Отличия от импрессионизма
Ключевое отличие неоимпрессионизма – отказ от смешения красок, работа с чистым цветом.
1 / 5
Если импрессионизм – это стихийность, романтизм, то стиль, созданный Сёра – научный импрессионизм. Первые видели в цвете инструмент для выражения эмоций, вторые – настаивали на бесстрастности художника, отказе от спонтанности и естественности в передаче сюжета.
1 / 7
Позже было доказано, что Сёра, и его последователи заблуждались, приписывая своей технике научность. Но гениям свойственно заблуждаться, зато ошибочные суждения становятся причиной создания многих великих произведений искусства. Сёра – как раз такой случай.
Сады Вожирара
Сады Вожирара, 1879
В начале своей карьеры Гоген не мог похвастаться взрывным ростом популярности. Он успел послужить в французском военно-морском флоте, поработать биржевым маклером. Живописью он занимался в свободное время. В Париже он увидел картины импрессионистов, особенно Камиля Писсарро. В 1877 году у Гогена появилась своя студия и его работы выставлялись на четвертой, пятой и шестой выставке импрессионистов. Сады Вожирара были показаны на пятой выставке в 1880 году. На картине изображены крыши домов, сады, небо и панорама Вожирара. Ранние работы похожи на стиль Писсарро, которого он старательно копировал.
Сентиментализм в русской живописи
Данный стиль пришел в Россию с запозданием вместе с популярностью античных камей, которые вошли в моду благодаря императрице Жозефине. В живописи 19 века в России сентиментализм художники соединили в другим популярным направлением — неоклассицизмом, образовав таким образом новый стиль – русский классицизм в форме романтизма. Представителями этого направления являлись В. Боровиковский, И. Аргунов и А. Венецианов.
Сентиментализм утверждал необходимость рассмотрения внутреннего мира человека, ценность каждой личности. Это стало достижимым благодаря тому, что художники начали показывать человека в интимной обстановке, когда он остается наедине со своими переживаниями и эмоциями.
Русские сентименталисты в своих картинах помещали центральную фигуру героя в картину пейзажа. Таким образом, человек оставался в компании с одной лишь природой, где появлялась возможность проявить наиболее естественное эмоциональное состояние.
Творчество Кандинского — темы, цвет, работы
Решив посвятить себя живописи, будучи уже зрелым человеком, на рубеже 19-20-х веков, Кандинский не сразу пришел к прославившей его манере письма. Первые его работы, тем не менее, трудно отнести к определенному стилю:
- небрежный реализм (?) — картины “Одесса. Порт” (1898),
- синтетизм — “Изар около Grosshessolohe” (1901),
- интимизм — “Лето” (1901).
Влияние пуантилизма и раннего Билибина на знаменитом полотне “Двое на лошади” (1906) скорее исключения. Большая часть – произведения на стыке нео- и импрессионизма, модерна, фовизма, чувствуется знакомство с группой “набидов”, постоянен частичный синтетизм (пейзажи видов Германии конца-начала века, отдельные приемы в которых повторяют Клода Моне — “Восход луны” 1903 и т.п.).
Особенности раннего периода
Тем не менее, уже в раннем, до абстракционизма, периоде творчества Василия Васильевича можно отметить:
Кандинский В. Одесса.Порт, 1898.
Поясняя последнее, не лишним будет сообщить, что родным языком Кандинского, по его собственному утверждению, являлся немецкий. Два основополагающих труда художника — “О духовном в искусстве” (1910) и “Точка и линия на плоскости” (1926) — были написаны на нем же и изданы в Мюнхене, а интерес к изображению русского, народного обусловливался этнографическими занятиями, которые живописец совмещал со своей первой профессией юриста (одна из сфер интересов – “обычное” народное право среди русского крестьянства).
Кандинский В. Лето 1901 г
Успехами, достигнутыми в юриспруденции и политической экономии, в частности, в статистике, объясняется и “научный подход” к творчеству.Свои работы Кандинский (картины, гравюры, стихи) рассчитывал как теоретик, тщательно следя и аргументируя для себя и других выбор формы и средств выражения.
