Жан-батист симеон шарден

№8 Корзина яблок, художник Поль Сезанн

Год: 1895

The Basket of Apples (1895) — Paul Cezanne

Помимо краткого периода в Северной Европе в XVII веке, натюрморт был забытым жанром, несмотря на усилия Жана-Батиста Шардена. Именно Поль Сезанн, почти единолично, поднял его на вершину, сделав популярным предметом для будущих художников, включая Пикассо, Матисса, Моранди и Брака. Эта картина является ярким примером его творчества, в котором он использовал методы, подобные двум перспективам, которые должны были изменить направление искусства. Картина также отмечена несбалансированными деталями, такими как надписанная бутылка, наклонная корзина и плоды, которые вот-вот упадут.

Примечания

^
^ Розенберг п. 179.
^ Розенберг и Бруянт, стр. 56.
Розенберг и Бруянт, стр. 20.
Розенберг и Бруянт, стр. 23.
Розенберг и Бруянт, стр. 32.
Розенберг, с.182.
^ Розенберг, стр.183.
^ Розенберг, с.184.
Розенберг, стр. 71.
Розенберг и Бруянт, стр. 190.
Джонсон, Пол. Искусство: новая история, Weidenfeld & Nicolson, 2003, стр. 414.
Розенберг и Бруянт, стр. 68–70.
Розенберг и Бруянт, стр.187 и 242.
«Не осознавая, что он делал это, он отказался от своего времени и открыл дверь в современность». Розенберг, цитируется Уилкин, Карен, , Новый критерий. Требуется подписка. Проверено 15 октября 2008 года.
^ Уилкин.
Неизвестный Матисс: жизнь Анри Матисса, первые годы, 1869–1908 гг., Хилари Сперлинг, стр.86. доступ онлайн 15 июля 2007 г.
Сми, Себастьян, Люсьен Фрейд 1996-2005, проиллюстрировано. Альфред А. Кнопф, 2005.

Техника живописи и новые сюжеты

Жан-Батист Шарден по-особому видел и воспринимал цвет. Множеством маленьких мазков он старался передать все едва уловимые оттенки предмета. Серебристые и коричневые тона доминируют в его живописи. Объекты на его полотнах освещены лучами мягкого света.

Современник и соотечественник живописца, философ-просветитель считал, что мастер обладал особой манерой письма. Если рассматривать живопись Шардена с близкого расстояния, то можно увидеть лишь хаотичную мозаику из разноцветных мазков и штрихов. Он добивался нужных оттенков не просто смешивая на палитре нужные цвета. Он наносил краску на холст мелкими мазками определенных цветов, которые сливались в единое целое, если отойти от картины на достаточное расстояние. Получался оптический эффект смешения красок, и образовывался нужный художнику сложный оттенок. Таким образом, Шарден кистью будто ткал полотно картины.

Дидро восхищался умением его передавать краской материальность предметов. Он написал об этом восторженные строки: «О, Шарден, это не белая, черная и красная краски, которые ты растираешь на палитре, но сама суть предметов; на кончик своей кисти ты берешь воздух и свет и накладываешь на холст!»

В тридцатых годах начался новый виток в творчестве Шардена. Продолжая следовать за голландскими мастерами, он обращается к жанровой живописи. Художник стал изображать повседневную жизнь французского третьего сословия, в которое входили все группы населения, кроме привилегированных. К тому времени относятся его картины «Дама, запечатывающая письмо», «Прачка», «Женщина, чистящая овощи», «Вернувшаяся с рынка», «Трудолюбивая мать». Эти сцены признаны одними из лучших в жанровой живописи.

Живопись

После первой демонстрации произведений студентов Жан-Батист стал известен французской публике, и оригинальным натюрмортом со скатом заинтересовался Никола де Лажильер. Придя в мастерскую и посмотрев другие миниатюры парижанина, он выбрал понравившиеся полотна, определив каждое как шедевр.

В 1728 году Шардена пригласили в Академию живописи и скульптуры для участия в выставке местных художников, а также голландских и фламандских мастеров. В итоге он стал членом королевского учреждения для творцов «старого режима» и был занесен в списки с пометкой «изобразитель цветов и плодов».

После этого в творчестве Жан-Батиста стали появляться жанровые сцены, центральными персонажами которых было третье сословие и средний класс

В этот период родились картины быта и повседневной французской жизни, которые вскоре приобрели внимание и любовь народных масс

Несмотря на простоту сюжетов, Шарден приобрел высокопоставленных покровителей, среди которых были аристократы и сам Людовик XV. Им нравилось, как художник изображает женщин, занятых повседневной работой, растения, принадлежности для охоты и детей, увлеченных игрой.

