Живопись древности
Древняя индийская живопись ассоциируется в первую очередь с пещерами Аджанты и их фресками. Приблизительно со 2 столетия до нашей эры тут жили буддийские монахи. К 5 столетию нашей эры буддизм в Индии, вытесненный индуизмом, пришел в упадок, и монахи покинули территорию.
Чудеса, скрытые за стенами пещеры, были открыты много лет спустя – лишь в19 веке. В 1819 году охотники из Англии случайно наткнулись на бывшие святыни и обнаружили внутри удивительные по красоте настенные фрески. Они изображали фрагменты жизни главного учителя буддизма, его приближенных, а также правителей Древней Индии и представителей царского двора.
Пещерные фрески Анжанты
В 1920-е годы ставшие знаменитыми фрески пещер Аджанты отреставрировали. Впоследствии их признали гордостью Индии, культурным наследием древних художников, имен которых, увы, не осталось.
Роковая игра в шахматы
На протяжении долгих лет сыновья Панду жили мирно и счастливо. Они старались развивать своё царство, а могущество их города стремительно возрастало. Вскоре он стал одним из главных торговых и политических центров в регионе.
Я думаю, вполне предсказуемо заметить, что кауравов такое положение вещей не устраивало. Скрытая неприязнь лишь усиливалась с годами и грозила вылиться в новый конфликт.
Чтобы насолить пандавам, Дурьодхана вызывает старшего из братьев, Юдхиштхиру, на поединок. Однако речь идёт не о сражении на мечах или копьях, а о шахматах. Знаменитый каурав был не так прост – в качестве своего помощника он выбирает своего дядю Шакуни, величайшего мастера шахмат и искуснейшего обманщика. Азартный пандав очень скоро остаётся гол как сокол.
К Дурьодхане переходят поигранные земли, города, дворцы, даже все братья противника. Когда у Юдхиштхиры не остаётся ничего, он делает последнюю ставку – прекрасную Драупади.
Джампаоло Томассетти «Игра в шахматы между Кауравами и Пандавами»Местонахождение: Museum of Sacred Art (MOSA), Вилла Вриндаване, Флоренция, Италия
В этот миг один из пандавов произносит обет смертельной мести, ему вторит вой шакала, что является особым предзнаменованием. Испуганный царь, узнав о проделках своего сына, обещает отдать Драупади три любых дара, которые она выберет. Женщина просит свободы для пандавов – это единственное её желание. Однако Дхритараштра возвращает не только свободу племянникам, но и все их проигранные владения.
Но азарт старшего из пандавов всё-таки сделал своё “чёрное” дело. Он снова согласился сыграть с Дурьодханой и в очередной раз потерпел поражение. На этот раз противник не забирал имущество и родных соперника в рабство. Он потребовал, чтобы пандавы провели двенадцать лет в изгнании, после чего ещё год прислуживали знатным персонам, скрывая свои истинные имена и происхождение.
Джампаоло Томассетти «Кришна с Арджуной и Дурьодханой»Местонахождение: Museum of Sacred Art (MOSA), Вилла Вриндаване, Флоренция, Италия
Пандавы исполнили всё в точности. Долгих двенадцать лет они проживали в лесу отшельниками, а на тринадцатый год поступили в услужение к царю Вирате, который даже не подозревал, что его работники – это истинные царевичи. Однако вскоре на земли царя напали кауравы.
К тому моменту срок сохранения инкогнито пандавов истёк. Они ринулись на защиту владений Вираты, которому прежде служили. В противостоянии с кауравами стало ясно, что предводитель войска – тот самый доблестный Арджуна, который не знал поражений в битвах.
Сумев оттеснить противника, пандавы заявили, что время, оговоренное перед злополучной игрой в шахматы, прошло, а значит, Дхритараштра должен вернуть им законные владения. Царь хотел было согласиться, однако Дурьодхана убедил отца оставить себе богатые земли.
