы работы
Парадоксально, но Пикассо-новатор в художественной технике часто бывал довольно консервативен. Он любил писать маслом по холсту, иногда предпочитая дерево или картон. Для небольших картин использовал бумагу и акварель. Впрочем, Пикассо, не задумываясь, отвергал традиционные методы, если они становились для него веригами. Особенно это касается кубистических картин. Чтобы создать фактурную поверхность, он смело смешивал краску с песком или опилками. Свои картины художник чаще всего писал на столе, а не на мольберте, и обыкновенно работал по ночам, при электрическом освещении, находя это освещение более «восхитительным», чем солнечный свет. Большинство картин Пикассо не поражают внушительными размерами; «Гернику» можно назвать исключением. Рисунки Пикассо, как правило, представляют собой самостоятельные работы, хотя для самых значительных своих картин он делал ряд предварительных набросков.
Мнения критиков о последнем этапе творчества Пикассо неоднозначны. Некоторые склонны считать, что после окончания Второй мировой войны Пикассо не создал ничего значительного. Другие полагают, что он оставался выдающимся мастером до самой смерти. Его поздние работы отличаются богатством красок и свободой письма. Ряд специалистов называют позднего Пикассо предтечей неоэкспрессионизма — направления, ставшего доминирующим в авангардном искусстве 1980-х годов.
Мозайка стилей
Пикассо оставил после себя гигантское наследие — около 20000 работ, исполненных в самой разной стилистической манере. Хотя карьеру Пикассо принято делить на отдельные фазы, его мысль и рука творили с такой быстротой, что художник в своём стремлении к новому как бы обгонял самого себя. Он говорил: «Несколько стилей, используемых мною в работе, не следует рассматривать как эволюцию или как поиск идеала. Когда я хочу что-то выразить, я делаю это, не задумываясь ни о прошлом, ни о будущем…».
И в самом деле, Пикассо с завидной лёгкость переключался с почти абстрактных, искажённых образов на реалистический рисунок, в котором не уступал лучшим рисовальщикам XIX века.
Explore the Masters
12th century Art
(2)
13th Century Art
(5)
14th Century Art
(17)
14th century B.C. Art
(2)
15th century Art
(129)
16th century Art
(318)
17th century Art
(230)
18th century Art
(157)
19th century Art
(1745)
1st-century BC Art
(2)
20th century Art
(4289)
21st Century Art
(2588)
2nd century Art
(1)
2nd Century BC Art
(1)
3nd Century Art
(1)
4th century BC Art
(3)
5th century BC Art
(1)
6th century B.C. Art
(3)
7th centry Art
(1)
7th century B.C. Art
(2)
9th century B.C. Art
(3)
African Art
(16)
Albanian Art
(15)
Algerian Art
(6)
American Art
(950)
Ancient Art
(52)
Argentine Art
(31)
Armenian Art
(13)
Art Movements and Styles
(164)
Art Quotes — Literature
(457)
Australian Art
(49)
Austrian Art
(87)
Awarded Artist
(1696)
Azerbaijani Art
(2)
Baroque Era style
(132)
Belgian Art
(65)
Blogger
(5)
Bohemian Art
(1)
Bolivian Art
(2)
Bosnian Art
(1)
Brazilian Art
(31)
British Art
(403)
Brooklyn Museum
(1)
Bulgarian Art
(30)
Burmese Art
(5)
Cambodian Art
(1)
Canadian Art
(94)
Catalan Art
(2)
Chilean Art
(32)
Chinese Art
(85)
Christie’s
(7)
Cleveland Museum of Art
(1)
Colombian Art
(13)
Croatian Art
(5)
Cuban Artist
(17)
Czech Art
(35)
Danish Art
(72)
Digital art
(78)
Dominican Artist
(2)
Dutch Art
(214)
Ecuadorian Artist
(1)
Egyptian Art
(13)
Estonian Artist
(4)
Fai da te Art Blogger
(2)
Filipino Art
(9)
Finnish Art
(17)
Flemish Art
(47)
French Art
(858)
Genre painter
(323)
Georgian Artist
(10)
German Art
(200)
Greek Art
(50)
Guatemalan Artist
(2)
Haitian Artist
(1)
Hawaiian Art
(3)
Hermitage Museum
(5)
Hudson River School
(1)
Hungarian Art
(33)
Impressionist art movement
(301)