В качестве примера оппозиции подобного подхода выступал К.С.Малевич со своей ультимативной риторикой супрематизма, которая, впрочем, вряд ли стала бы возможна, если бы не полотно «Черный квадрат» В.С. Кандинского, увидевшее свет в 1909 (под другим источникам – в 1910) году.
Развитие и закат
Импрессионизм достиг своего расцвета в период с 1874 по 1881 гг. Это короткое время, ставшее для него золотым, еще называют «Высоким импрессионизмом»
В это время к новому течению было приковано наибольшее внимание, и реакция публики прошла путь от полного неприятия до очарования
Но с 80-х гг. интерес угасал, чему способствовало редкое проведение выставок. Причины крылись в расколе среди художников. Многие разочаровавшись в новом течении вернулись к более традиционным канонам.
Несмотря на то, что появились новые молодые импрессионисты, им не удалось вывести направление на прежний уровень популярности. Постепенно импрессионизм сменился новыми течениями.
Поль Синьяк | Artifex.ru
Поль Синьяк (Paul Signac, 1863-1935) – французский художник, представитель неоимпрессионизма и пуантилизма. В начале творческого пути его вдохновляли работы импрессионистов, что значительно повлияло на дальнейшее становление его стиля. Клоду Моне, работы которого Синьяк особенно ценил, художник даже написал письмо с просьбой о встрече. Но у Моне не возникло желания взять на себя роль наставника, и юному художнику пришлось самому прокладывать дорогу в искусстве.
В 1840-ом году Синьяк стал одним из создателей «Общества независимых художников», и это событие стало поворотным в его судьбе. Именно там он познакомился с Жоржем Сёра, который был близок ему в творческих исканиях: они оба стремились к созданию чего-то нового, особенного, но при этом продуманного и осмысленного. Так, в 1889 году они разработали технику пуантилизма. Уже само название говорит о технике данного направления: пуантилисты создают картину точками выразительных цветов и никогда не смешивали краски, что позволяло изобразить сюжет в декоративной и ясной манере. При этом картина как бы оживает и начинает переливаться чистыми и тщательно подобранными краскам. Первые работы Сёра и Синьяка удивляли, вызывали споры и противоречивые эмоции, но находилось много ценителей искусства, которые поддерживали начинания этих художников. Среди них был критик Фенеон: именно он стал автором термина «неоимпрессионизм».
Конечно, Синьяк и Сёра были совсем непохожи друг на друга в личностном плане. Впечатлительный, пылкий Поль был эмоциональнее и общительнее, чем его рациональный и более спокойный товарищ. Сёра уделял больше времени теории, а Синьяка зачастую вела именно интуиция.
В 1899-ом году Синьяк опубликовал работу «От Эжена Делакруа до неоимпрессионизма», изложив в ней основную теорию нового направления, которое приняло уже достаточно конкретные очертания. С этого времени художник стал двигаться дальше.
Волшебны картины Синьяка, изображающие морскую гладь. Художник по-настоящему был увлечён стихией воды и очень любил яхты, которых у него было около трёх десятков. Первой из них он дал весьма необычное название — «Мане — Золя — Вагнер». Не иначе как гениально была изображена Синьяком вода на картине «Сен-Тропе. Красный буй» (1895).
Работа настолько яркая, что при взгляде на нее хочется прикрыть глаза. Тщательными мазками «нанесены» на водную гладь блики, отсветы и отражения. Глубокий светло-синий цвет воды чередуется с лимонно-жёлтыми оттенками солнца и стоящих на берегу маленьких домов.
«Сосна в Сен-Тропе» (1909) – одна из известнейших работ Синьяка. Она написана мазками неодинаковой формы, положенными в разных направлениях. К 1909-ом году Поль Синьяк уже совсем отошёл от неоимпрессионизма и разработал свой собственный стиль. Но приёмы, которые он использовал ранее, не исчезли совсем. Так, примечательны цвета, выбранные художником для изображения прекрасного дерева с богатой кроной.