Теперь стало ясно, что избежать открытой войны между пандавами и кауравами не удастся. На мой взгляд, предпосылки к ней появились ещё в тот день, когда по приказу Дурьодханы братьев хотели заживо сжечь. Но прошедшее время лишь усилило ненависть противоборствующих сторон друг к другу.
Джампаоло Томассетти «Эпизод битвы»Местонахождение: Museum of Sacred Art (MOSA), Вилла Вриндаване, Флоренция, Италия
Индийский художник Rajkumar Sthabathy. Мастера акварели
Привет всем входящим на usenkomaxim.ru
Сегодня первый индийский художник на блоге. Присматривался к нескольким, но решил начать с этого. Подсказал ссылкой Александр Жданов. И мне акварели понравились. Интересно было посмотреть на современного художника из страны до сих пор оказывающей огромное культурное, философское и духовное влияние на весь мир. Пару месяцев назад нашел в сети пару индийских художников-акварелистов, но не стал их опубликовывать, положил в архив. Слишком техногенная тема, индустриальная, не особо с Индией ассоциируемая. Оно, понятно, что Индия развивается и в этом направлении, но все же не это главное. Подобной тематики полно в работах европейских и американских авторов. А вот у индийского мастера акварели Rajkumar Sthabathy я уже нашел то, что искал – взгляд на самое главное – человека в простой жизни, без мишуры и всяческих прикрас. И здесь полное соответствие индийской культуре, где тысячелетиями живет понимание, что есть в жизни временное, а что – Вечное.
Ну и помимо темы, этот автор интересен очень узнаваемой техникой и манерой. На блоге таких еще не было. Акварели очень легкие по ощущению, не вымученные технически. Уверен, что в живую они дают гораздо большее ощущение света, так как фотографии темноваты.
Родился Rajkumar Sthabathy 27 июля 1975 года. Художественное образование получил в Государственном колледже искусств и ремесел Kumbakonam, Tamil Nadu. Закончил колледж с дипломом бакалавра изобразительных искусств, специализация — живопись.
Ныне работает в студии на окраине города Ауровиль, в котором проживает около 2000 человек из 35 стран мира. В этом городе собрались люди, вместившие и применяющие в жизни учение Шри Ауробиндо. Люди строят новый город, новый образ жизни, пытаются принести благо каждому человеку. Чтобы в полной мере понять Rajkumar Sthabathy, надо понять ту философию которой он придерживается. Сам он говорит, что как художника в творчестве его интересуют обыкновенные люди, к которым он испытывает большое уважение и любовь, которых видит такими, какие они есть. Детали не пишу. У людей с подобным мировоззрением все не просто и большинству малопонятно.
О премиях, наградах и выставках очень коротко – таковые есть.
Varma Painting the Ramayana
Raja Ravi Varma, Jatayu Vadham (The Killing of Jatayu), 1895, Sri Chitra Art Gallery, Thiruvananthapuram, India.Raja Ravi Varma Heritage Foundation.
Jatayu Vadham (The Killing of Jatayu) captures a very moving episode from the Sanskrit epic Ramayana. Ravana, the demon god of Lanka, is abducting Sita, the wife of Rama. Jatayu was the divine bird who sacrificed his life trying to save Sita from Ravana. His last rites were performed by Rama, an avatar of the god Vishnu.
The painting shows Ravana chopping off one of Jatau’s wings with his sword. Varma captures the strength of Ravana who is smiling at his evil victory. Sita is portrayed as a helpless woman, unable to witness the killing of Jatayu. Varma created another version of this painting in 1906 which is displayed at The Jaganmohan Palace, Mysore. There are some differences between the two paintings but the Ravana here is perfectly evil!
Художники конца XXI века (2013-2019) [ править ]
2013 править
В 21 веке современные индийские картины отражали саморефлексию и возникали проблемы в стране.