Indian Art
(5)
Indian Artist
(31)
Iranian Art
(17)
Irish Art
(29)
Israeli Artist
(15)
Italian Art
(922)
Japanese Art
(44)
Jewish Artist
(24)
Kazakhstani Artist
(6)
Korean Art
(20)
Kurdish Art
(1)
Latin American Artist
(1)
Latvian Artist
(4)
Lebanese Artist
(15)
Libyan Artist
(2)
Lithuanian Artist
(14)
Macedonian Art
(1)
Macedonian Artist
(2)
Maltese Art
(3)
Metropolitan Museum of Art
(8)
Mexican Art
(33)
Moldovan Artist
(7)
Mongolian Artist
(1)
Moroccan Artist
(3)
Musée d’Orsay
(4)
Musée du Louvre
(6)
Museo del Prado
(7)
Museo Thyssen-Bornemisza
(1)
Museum Barberini
(4)
Museum Masterpieces
(163)
MusicArt
(141)
National Gallery London
(3)
National Gallery of Art Washington
(5)
Netherlandish Artists
(10)
New Mexico Artist
(3)
New Zealand Art
(2)
Nigerian Artist
(4)
Norwegian Art
(42)
Pakistani Artist
(2)
Peruvian Art
(14)
Photographer
(117)
Polish Art
(119)
Politica dei cookie
(1)
Portuguese Artist
(12)
Post-Impressionism
(106)
Realist Artist
(39)
Renaissance Art
(348)
Rijksmuseum
(3)
Romanian Art
(20)
Royal Academy
(1)
Russian Art
(436)
Scottish Art
(33)
Sculptor
(387)
Senegalese Artist
(1)
Serbian Artist
(20)
Singaporean Art
(5)
Sitemaps
(70)
Slovak art
(1)
Slovenian Art
(1)
Sotheby’s
(9)
South African Art
(4)
Spanish Art
(245)
Swedish Art
(44)
Swiss Art
(54)
Syrian Artist
(3)
Taiwanese Artist
(6)
Tate Britain
(3)
Thailand Artist
(2)
The Samuel Kress Collection
(1)
Tibetan Artist
(2)
Turkish art
(1)
Turkish Artist
(21)
Uffizi Gallery
(9)
Ukrainian Art
(79)
Uruguayan Artist
(2)
Van Gogh Museum
(2)
Venezuelan Art
(6)
Victoria and Albert Museum
(1)
Vietnamese Art
(25)
Women Artists
(862)
Творчество
Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».
Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.
Картина Пабло Пикассо «Свидание»
В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.
В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. А. С. Пушкина, где и находится до сих пор.
Картины Пабло Пикассо «Девочка на шаре» и «Женщина в рубашке»
Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.
В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.
Картина в стиле кубизм Пабло Пикассо «Авиньонские девицы»
Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.
В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева. Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.
Ольга Хохлова и Сергей Дягилев
Светлый период жизни отразился и на творчестве художника — на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».
Слово Мастеру
Я очень медленный иллюстратор. На самом деле мне нужно слишком много времени, чтобы сделать книгу.
Крайне важно, чтобы иллюстратор был отличным читателем, потому что он подобен ребёнку, который учит слова. В той мере, в какой человек узнаёт слова и может различать, например, меланхолию и ностальгию, я думаю, существует пределы, в которых можно найти пространство для работы
Кроме того, это очень помогает сосредоточиться на том, что действительно имеется в виду. Существует диапазон двусмысленности, который я называю неопределённостью в изображении, он позволяет кому-то читать одно, а кому-то — другое
В той мере, в какой человек узнаёт слова и может различать, например, меланхолию и ностальгию, я думаю, существует пределы, в которых можно найти пространство для работы. Кроме того, это очень помогает сосредоточиться на том, что действительно имеется в виду. Существует диапазон двусмысленности, который я называю неопределённостью в изображении, он позволяет кому-то читать одно, а кому-то — другое.
Но точность структуры, которую поддерживает создатель, позволяет не понять сообщение иллюстрации, а воспринять его. Я думаю, что иллюстрацию не обязательно понимать целиком.