На этом полотне он не ставил перед собой задачу передать реальные оттенки листвы, а как бы заново «создал» природу. Картина как нельзя лучше отражает эмоциональность Синьяка. На ней желтые оттенки соседствуют с фиолетовыми, синие – с красными. «Сосна в Сен-Тропе» напоминает вспышку восхищения, радости, умиления.
Поль Синьяк, на протяжении всей жизни развивавший и совершенствовавший свой стиль, был признан ещё при жизни. Ему не нравилось работать на открытом воздухе — он предпочитал создавать картины в мастерской, но никто не сможет назвать природу на его творениях неживой или искусственной. При взгляде на полотна художника возникает уверенность, что автор работал вдохновенно, радостно и ценил своё искусство.
Лечебница Сен-Реми, прорыв в творчестве и самоубийство: «Живопись — это единственное, что связывает прошлое и настоящее » (1889-1890)
«Я не могу точно описать, что чувствую. Иногда это приступы тревожности без причины или ощущение пустоты и усталости в разуме» — в таком состоянии Винсент приехал в лечебницу в Сен-Реми. Здесь он познакомился с тяжело больными, вопли которых часто разносились по коридорам здания. Зверинец — так художник назвал свой новый дом.
Но странно: Ван Гог даже воспрянул духом! Он увидел, что есть состояния, гораздо хуже его собственного, понял, что должен и может справиться со своим недугом, чтобы вернуться в мир и творить. Природа располагала к живописи, да и лечащий врач оказался славным малым — Винсент испытывал к нему тёплые чувства и даже нарисовал несколько портретов.
Со временем ему было разрешено прогуливаться по окрестностям монастыря. Ван Гог писал много и в своём узнаваемом стиле: импрессионисты отвергнуты, академические уроки забыты. Особенно ему нравились кипарисы: он писал деревья тёмными густыми красками и вытягивал их через весь холст к небу.
Кипарисы и две женщины, 1889
Он писал матери: «И вот причина, почему в моих нынешних работах можно наблюдать гармонию: живопись — это нечто само по себе. В прошлом году я где-то прочёл, что написать книгу или создать картину — это то же, что и вырастить ребенка… Живопись — это единственное, что связывает прошлое и настоящее для меня».
С наступлением осени и холодов состояние ухудшилось. Винсент упорно продолжал работать и корил себя за то, что сидит на шее у Тео, оплачивающего его пребывание в больнице. Накануне Рождества у художника вновь случились приступы, однако не такие сильные, как первые. После одной из вспышек Винсент в порыве написал картину «Звездная ночь», любуясь пейзажем из окна.
«Звездная ночь», Винсент Ван Гог, 1889
Неожиданно в одном из европейских журналов появилась большая статья художественного критика Альбера Орье, где он восхищался картинами Ван Гога, называя их «странными, насыщенными, горячечными творениями» и воспевая «его глубокую, почти детскую искренность». Винсент был удивлён, думая, что не заслуживает таких похвал. Неужели его труд наконец-то признали и оценили?
В душе Винсента неспокойно. Волнами накатывали приступы, он бредил и буйствовал, а в моменты облегчения ничего не помнил. Картины «Прогулка заключенных» и «На пороге вечности» отражают его внутренние переживания. Почему он ходит по кругу в темноте? Есть ли выход? Что ждёт дальше? Он писал Тео: «Ты видишь, я пытаюсь быть добродушным, но моя жизнь подорвана, мой шаг сбивается». Психическое расстройство приобрело затяжной и неконтролируемый характер.
27 июля 1890 года Винсент, как обычно, отправился на прогулку. Он долго бродил под палящим солнцем, дождался наступления ночи и выстрелил из пистолета себе в живот. Щелчок. Зачем мучаться дальше? Но убить себя не получилось. Художник прожил ещё два дня: много курил, не желал общаться с полицией и рассуждал о жизни с Тео, который приехал к брату первым же поездом. Тридцатисемилетний Винсент Ван Гог умер от потери крови на рассвете 29 июля 1890 года.