Одним из таких художников, оказавших большое влияние, является Бхупен Кхакар , и его стиль включал в себя «создание красочных работ с большим количеством юмора, движимых яркими повествованиями, отражающими смесь повседневной жизни среднего класса и эротических фантазий». В 2013 году выставка под названием « Прикоснувшись к Бхупену »были представлены работы таких художников, как Субодх Гупта , Атул Додия , Ратиш Т., Натарадж Шарма и Джоген Чоудхури , изображающие влияние Бхупена на их искусство.
Также в 2013 году прошла Индийская художественная ярмарка, на которой некоторые индийские художники представили свое искусство вместе с художниками со всего мира. Среди участвовавших индийских художников: С.Х. Раза , Нилофер Сулеман, Вивек Шарма и Смрити Диксит. У каждого художника свой стиль, картины Разы содержат индуистское мышление, а картины Сулемана очень современные и включают индийские графические стили. Картины Шармы воплощают политические заявления, а картины Диксита содержат понятия повторного использования и возрождения.
2016 править
К.Г. Субраманян был известен смешением традиций. В частности, он объединил традиционное современное индийское искусство с поп-культурой и традиционное индийское народное искусство с современными городскими тенденциями. Посещая школу искусств Шантиникетана, основатель школы Рабиндранат Тагор хотел навязать своим ученикам идею утверждения индийских традиций с помощью ремесел. Субраманян смог перенять эти учения от Тагора и передать их будущему поколению художников, когда он сам был учителем в Университете Махараджи Саяджиаро в Бароде.
2017-2019 править
Прадип Сенгупта был назван начинающим художником в 2017 году. Он получил степень в Университете Висва Бхарати в Шантиникетане. Его картины сочетают в себе большое разнообразие цветов, смешанных с различными техниками. Все его картины отражают изменения, которые он пережил за свою жизнь; они представляют чувства, которые он испытывает внутри, но его работы, кажется, представляют собой некую фантазию, даже включая некоторых западных фигур, таких как Супермен.
Саранг Сингла также была признана будущей художницей в 2017 году. Ее стиль представляет собой смесь современного искусства и традиционной индийской культуры. Она смешивает текстуры и техники, чтобы изобразить свое вдохновение, которое она черпает из того, что происходит в мире вокруг нее.
Сиддхарт С. Шингаде также среди тех, кто в 2017 году был внесен в список начинающих художников , выражает свои чувства через интересную интеграцию детализированных лиц. В некоторых он удлиняет существ и пытается рассказывать истории об исторических событиях. Дом, куда он звонит, находится в Маратваде, Индия. Он часто использует цветовые палитры, которые это олицетворяют. Существует большое разнообразие желтых цветов, имитирующих теплый климат Маратвады. Настроение его работ, как правило, более мрачное, действительно отражающее угнетение, с которым столкнулись люди на его родине.
На предстоящем художественном мероприятии 2018 года, Бакула Наяк , используется живопись в смешанной технике , чтобы по-настоящему выразить счастье. Она стремится создавать беззаботные и комичные работы. Больше всего повлиял на мое западное искусство и воображение; она создает персонажей-животных для участия в человеческой деятельности. Это создает атмосферу, похожую на историю.
Динкар Джадхав, который также станет художником в 2018 году, страстно любит любовь, страсть и свободу. Он изображает это через свои частые изображения быков и лошадей. Креативность является ключевым моментом, и он показывает это, используя в своих картинах различные геометрические формы, цветовые блоки и острые углы. Он использует современное искусство для изображения некоторых традиционных ценностей.
В 2018 году работы Роя К. Джона стали одними из самых популярных в этом году. Он использует очень традиционные методы в сочетании с современными стилями, чтобы создать свою интерпретацию индуистских божеств и традиционной индийской иконографии. Он использует яркие цвета, чтобы показать свою любовь к природе и остается верным своим корням, воссоздавая некоторые из самых традиционных индийских произведений искусства
В 2019 году Буддадев Мукерджи из Колаты, Индия, начал получать признание за его необычный интерес к отделению человеческой формы от всего остального. Известно, что он превращает главную человеческую фигуру в нечто с животными качествами. Он смешивает две непохожие друг на друга вещи, чтобы создать одну жидкую боль.