Как иллюстратор, вы должны ясно понимать, что работаете со слоями: оставьте несколько чётких путей для доступа к иллюстрации и оставьте другие непредвиденные пути, откуда исходит поэтичность.
Книга для меня подобна комнате
Книга сильно отличается от нашей повседневной жизни. Особенно сейчас. У нас есть скорость, непосредственность. Кажется, что мы что-то потеряли, не знаю что, но когда-нибудь мы это осознаем.
А книга — это именно комната, в которой другой ритм. Он ломает всю эту скорость, которая у нас есть, он очень медленный, а медленная часть — это то, что меня интересует как естественная часть человека.
Кроме того, это очень интимное место, потому что настоящее чтение всегда происходит в одиночестве. Человек встречает самого себя, это как комната его сознания. Потому что я произношу «дерево» или «лес» — у меня своё дерево и свой лес. Это комната, где все наши воспоминания, все наши истории, вкусы, желания, мечты, страхи.
И какой бы большой и величественной ни была сцена в книге, она всегда представляют собой маленькую комнату в нашем существе. И иллюстратор тоже рисует из комнаты. Это комната, которую человек всегда носит с собой. Даже не будучи иллюстратором, будучи человеком, который ходит на работу, ты всегда являешься комнатой, а книга — дверью в эту комнату.
Для меня издатель — изобретатель книг. Мне очень комфортно с теми, кто говорит мне: «Ну, вот текст, который мне нравится, может быть, вы могли бы его проиллюстрировать». В этот момент ни он, ни я не знаем, какая книга получится.
С моей точки зрения, в иллюстрации нет ничего свободного. Выбор цвета, почему есть повторение, почему на поверхности есть царапины, почему рисунок выполнен в определённой технике, например акварели — у всего должна быть причина.
«Красавица и чудовище» является классикой и широко иллюстрируется, но я думаю, что всегда есть особенность, как с технической, так и с концептуальной точки зрения, о которой вам говорит текст. Такая близость — привилегия иллюстратора.
Кубистический переворот
Написанный в 1912 году «Натюрморт с плетёным стулом» был первой картиной, относящейся к синтетическому кубизму. Синтетический кубизм предполагает использование реальных, а не нарисованных художником, элементов — например, обычной газеты. Это картина с двойным сюрпризом, поскольку ненастоящим тут является как раз плетёный стул — его рисунок отпечатан на клеёнке. Если на аналитической стадии своего развития кубизм сам по себе был радикальным новшеством, то на синтетической он стал ещё более дерзким. Со времён Ренессанса европейские художники писали то, что они видят. Никому из них не приходило в голову разложить предмет на внешние элементы и композиционно объединить их. Пикассо и Брак пошли именно по этому пути, взорвав традиционные представления.
Синтетический кубизм позволил художникам-бунтарям использовать более яркие краски. Прежде они были скованы рамками аналитического кубизма, в котором ключевой была форма (а не цвет). Теперь, помимо доминировавших до этого серых и коричневых тонов, в палитре кубистов добавились живые цвета. Аналитический кубизм эксплуатировал довольной узкий круг тем, в основном ограничиваясь жизнью кафе. Выходы за эти рамки были редки. Примером такого выхода служат портреты, созданные Пикассо, — например, портрет торговца произведениями искусства Амбруаза Воллара.
При создании кубистических картин Брак и Пикассо обычно ограничивались узким кругом тем и жанров (среди последних они предпочитали натюрморт). По большей части, художники изображали простые «вневременные» предметы и формы, чтобы зритель яснее представил, из каких форм состоит хорошо знакомый ему предмет и как можно переставлять эти формы.
Пикассо-кубист очень много работал с человеческим телом, хотя иногда в кубистической манере писал и портреты. Он обладал острым взглядом и умел создавать впечатляющие образы. Позже художник неоднократно обращался к мифологическим сюжетам. Особенно его привлекали мифы о минотавре, который был наполовину мужчиной и наполовину быком.
Графика — рисунки Иеронима Босха включая и те, что когда-либо приписывались ему:
- Ведьмы, Париж, Лувр, 1475-1525. Рисунок. Работа Босха.