Тщательно продумывая тему и композицию, живописец отличался медленным темпом работы и, по информации биографов и исследователей, писал не более четырех картин в год. Поэтому в галереях и частных коллекциях, согласно каталогам и фотоальбомам, сейчас хранится и выставляется чуть больше 200 оригинальных работ.

Кроме того, в конце 1730-х Жан-Батист начал копировать собственные произведения, создавая по несколько версий одних и тех же жанровых сцен. Так появились дубликаты полотен «Карточный домик», «Хорошее воспитание», «Автопортрет», «Натюрморт с фруктами», «Гувернантка» и «Мадам Шарден».

В 1750-х годах зрение живописца начало портиться, и он предпочитал работать пастелью, не требовавшей прорисовок и точных штрихов. К этому периоду относятся полотна, которые сейчас высоко ценятся и находятся в собрании Лувра и английской усадьбе Уоддесдон.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779).

Антон Рафаэль Менгс. Автопортрет. 1773. Галерея Уффици, Флоренция.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779) также подустал от излишней пышности рококо, но не стал идти неведомыми тропами.

Он призывал объединить выверенность классических канонов античного искусства с лучшими находками мастеров Возрождения. Нужно взять всё лучшее у лучших. Что может быть проще?

Что ж, публика была только «ЗА». Самые знатные люди эпохи позировали Менгсу. Например, Курфюстр Фридрих Кристиан.

Антон Рафаэль Менгс. Курфюстр Фридрих Кристиан. 1751. Дворец Вайсенштайн.

Работа явно выполнена в классическом стиле. Никакой излишней драматизации барокко, скрупулёзной фотографической точности реализма и экспериментов со световыми эффектами импрессионизма.

Герой портрета выглядит, как идеальный представитель своего сословия. Дорогое одеяние, уверенный взгляд, гордая осанка, правильные черты лица. Немного полноват, но тогда это было признаком достатка.

Современники называли портреты Менгса слишком холодными. Но он всего лишь следовал точным правилам композиции, светотени и перспективы.

«Вкус к совершенству» Менгс демонстрирует и в своих религиозных картинах. Посмотрите на работу мастера «Рождество».

Антон Рафаэль Менгс. Рождество. 1772. Прадо, Мадрид.

Кажется, что перед нами картина эпохи Ренессанса. Нет, это Менгс. Живописец считал, что художники Возрождения обладали безупречным вкусом. И нет ничего плохого, чтобы им подражать.

Композиция «Рождества» выполнена в ренессансном стиле – чёткое разделение на мир земной и мир небесный. Позы, конечно, несколько наиграны. Но зато фигуры очень удачно расположены в пространстве. Также цвета идеально подобраны под стать сюжету.

Если бы Менгс жил в XVI веке, то однозначно был бы записан в список величайших художников Ренессанса. Наравне с Рафаэлем и Тицианом. Но этого не случилось, так как он просто шел по их стопам. Пусть и очень мастерски.

Но однажды Менгс перестарался. И чуть ли не был записан в мошенники. Не то, что в великие мастера. И связана эта история с его знаменитой работой «Юпитер целует Ганимеда».

Антон Рафаэль Менгс. Юпитер целует Ганимеда. 1758.Национальная галерея, Рим.

Именно эта картина навсегда рассорила Менгса с его учителем Иоганном Винкельманом. Последний принял картину за античный подлинник: настолько точно скопировал Менгс стиль древних мастеров.

Более того, он даже внёс полотно в свою искусствоведческую книгу, чем сильно навредил своей репутации, когда обман раскрылся.

Что за авантюрные мысли обуревали Менгса так поступить, неизвестно. Но правду об авторстве он открыл только перед смертью.

Как бы не ругали Менгса за «холодность и неискренность», но всё же невозможно не признать его достижения. Менгс сначала консервировал классические традиции в живописи, а затем перерождал их в обновлённый стиль — неоклассицизм.

Жизнь

Шарден родился в Париж, сын краснодеревщика, редко покидал город. Он жил на Левый берег возле Сен-Сюльпис до 1757 г., когда Людовик XV предоставил ему студию и жилые помещения в Лувр.

Шарден заключил брачный контракт с Маргаритой Сенар в 1723 году, на которой женился только в 1731 году. Учился у художников-историков. Пьер-Жак Каз и Ноэль-Николя Койпель, а в 1724 г. стал мастером в Académie de Saint-Luc.