Британские художественные школы [ править ]
Масляная и станковая живопись В Индии началась в начале восемнадцатого века, когда многие европейские художники, такие как Зоффани , Чайник , Ходжес , Томас и Уильям Даниелл , Джошуа Рейнольдс , Эмили Иден и Джордж Чинери, приехали в Индию в поисках славы и богатства
Дворы княжеских штатов Индии привлекали внимание европейских художников из-за их покровительства изобразительному и исполнительскому искусству, а также их потребности в европейском стиле портретов
Торговцы Ост-Индской компании также предоставили большой рынок для местного искусства. Во второй половине XVIII века возник особый жанр акварельной живописи на бумаге и слюде, изображающей сцены повседневной жизни, регалии княжеских дворов, народные праздники и ритуалы. Называемый « стилем компании » или «стилем Патны», он сначала процветал в Муршидабаде и распространился на другие города британского сюзеренитета. Власти считают, что этот стиль является «гибридным стилем и безупречным качеством».
После 1857 года Джон Гриффитс и Джон Локвуд Киплинг (отец Редьярда Киплинга ) вместе приехали в Индию; Гриффит происходит возглавить Дж.Дж. школу искусств и рассматривается как один из лучших викторианских художников приехать в Индию и Киплинг продолжал голова как JJ школа искусств и Mayo школа искусств , созданные в Лахоре в 1878 году
Просвещенное отношение восемнадцатого века, проявленное более ранним поколением британцев к индийской истории, памятникам, литературе, культуре и искусству, изменилось в середине девятнадцатого века. Предыдущие проявления индийского искусства были отброшены как «мертвые» и принадлежащие музеям; «с официальной британской точки зрения, в Индии не было живого искусства». Чтобы пропагандировать западные ценности в художественном образовании и колониальную политику, британцы открыли художественные школы в Калькутте и Мадрасе в 1854 году и в Бомбее в 1857 году.
Рождение пандавов
В переводе с санскрита название «Махабхарата» значит «Великое сказание о потомках Бхараты». Это не просто древняя книга, а целый сборник, состоящий из множества новелл, легенд, парв (так называются части эпоса), гимнов и плачей.
При этом все 18 книг “Махабхараты” логично связаны между собой по сюжету и особенностям повествования. Если же сосчитать число двустиший «Махабхараты», то оно в несколько раз превысит количество таких же строф в «Одиссее» и «Илиаде» Гомера.
Итак, начинается «Махабхарата» историей о стране бхаратов, где некогда правил могущественный царь Панду. Этот правитель ещё в молодые годы поразил стрелой одного мудреца. Тот же, проклиная царя, сказал, что он навсегда останется бесплодным. Однако царю необходимы были наследники.
Неизвестный художник «Иллюстрация к Махабхарате», ок. 1800 годаМестонахождение: Художественный музей, Кливленд, США
И тогда первая его супруга, знающая тайные чары и заклинания, обратилась к богам. На зов к ней явились бог справедливости Дхарма, повелитель ветров Ваю, небесный царь Индра. От каждого из этих божеств женщина родила сына.
Свои “рецепт” и заклинание она передала второй супруге панду, что сумела вызвать небесных братьев Ашвинов, которые также стали отцами её сыновей. Всего у жён Панду было пятеро детей. При этом царь принимал их как родных. Они даже именовались по-особенному – пандавами.
К сожалению, Панду недолго было суждено радоваться счастью семейной жизни. Вскоре после рождения сыновей у его жён царь умер. Вместо него престол занял слепой брат правителя – Дхритараштра. У того была одна дочь и сотня сыновей, которых именовали кауравами (в честь далёкого предка). Однако самым любимым сыном слепого царя был Дурьодхана.