- Две ведьмы, музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам. 1450 — 1516. Рисунок. Работа Босха.
- Два фарисея, Собрание Леманов, музей Метрополитен, Нью-Йорк, 1465 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Два монстра, Гравюрный кабинет, Берлин. 1450 — 1516. Рисунок. Работа Босха.
- Слышащий лес и зрячее поле, Гравюрный кабинет, Берлин, 1500. Рисунок. Работа Босха.
- Искушения Святого Антония, Государственный музей, Берлин, 1465 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Гнездо сов, музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам. 1450 — 1516. Рисунок. Работа Босха.
- Погребение Христа, Британский Музей, Лондон, 1507. Рисунок. Приписывается Босху.
- Наброски монстров, Гравюрный кабинет, Берлин. 1450 — 1516. Рисунок. Работа Босха.
- Корабль дураков, Париж, Лувр, 1490. Рисунок. Приписывался Босху.
- Корабль в огне, Академия изобразительных искусств, Вена, 1465 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Сцены в Аду, Государственный музей, Берлин, 1465 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Святой Петр, преклонивший колени, Собрании P. and N. de Boer, Амстердам, 1450 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Монстры и наборски к Искушениям Святого Антония, Париж, Лувр, 1465 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Монстры, Музей Ашмола, Оксфорд, 1465 — 1516. Рисунок. Приписывался Босху.
- Дева Мария и Святой Иоанн, Гравюрный Кабинет Дрезденского Замка, Дрезден, 1465 – 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Человек-дерево, Альбертина, Вена, 1470. Рисунок. Работа Босха.
- Десять зрителей, Библиотека Пирпонта, Нью Йорк, 1465 – 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Гротескные лица, музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам. 1465 — 1516. Рисунок. Приписывался Босху.
- Смерть скупца, Париж, Лувр, 1500. Рисунок. Приписывался Босху.
- Несение Креста — Ecce Homo, Художественный музей Крокера, Сакраменто. 1563. Рисунок. Приписывался Босху.
- Несение Креста, музей Бойманса-ван Бёнингена, Роттердам, 1424 — 1495. Рисунок. Приписывался Босху.
- Нищие и калеки, Альбертина, Вена. 1450 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Нищие, Альбертина, Вена. 1450 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Улей и ведьмы, Альбертина, Вена. 1450 — 1516. Рисунок. Работа Босха.
- Крестьянин и три фигуры, Гравюрный кабинет, Берлин. 1450 — 1516. Рисунок. Приписывается Босху.
- Смешная Сцена с Цирюльником, Британский Музей, Лондон, 1477 – 1516. Рисунок. Работа Босха.
Габриэль Пачеко
Жан ВальжанИллюстрация: Габриэль Пачеко / Editorial Teide, 2012 год
Габриэль Пачеко — современный мексиканский художник и иллюстратор направления виженари-арт. Он родился в Мехико в 1973 году, отучился на сценографа в Национальной академии изящных искусств, а после делал иллюстрации к книгам Федерико Гарсиа Лорки, сказкам братьев Гримм и к сборникам стихов мексиканских поэтов.
Пачеко сформировал свой стиль через погружение в европейский авангард, особенно сильно на него повлиял Марк Шагал, от которого он перенял угловатость и вытянутость форм. Ещё одним источником вдохновения для него стали сюрреалистичные картины Иеронима Босха и экспрессивная хореография Пины Бауш.
Работы Габриэля Пачеко отметили на различных международных конкурсах. Его номинировали на премию памяти Астрид Линдгрен, а в 2009 году удостоили специального упоминания в категории «Новые горизонты» премии Bologna Ragazzi.
«„Отверженные“ стали для меня разрушительным событием, незавершённой глубокой профессиональной рефлексией. В конечном итоге я изменил весь изначальный замысел», — вспоминает художник. Много времени у Пачеко ушло на проработку эстетической идеи: он отказался от создания подробных силуэтов, но сфокусировался на целом образе и атмосфере. Он размыл картинку и подкрепил её готическим визуалом. По словам Габриэля, эти иллюстрации принесли ему удачу, но оставили чувство, словно его «пожирает чёрный зверь».