Керамика Гогена
После двух лет в Полинезии (1891-1893), где Гоген создал более 80 ярких произведений — самобытных, бьющих через край цветовой выразительностью, он свел знакомство с известнейшим в то время керамистом Шапле, у которого многому научился в искусстве керамики. Его влекла впечатлившая его доколумбовая керамика инков, с которой он познакомился еще в детстве в Перу. Гоген игнорирует гончарный круг и использует все грани свойств глины, придавая своим работам скульптурно-примитивный, грубый вид. В этот период он создал множество интересных работ, шедевром из которых стала «Овири» — таитянская богиня смерти, кровожадная и жестокая. В табакерке и кувшине Гоген изобразил в форме перекошенной от страдания головы самого себя.
Особенности творчества Гогена
заключаются в разнообразии стилей и методов их воплощения в работах художника.
“Настурции и георгины в корзине” 1884
Начало творческого пути Гогена было связано с импрессионизмом. Но максималистский характер живописца с течением времени вошел в противоречие с европейской сдержанностью и чрезмерной, по его мнению, цивилизованностью этого художественного направления.
Гоген стремился удалиться от цивилизации и обрести ощущение рая на земле не в переносном, а в прямом смысле. Одной из особенностей творчества Гогена стало сотворение им в своих работах новой реальности, главную роль в которой играл цвет. Часто художник вполне сознательно избегал изображать тени, которые в работах импрессионистов играли значительную роль. Свою мысль художник выражал через цвет, четко очерченные фигуры и сдержанную композицию.
“Спящий Кловис” 1884
Картина Гогена «Спящий Кловис» выполнена им в импрессионистической манере, о чем свидетельствует техника письма. Но уже в этой картине мы видим насыщенные цвета, находящиеся в конфликте с изображением спящего сына художника и создающие ощущение тревоги.
“Натюрморт со щенятами” 1888
В «Натюрморте со щенятами» Гоген вполне сознательно идет на нарушение пропорции. Щенки, хоть и находятся на заднем плане картины, все же кажутся чрезмерно маленькими по сравнению с фруктами и посудой. Тени на картине практически отсутствуют. В целом полотно оставляет впечатление детской непосредственности и даже наивности.
“Предки Техаманы (Мерхай Метуа Но Техамана)” 1893
Некоторые работ Гогена посвящены его таитянской жене Техуре. Полотно «Предки Техаманы» Гоген написал по памяти, будучи во Франции. Здесь художник воплотил образ еще не изгнанной из Эдема Евы, тесно связанный для него с воспоминаниями о существовании на божественных островах Полинезии.
“Чудесный источник (Наве Наве Моэ)” 1894
Для картины «Чудесный источник» характерны мечтательные цветовые переходы, множество оттенков красного, некоторая таинственность и даже загадочность. Например, что это там, на горизонте: возвышающаяся гора или корзина с фруктами, один из которых поднесла к губам сидящая на переднем плане женщина?
Особенности творчества Гогена включают в себя и его увлечение культурой народов далеких от цивилизации.
“Две бретонки на берегу моря” 1889
Именно это увлечение и привело Гогена в Бретань, которая в 1888 году была глухой французской провинцией. К этому периоду относится картина «Две бретонки на берегу моря», в которой явно прослеживаются черты примитивного искусства.
“Рынок” 1892
Привлекая своими работами внимание к примитивному искусству, Гоген стал фактическим первопроходцем в этом направлении. Это искусство стало модным в Европе только в начале ХХ века, когда им заинтересовались и стали активно продвигать Матисс и Пикассо
Гогена всегда привлекало искусство Древнего Египта. В его картине «Рынок» совершенно явно влияние египетских фресок. А полотно «Варварские сказания» — зримое воплощение таитянских легенд.