Дхритараштра занял престол после смерти ПандуКадр из сериала «Махабхарата», 2013 год
Индийские художники. Nisachar картины
Замечательный художник Nisachar пишет свои картины в духе своей Великой Страны. Индия — это загадка для современных людей. Над разгадками её мифов и самых древних книг на земле бьются учёные и историки. Не даром в своих картинах Nisachar изображает совершенно невероятные вещи, которые можно назвать дикой смесью фэнтези и киберпанка. Именно такие представления царят и у современных индийцев. Их Махабхарата, Рамаяна, Ригведа, Бхагават-Гита, Виманика-Шастра и другие бессмертные книги, которые дошли к нам из глубины тысячелетий, представляют нам историю земли совершенно отличной от той, какая представлена в школьных учебниках. В этой истории есть место высоким технологиям, пришельцам с далёких планет, космическим кораблям, самолётам, современному оружию, чудовищам и невообразимым существам. Именно об этом и повествует в своём потрясающем изобразительном искусстве индийский художник Nisachar.
Художник и иллюстратор из Индии Nisachar пишет сочные и насыщенные цветом полотна, среди которых есть и жанровые сцены, батальные, портреты, пейзажи и многое другое в своеобразной технике. Индийское фэнтези завораживает и заставляет задуматься над тем — правы ли мы, когда называем наших предков полудикими кочующими племенами? Может быть это мы по сравнению с ними полудикие племена, которые не достигли и толики того развития, что были достигнуты нашими пращурами. Кто знает, может быть индийская философия куда более правдива, чем наука, так называемой, цивилизации…
Просмотров: 4
Новое время
В 18 веке усиливалась колонизация, и к 19 столетию Индия, претерпевшая века правления мусульман, а затем – европейских колонизаторов, почти полностью утратила свою самобытность. Индийская живопись во многом переняла стиль художников Европы, в первую очередь – Англии. Но 19-20 века богаты замечательными мастерами кисти, и мы хотим рассказать о главных из них.
Раджа Рави Варма
Раджа Рави Варма считается первым индийским художником, всерьез увлекшимся картинами на холсте. Он жил и творил во второй половине 19 века по большей части в Бомбее – нынешнем Мумбаи.
Художник родился в 1848 году на территории современной Кералы в благополучной и довольно богатой семье, знакомой с наукой и искусством: отец – ученый, мать – литератор и поэт, а также трое братьев и сестер.
Раджа Рави Варма
Будучи начинающим художником, Раджа Рави Варма нашел покровительство местного махараджи. Благодаря ему он обучался у известных учителей:
- Рама Найду Свами – раскрывал тайны картин, написанных акварелью;
- Теодор Дженсон – выходец из Европы, специализировался на портретах маслом.
Навыки, способности, знания, привитые учителями, способствовали созданию индивидуального стиля Рави Вармы. Он вобрал черты английского аристократизма и индийской самобытности. Картины художника многие называют очень чувственными, иногда даже слишком, но именно это привлекает сентиментальных индийцев, поэтому до сих пор во многих домах можно увидеть репродукции его работ.
Мотивы картин тоже были самыми разными, порой даже противоположными:
- портреты;
- исторические события;
- мифические сюжеты;
- представители викторианской эпохи;
- быт простого индийского народа;
- сцены из «Махабхараты»;
- индийские мужчины и женщины в сари;
- боги индуистского пантеона.
Любой сюжет давался мастеру одинаково хорошо. Реалистичности бытовому жанру придавал тот факт, что он путешествовал по всей Индии в поисках идей, лиц и видел все своими глазами.
Амрита Шер-Гил
Амрита – первая знаменитая женщина в индийской живописи. Она творила в 20 веке, а ее работы удостоены звания национального достояния Индии.
Амриту Шер-Гил также часто называют индийской Фридой Кало. Действительно, у девушек много общего: во внешности, образе жизни, судьбе. Обе с ярким внешним видом, темными волосами и густыми бровями, они своим поведением порождали слухи о множестве любовников и любовниц, а в итоге обеих ждала скоропостижная смерть.