Луч, 1728, Musée du Louvre, Париж

По словам одного писателя девятнадцатого века, в то время, когда неизвестным художникам было трудно привлечь внимание Королевской академии, он впервые обнаружил заметку, выставив картину в «Малом Корпус-Кристи» (проводившемся через восемь дней после обычного один) на Place Dauphine (посредством Pont Neuf ). Ван Лоо, проезжая мимо в 1720 году, купил его и впоследствии помогал молодому живописцу

При представлении Луч и Буфет в 1728 году он был принят в Королевскую академию искусства и скульптуры (Académie Royale de Peinture et de Sculpture). В следующем году он уступил место в Академии Сен-Люк. Он зарабатывал скромную жизнь тем, что «производил картины в различных жанрах по той цене, которую заказчики ему платили», и такой работой, как восстановление фрески в Galerie François I в Фонтенбло в 1731 г.В ноябре 1731 года крестился его сын Жан-Пьер, а в 1733 году крестилась его дочь Маргарита-Аньес. В 1735 году умерла его жена Маргарита, а через два года умерла и Маргарита-Аньес.

Мальчик с волчком, ок. 1735 г., холст, масло, Музей искусств Сан-Паулу

Начиная с 1737 г. Шарден регулярно выставлялся в Салон. Он окажется «преданным академиком», регулярно посещал собрания в течение пятидесяти лет и последовательно выполнял функции советника, казначея и секретаря, наблюдая в 1761 году за установкой выставок Салона.

Работы Шардена приобрели популярность благодаря репродуктивным гравюрам его жанр картины (выполненные художниками, такими как Франсуа-Бернар Лепичье и П.-Л. Sugurue), который приносил Шардену доход в виде «того, что теперь называлось бы гонораром». В 1744 году он женился во втором браке, на этот раз с Франсуазой-Маргаритой Пуже. Союз значительно улучшил финансовое положение Шардена. В 1745 году родилась дочь Анжелик-Франсуаза, но она умерла в 1746 году.

В 1752 году Шардену была назначена пенсия в размере 500 человек. ливры Людовика XV. В Салоне 1759 года он выставил девять картин; это был первый салон, о котором комментировали Дени Дидро, который окажется большим поклонником и общественным защитником творчества Шардена. Начиная с 1761 года его обязанности от имени Салона, одновременно устраивая выставки и действуя в качестве казначея, привели к снижению производительности в живописи и показу «реплик» предыдущих работ. В 1763 году его заслуги перед Академией были отмечены дополнительными 200 ливрами пенсии. В 1765 году он был единогласно избран ассоциированным членом Академии наук, художественной литературы и искусства Руана, но нет никаких свидетельств того, что он покинул Париж, чтобы принять эту честь. К 1770 году Шарден был «Premier peintre du roi», а его пенсия в 1400 ливров была самой высокой в Академии.

В 1772 году сын Шардена, тоже художник, утонул в Венеция, вероятное самоубийство. Последняя известная картина маслом художника датирована 1776 годом; его последнее участие в Салоне было в 1779 году, и в нем было несколько этюдов пастелью. Тяжело заболевший к ноябрю того же года, он скончался в Париже 6 декабря в возрасте 80 лет.

Жан-Антуан Ватто (1684-1721).

Жан-Антуан Ватто. Автопортрет. 1721. Музей Конде, Франция.Антуан Ватто — первый и главный сочинитель эпохи рококо. Переехав в Париж, бывший баталист и поклонник Рубенса, сразу «нащупал» свою тему – высшее общество и занятия аристократов.

Герои Ватто танцуют, музицируют, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.

Однако во всем этом улавливается ироничный взгляд художника. Чувствуется и двусмысленность, и меланхолия, а порой и грусть.

Взгляните на картину «Затруднительное предложение».

Жан-Антуан Ватто. Затруднительное предложение. 1716. Эрмитаж.

На первый взгляд в сюжете нет ничего интригующего. На фоне природы, будто на сцене, отдыхает компания аристократов. Звуки гитары, неспешные разговоры. Но присмотритесь внимательнее: перед нами мнимая идиллия!

Молодой юноша в синем камзоле пытается остановить девушку, порывающуюся уйти. Пунцовые щёки дамы говорят о возмущении, обиде.

Остальные девушки не смотрят на рассорившуюся пару, но человек в красном всё понимает. Его лёгкая усмешка с долей ехидства говорит, что он в курсе всех событий. Но он не собирается вступаться за девушку. Наоборот, ему доставляет удовольствие наблюдать за ее реакцией.

Неловкая ситуация, которая поначалу казалась обыденной пасторалью. Так что картина в стиле рококо тоже может быть многослойной.

В историю живописи Ватто вошёл, как талантливый колорист. Тончайшие оттенки и наслоения коричневых, сиреневых, жёлтых, розовых тонов – всё это фирменное цветовое решение художника.

Рассмотрим «Паломничество на остров Киферу». Эта картина стала переломной в жизни Ватто. Она принесла ему славу и признание.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717. 129 × 194 см. Лувр, Париж.

На картине изумительно выстроена композиция. Персонажи расставлены просто гениально: они будто танцуют, то устремляясь вглубь картины, то приближаясь к зрителю.