“Варварские сказания” 1902
Работы Гогена позднего периода его творчества — нечто среднее между абстрактной живописью и натурализмом. Гоген всегда охотно писал с натуры, но очень сильно в нем было развито стремление к созданию стилизованных декоративных и даже абстрактных форм и образов. В этом заключается еще одна особенность творчества Гогена. Формированию этой особенности способствовало то, что в свое время Гоген сильно увлекся японской графикой. Плавность линий, цвет и форма, воспринимаемые почти как музыкальные звуки, — характерные черты японских графических изображений. Картины Гогена, где имеется изображение воды, лучше всего иллюстрируют это увлечение художника.
“Купание” 1892
Стиль Поля Гогена
Фраза из письма Гогена «Ты всегда можешь найти утешение в примитиве» свидетельствует о его повышенном интересе к примитивному искусству. Стиль Гогена, гармонично сочетающий импрессионизм, символизм, японскую графику и детскую иллюстрацию, прекрасно подходил для изображения «нецивилизованных» народов. Если импрессионисты, каждый по-своему, стремились анализировать красочный мир, передавая действительность без особой психологической и философской основы, то Гоген не просто предлагал виртуозную технику, он размышлял в искусстве:
Его живопись—это полные гармонии метафоры со сложным смыслом, часто пронизанные языческим мистицизмом. Фигуры людей, которые он писал с натуры, приобретали символический, философский смысл. Цветовыми соотношениями художник передавал настроение, душевное состояние, раздумья: так, розовый цвет земли на картинах—символ радости и изобилия.
«День божества (Махана но натуа)», Поль Гоген, 1894, х.м., Чикагский институт искусств, США
Мечтатель по натуре, Поль Гоген всю жизнь искал рай земной, чтобы запечатлеть его в своих произведениях. Искал его в Бретани, на Мартинике, на Таити, на Маркизских островах. Три поездки на Таити (в 1891, 1893 и 1895 годах), где художник написал ряд своих знаменитых работ, принесли разочарование: первобытность острова была утрачена. Занесённые европейцами болезни сократили население острова с 70 до 7тысяч, а вместе с островитянами вымирали их обряды, искусство и местные ремёсла. В картине Гогена «Девушка с цветком» чувствуется двойственность культурного уклада на острове в то время: об этом красноречиво свидетельствует европейское платье девушки.
«Девушка с цветком», Поль Гоген
В своих поисках нового, неповторимого художественного языка Гоген не был одинок: стремление к переменам в искусстве объединило непохожих и самобытных художников (Сёра, Синьяка, Ван Гога, Сезанна, Тулуз-Лотрека, Боннара и других), дав рождение новому течению—постимпрессионизму. Несмотря на принципиальную несхожесть стилей и почерков, в творчестве постимпрессионистов прослеживается не только мировоззренческое единство, но и общность в житейском плане—как правило, одиночество и трагизм жизненных ситуаций. Их не понимала публика, да и они не всегда понимали друг друга. В рецензиях на выставку картин Гогена, привезённых с Таити, можно было прочитать:
После такой уничижительной критики Поль Гоген на родине не задержался и в 1895 году вновь, и уже в последний раз, уехал на Таити. В 1901 году художник перебрался на остров Доменик (Маркизские острова), где и умер от сердечного приступа 8 мая 1903 года. Поль Гоген был погребён на местном католическом кладбище острова Доменик (Хива-Оа).
«Всадники на побережье», Поль Гоген, 1902 год
Даже после смерти художника французские власти на Таити, преследовавшие его при жизни, безжалостно расправились с его художественным наследием. Невежественные чиновники продавали его картины, скульптуры, деревянные рельефы с молотка за гроши. Жандарм, проводивший аукцион, на глазах у собравшихся людей сломал резную трость Гогена, но припрятал его картины и, вернувшись в Европу, открыл музей художника. Признание пришло к Гогену через 3 года после его смерти, когда в Париже были выставлены 227 его работ. Французская печать, зло высмеивавшая художника при жизни по поводу каждой из его немногочисленных выставок, начала печатать хвалебные оды его искусству. О нём писали статьи, книги и воспоминания.