Девушка родилась в начале 1913 года в венгерской столице – в Будапеште. Семья отличалась статусом и образованием: отец был из сикхской аристократии, преподавал санскрит и персидский, мать – еврейка из Венгрии, пела в опере. Также у Амриты была сестра Индира, с которой они с самого детства были близки, вместе устраивали детские показательные выступления.
Амрита Шер-Гил (справа) и ее сестра Индира
Семья жила в Будапеште. Амрита была очень творческой девочкой: играла на фортепиано и скрипке, но лучше всего ей давалось рисование, которым она занималась с пятилетнего возраста.
В 10 лет девочка с матерью переехала во Флоренцию, где поступила в школу искусств, но скоро они вынуждены были уехать в Индию. В 16 лет Амрита снова приехала в Европу, на этот раз в Париж, где стала еще ближе искусству живописи.
В начальных творениях девушки заметен европейский стиль, что неудивительно. Первой достойной работойой можно назвать картину «Юные девушки», написанную в 1932 году. Позже Амриту начали узнавать в художественных кругах и приняли в парижское сообщество, чем не могла похвастаться ни одна азиатка прежде.
В середине 30-х годов девушка чувствовала, что ей хочется вернуться на родину. Там она много путешествовала и нашла, наконец, свое призвание – показывать в картинах быт индийского народа, граничащий с нищетой и угнетением. Ярким примером реалистичного взгляда на жизнь индийцев является работа-трилогия, состоящая из картин:
- «Туалет невесты»;
- «Брахмачари»;
- «Крестьяне Южной Индии».
В 1938 году Амриту взял в жены ее двоюродный брат из Венгрии, а тремя годами спустя они перебрались в Лахор, бывший тогда культурной столицей Индии. Юная художница планировала устроить собственную выставку, но неожиданная болезнь, которая перешла в кому, забрала ее жизнь. Это случилось 6 декабря 1941 года. Нет официальной причины ее смерти, но одна из версий – последствия аборта.
Сегодня многие работы Шер-Гил хранятся в Галерее современного искусства в индийской столице. Там же названа улица в ее честь. Племянник Амриты, сын Индиры, впоследствии тоже стал художником и один свой проект, посвященный творчеству тети, выставлял в Лондоне.
Varma Painting the Mahabharata
Raja Ravi Varma, Droupathi in Virata’s Palace, Sri Chitra Art Gallery, Thiruvananthapuram, India. Raja Ravi Varma Heritage Foundation.
Droupathi in Virata’s Palace depicts the scene of Draupadi’s humiliation from the epic Mahabharata. The scene is from the Book of Virata, the fourth book of Mahabharata. It discusses the 13th and final year of the Pandava’s exile incognito. The five brothers, Yudhishthira, Bhima, Arjuna, Nakula, and Sahadeva, along with their wife Draupadi decided to spend the year in the court of Virata. They assumed different identities and Draupadi became Malini, the Sairandhri, or hairdresser of a queen. Kichaka, a commander in Virata’s army is attracted to Draupadi and molests her. Despite Draupadi’s rejection and warnings that she is a married woman, Kichaka continues to pursue her.
In Droupathi in Virata’s Palace, Varma captures the moment when chased by Kichaka, Draupadi enters the court of Virata seeking justice. Her husband Yudhishthira is standing in disguise in the court, unable to protect his wife. Draupadi is lying face down, humiliated, and shamed. Kichaka is unapologetic and proud because according to him she is a servant of the queen. This was the second time Draupadi was humiliated and sexually assaulted in court in front of her husband. Unable to bear the humiliation, she demanded Bhima kill Kichaka for justice.
Varma’s painting has more than 20 figures, each one of them accommodated with no compromise of light and space between them. Varma captures the emotion of shock and helplessness in each figure with the utmost care. This episode from the Mahabharata is often dramatized in Kathakali dance performances.
Raji Ravi Varma, Damayanti and the Hamsa, 1899. Wikipedia commons (public domain).
Damayanti and the Hamsa portrays a popular love story from the Vana Parva of Mahabharata, between Princess Damayanti and King Nala. Damayanti and Nala are also the central characters of Nishadha Charita compiled by Sriharsha, one of the five great epics of Sanskrit literature.
The Hamsa or the swan tells Damayanti about Nala, and she falls in love with him. The swan is actually a messenger sent by Nala. The two are eventually married and go on to have a difficult but happy life together. Damayanti was celebrated for her beauty and chastity. Varma used his imagination to paint a beautiful woman, dressed elegantly in a red sari. The setting is very idealized and romantic with marble interiors and a lotus pond.
For Damayanti’s sari, Varma took inspiration from the fashionable women of Bombay where he spent many years. Unlike Kerala, where the sari was tightly wrapped around the body, the Bombay women wore it differently with interesting drapes and graceful folds which Varma found quite appealing.
Verma’s Hindu Goddesses
Raja Ravi Varma, Goddess Saraswathi, 1896, Maharaja Fateh Singh Museum, Vadodara, India. Raja Ravi Varma Heritage Foundation.
In Goddess Saraswathi, Varma is playing with the iconography of the Hindu goddess Saraswati. She is the goddess of knowledge, music, and the arts. Along with Lakshmi and Parvati, Saraswati forms the trinity of Hindu goddesses. In traditional iconography, Saraswati is depicted as a beautiful woman dressed in a white sari, sitting on a lotus, and playing the veena. White symbolizes purity and wisdom. Generally, she is shown with four hands holding a rosary, a book, a quill, and the veena. Sometimes, there is a swan and peacock near her. The swan is a symbol of transcendence and the peacock of the splendor of color and dance. She is often sitting near a body of water, alluding to her past as a river goddess.
Varma retained the iconography of the goddess Saraswati with the addition of the crown which is often seen in Tanjore paintings. The flowers scattered around are Chrysanthemums, frangipani, and hibiscus. With her perfect facial features and graceful white sari, Varma’s Saraswati is divinely human.
Индийская Фрида Кало — Амрита Шер-Гил.
«Первая и самая известная женщина-художник Индии ХХ века, Амрита Шер-Джил один раз записала в своем дневнике такие слова: «Европа принадлежит Пикассо, Матиссу, Браку и многим другим. Индия принадлежит только мне»…»
Амрита родилась в 1913 году в Будапеште, в семье сикхского аристократа и оперной певицы-венгерки. В 1921 году семья переехала в Шимлу. С раннего детства Амрита рисовала, но ее формальное обучение живописи началось в девять. В 1923 году ее мать уезжает в Италию, куда берет с собой одну из дочерей, Амриту (младшая Индира остается с отцом).
Во Флоренции девочка поступает в школу искусств. Но там она учится всего год и в 1924 году снова возвращается в Индию. Именно благодаря этому году в работах Амриты чувствуетя влияние итальянских мастеров.
Когда Амрите было шестнадцать она с матерью уезжает в Париж чтобы выучиться живописи. Она поступила в «Académie de la Grande Chaumière», а в 1930-1934 гг. Амриту вдохновляла живопись Пола Сезана и Поля Гогена.
В своих письмах за 1934 год она писала о неком чувстве долга как художника и необходимости в связи с этим вернуться в Индию. Вскоре она открыла для себя традиции индийской живописи, которым следовала всю оставшуюся жизнь.
В 1938 году Амрита вышла замуж за своего венгерского кузена и вместе с ним переехала в доме родителей отца в Горакхпуре (Уттар Прадеш). Здесь начинается вторая фаза в ее живописи, которая оказалась под значительным влиянием современного индийского искусства.
В сентябре 1941 года пара переехала в Лахор — крупный культурный и художественный центр Британской Индии. В этом же году за день до открытия ее персональной выставки в Лахоре Амрита тяжело заболела и впала в кому. ОАмрита Шергил умерла 6 декабря.
отсюда
Пост-независимость
Ко времени провозглашения независимости в 1947 году несколько школ искусств в Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, первоначально среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.