«Когда свадьба?», Поль Гоген, 1892, х.м., Базель, Швейцария (до 2015 года)
Однажды в письме к Полю Серюзье Гоген с отчаянием предположил: «…мои картины пугают меня. Никогда публика не примет их». Однако, картины Гогена публика принимает и покупает за большие деньги. Например, в 2015 году неназванный покупатель из Катара (по данным МВФ—самой богатой страны мира с 2010 года) купил картину Гогена «Когда свадьба?», за 300 млн. долларов. Картина Гогена получила почётный статус самой дорогой картины в мире.
Справедливости ради нужно отметить, что Гогена совершенно не волновало отсутствие интереса публики к его творчеству. Он был убеждён: «Каждый должен следовать за своей страстью. Я знаю, что люди будут понимать меня всё меньше и меньше. Но разве это может иметь какое-то значение?» Вся жизнь Поля Гогена была борьбой с мещанством и предрассудками. Он всегда проигрывал, но, благодаря своей одержимости, никогда не сдавался. Любовь к искусству, жившая в его неукротимом сердце, стала путеводной звездой для художников, шедших по его следам.
| Поль Гоген – прообраз Чарльза Стрикленда из романа Моэма “Луна и грош” |
|---|
| Цитаты из романа Моэма “Луна и грош” |
|---|
Автопортрет с нимбом
Автопортрет с нимбом, 1889
Гоген создал более 40 автопортретов. В 1889 году он уехал из Понт-Авена в Ле Пульдю, другую рыбацкую деревушку в Бретани. Остановился в гостинице принадлежащей Мари Генри. Все свое время он проводил расписывая стены гостиницы
Одной из созданных работ был «Автопортрет с нимбом», еще одно важное произведение клуазонизма. На картине холст разделен на две части, лицо находится между половин
Нимб и яблоки в верхней части, змея в нижней являются аллегорией на рай и ад. Они являются символами дуальности, неба и ада — аллегория художника как ангела и демона, создателя прекрасных вещей и богемного прожигателя жизни.
Модернизм в скульптуре
Скульптура как жанр изобразительного искусства точно так же испытала на себе новые веяния времени. Как и в живописи, одним из красивейших направлений в скульптуре является импрессионизм. Наиболее полно влияние импрессионизма ощущается в скульптурах Огюста Родена (1840-1917). Роденовский «Мыслитель» – шедевр на века, восхищающий многие поколения людей в разных странах:
Скульптуре модернизма, за небольшим исключением, присущи мягкие обтекаемые изгибы, часто похожие на изгибы тела человека или животного. Даже основоположник кубизма Пабло Пикассо в скульптуре, в отличие от живописи, использовал намного более обширный арсенал художественных средств. Так, руке мастера принадлежит весьма милая скульптура козочки, где о кубизме напоминает разве что подставка под фигурку:
Еще одним полем для экспериментов стала работа Пикассо с плоскими листами железа. Изготовленная из плоских листов 15-метровая 147-тонная скульптура установлена в Чикаго:
Вообще, масштабность можно считать одним из компонентов, из которых складывалась скульптура модернизма. Так, основатель кинетизма в скульптуре Наум Габо (1890-1977) воплощал масштабные композиции, которые посредством движения и игры света создавали потрясающие визуальные эффекты. Например, как его кинетическая скульптура в Роттердаме:
Еще один представитель кинетизма – это Александр Колдер (1898-1976). Правда, он более прославился своими «стабили», т.е. статичными скульптурами из окрашенного металла. Одна из узнаваемых скульптур Колдера «Человек» установлена в Монреале:
Нашлось в скульптуре место и сюрреализму. Ярким примером служит сюрреалистическая скульптура «Телефон-омар», выполненная Сальвадором Дали в соавторстве с Эдуардом Джеймсом (1907-1984):
Больше о скульптуре модернизма вы узнаете из видеолекции сотрудника Московского музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина Натальи Кортуновой «Скульптура модернизма: основные тенденции и главные имена»:
А мы переходим к архитектуре модернизма.