Группа прогрессивных художников , созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была призвана установить новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Его основателем был Фрэнсис Ньютон Соуза, а ранними членами были С.Х. Раза , М.Ф. Хусейн и Маниши Дей . Это оказало огромное влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все крупнейшие художники Индии 1950-х годов были связаны с группой. Видными среди них были Акбар Падамси , Садананд Бакре , Рам Кумар , Тайеб Мехта , К. Х. Ара , Х. А. Гаде и Бал Чабда. В 1950 году к группе присоединились VS Gaitonde , Krishen Khanna и Mohan Samant . Группа распалась в 1956 году.
Псевдореалистическая индийская живопись. Пара, дети и путаница. пользователя Devajyoti Ray .
Другие известные художники , как Нараян Шрайдхар Бендр , KKHebbar , КИС Paniker , Санкхо Чодхери , Антонио Пьедаде да Круз , К.Г. Субраманьян , Beohar Rammanohar Синха , Сатиш Гуджралом , Бикаш Бхаттачарджи , Джехангер Сабавала , Шакти Берман , А. Рамачандрану , Ганеша Пайна , Нирод Масумдар , Гулам Мохаммед Шейх , Лакшман Пай , А.А. Райба , Джахар Дасгупта , Прокаш Кармакар , Джон Уилкинс , Виван Сундарам , Джоген Чоудхури , Джагдиш Сваминатан , Джоти Бхатт , Бхупен Хакхар , Джерам Пател, Нарайанан Рамджитран, Сингер Художник-сюрреалист из Гоа ) и Биджон Чоудхури обогатили художественную культуру Индии и стали иконами современного индийского искусства. Женщины-художницы, такие как Б. Прабха , Шану Лахири , Арпита Сингх , Шримати Лал , Анджоли Эла Менон и Лалита Ладжми , внесли огромный вклад в современное индийское искусство и живопись. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна , также ссылались на те произведения современных художников, которые отражают индийский дух. Среди известных современных индийских художников – Нагасами Рамачандран , Джитиш Каллат , Атул Додия и Гита Вадхера, которые добились признания в переводе сложных индийских духовных тем на холсты, таких как суфийская мысль, Упанишады и Бхагавад Гита.
Индийское искусство получило подъем с экономической либерализацией страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали использовать разные стили работы. Пост либерализации Индийское искусство работает не только в рамках академических традиций, но и за их пределами. Художники представили новые концепции, которые до сих пор не встречались в индийском искусстве. Деваджьоти Рэй представил новый жанр искусства под названием Псевдореализм . Псевдореалистическое искусство – это оригинальный художественный стиль, полностью разработанный на индийской земле
Псевдореализм принимает во внимание индийскую концепцию абстракции и использует ее для преобразования обычных сцен индийской жизни в фантастические образы. В постлиберализации Индии многие художники утвердились на международном рынке искусства, такие как художник- абстракционист Натвар Бхавсар , художник-абстракционист Набакишор Чанда и скульптор Аниш Капур, чьи гигантские постминималистические произведения искусства привлекли внимание своим огромным размером
Многие дома искусства и галереи также открылись в США и Европе для демонстрации индийских произведений искусства.. Ученые-искусствоведы, такие как Вайбхав С
В постлиберализации Индии многие художники утвердились на международном рынке искусства, такие как художник- абстракционист Натвар Бхавсар , художник-абстракционист Набакишор Чанда и скульптор Аниш Капур, чьи гигантские постминималистические произведения искусства привлекли внимание своим огромным размером. Многие дома искусства и галереи также открылись в США и Европе для демонстрации индийских произведений искусства.
Ученые-искусствоведы, такие как Вайбхав С
Адхав, Ч. Шиварамамурти , Ананд Кришна , Р. Шива Кумар и Гита Капур вывели индийское искусство на глобальную платформу.
Ученые-искусствоведы, такие как Вайбхав С. Адхав, Ч. Шиварамамурти , Ананд Кришна , Р. Шива Кумар и Гита Капур вывели индийское искусство на глобальную платформу.