Ванэйковские «мадонны»
Отдельного внимания заслуживают знаменитые ванэйковские Мадонны: «Мадонна в церкви», «Мадонна каноника ван дер Пале» и «Мадонна канцлера Ролена». Эти работы изобилуют множеством невиданных на то время новшеств:
- скрупулезной проработкой архитектуры, интерьера, одежды, украшений и предметов быта;
- грамотной передачей светотени;
- яркостью красок и многообразием оттенков;
- продуманной сюжетной линией, в основе которой заложен религиозный символизм.
Мадонна в церкви
Мадонна каноника ван дер Пале
Мадонна канцлера Ролена
Портрет четы Арнольфини
Ещё одна изобилующая символами картина Яна ван Эйка – «Портрет четы Арнольфини» – раскрывает человеческую индивидуальность в обыденной обстановке.
Портрет четы Арнольфини
Герои как будто дают клятву верности друг другу, на что указывают их лица и жесты, а также пёс на переднем плане, олицетворяющий дружбу и преданность. Символично также изображение горящей свечи только над головой молодого человека. Не исключено, что на момент написания картины его возлюбленная умерла, так как свеча над её головой не горит… Апельсины на столе символизируют на неземное блаженство, а яблоко – грехопадение. Щётка символически показывает чистоту отношений между мужем и женой. Чётки – знак благочестия.
Масляная техника Яна ван Эйка
Эмалевидная поверхность картин Ван Эйка — результат использования техники масляного письма, которая позволяет достичь глубины и богатства цвета. Нанося один поверх другого полупрозрачные слои, живописец достигает слитности мазков и получает смягчённые контуры, что делает композицию в высшей степени реалистичной.
|
Ещё больше реализма и плавности переходов можно достичь методом сфумато, работая по технологии оптических просветов. Мягкие светотеневые взаимоотношения создаются методом «от пятна» ещё на стадии работы наждачной бумагой. На этапах проработки композиции оптическими смесями и ввода цвета изображение «оживает», а после финишной лессировки маслом и усиления колорита масляными красками приобретает сочность и глубину пространства. Подробнее о стадиях работы по технологии оптических просветов, материалах и инструментах, применяемых для создания реалистичной живописи, можно прочитать в этой книге. |
Несмотря на то, что произведения Ван Эйка – ещё не верх совершенства в плане геометрии и пропорций, его усовершенствованная масляная техника была признана в Европе. Она повсеместно укоренилась в Нидерландах, в 15 веке пришла в Германию и во Францию, а чуть позже завоевала сердца итальянских художников.Нередко встречается информация будто бы Ян ван Эйк изобрел масляную живопись. Это утверждение неверно, ведь маслом работали и до него. Однако достижения фламандца на этом поприще и вправду сродни изобретению. Он усовершенствовал состав масляных красок, сделав их намного более прочными и яркими.
За свою жизнь Ян ван Эйк написал более 100 произведений, большинство из которых, к сожалению, не сохранилось. Но даже по уцелевшим работам можно сделать вывод о том, насколько огромен вклад этого художника в мировую живопись.
голоса
Рейтинг статьи
Отличия синтетизма от клуазонизма
Первое и главное отличие, которое стоит помнить, это то, что клуазонизм, в отличие от синтетизма не имел под собой идеологии, будучи больше новой техникой живописи.
Синтетизм, который эволюционировал из клуазонизма, имел под собой определенную идеологию: к эстетичности форм, линий, цветов и внешнему виду изображаемого предмета добавляются переживания художника.
Художники-синтетисты постепенно отходят от использования четких контуров и зачастую на их работах сложно увидеть границы объектов.
Их картины написаны в радикальном, экспрессивном стиле, в котором формы и цвета намеренно искажены или упрощены.