В конце жизни Ватто создаёт ещё одно удивительное полотно – «Вывеска лавки Жерсена».

Жан-Антуан Ватто. Вывеска лавки Жерсена. 1720. Шарлоттенбург, Германия.

Ватто создал эту картину в качестве вывески для реальной лавки своего друга. Поэтому какое-то время этот шедевр висел на улице, над дверью в эту лавку.

Казалось бы, это просто бытовая сцена. Посетители рассматривают картины. Но у Ватто же всегда что-нибудь ещё заложено.

Вот и тут он показывает закат эпохи Короля-Солнце, Людовика XIV. Аллегорически, конечно — портрет Людовика убирают в ящик.

Вот так Ватто умел передавать смыслы с помощью изящных и малозаметных поз и жестов.

И в этом сквозит все та же меланхолия: ведь именно при этом правителе расцвело искусство. Именно в эту эпоху Ватто состоялся, как художник.

Плодотворный период художника длился всего 12 лет! Но за это время он успел получить признание, вырастить последователей и дать старт новому стилю в искусстве (рококо).

№13 «Цветы и плоды», Иван Хруцкий

Год: 1839

«Цветы и плоды», 1839 г. Государственная Третьяковская галерея (Москва), Иван Хруцкий

Иван Хруцкий — прославленный мастер живописи, чьи работы сегодня признаны настоящими шедеврами. Его натюрморты породили целую волну подражаний и имели успех у публики. Одним из лучших его произведений смело можно считать «Цветы и плоды». Оно пропитано осенними мотивами. Спелый виноград, груши, лимоны, персики, тыква говорят о том, что пришло время собирать урожай. По смотрящим вниз пионам видно плавное увядание природы. Зеленые, синие, розовые, желтые оттенки символизируют самую пеструю пору осени. В центре композиции — ваза с рельефными животными и растениями. Они являются лишь частью декора вазы, однако привносят в натюрморт оживленность. Стакан с лимонной водой (рядом с вазой) не только гармонирует с виноградом, но и с блестящим стеклянным сосудом позади. Еще один замечательный элемент композиции — тыква. Это самый крупный, весомый плод на картине Хруцкого, он делает ее более основательной. Маленькая гроздь винограда на переднем плане находится так близко к краю стола, будто скоро сорвется и упадет. Такой интересный прием художник использовал, чтобы сделать натюрморт более подвижным.

№2 Rideau, Cruchon et Compotier (Гардина, кувшин и ваза для фруктов), художник: Поль Сезанн

Год: 1894

Rideau, Cruchon et Compotier (Jug, Curtain and Fruit Bowl) (1894) — Paul Cezanne

Поль Сезанн считается величайшим мастером натюрморта, и эта работа является его самой знаменитой картиной в этом жанре. Технически отмечается двойная перспектива, которую создал Сезанн, она визуально захватывает зрителя красиво написанными несбалансированными частями. Подобные картины Сезанна считаются прелюдией к нескольким типам искусства двадцатого века, включая кубизм Пикассо. По состоянию на 2015 год эта картина является самым дорогим натюрмортом, когда-либо проданым на аукционе.

Шарден: Возвращение с рынка. Описание картины

Картина «Вернувшаяся с рынка» (1739) написана мелкими плотными мазками, красочный слой как бы вылеплен кистью.

Большие хлебы, принесенные хозяйкой, стоящий на столе глиняный горшок, пузатые бутыли толстого стекла — все это сделано с глубоким пониманием структуры вещей, их пластической выразительности… Слева от центрального персонажа — открытая дверь в другую комнату, где стоит большой медный бак для воды, а в глубине — еще одна дверь, на ее фоне —женская фигура.

Шарден создает поэтический и объемный образ быта, где важны не сами по себе, в отдельности, женщины, хлебы, бутыли на полу, а взаимосвязь их, взаимодействие между ними. Пристально, как ученый, и восторженно, как поэт, Шарден никогда не уставал изучать это первоосновное взаимодействие воздуха, людей, предметов. В нем для Шардена и заключалась суть. «Пользуются красками,— говорил он,— а пишут чувством». Шардена одушевляло чувство скрытой однородности всего сущего в природе. Наверное, поэтому Шарден в 1756 году навсегда бросил жанр и почти исключительно занялся натюрмортом, больше подходившим для его целей. И поэтому предельного блеска Шарден добивался в изображении самого трудного для изображения: воздуха и белого цвета. Здесь обычно скромный и непритязательный Шарден превращался в философа. «О, Шарден! — восклицал Дидро.— Не белую, красную и черную краски растираешь ты на своей палитре: самое материю, воздух и свет берешь ты на кончик кисти и кладешь на полотно…»

Лучший из немногих портретов, написанных Шарденом,— это автопортрет 1771 года.

Он сделан пастелью, так как из-за болезни глаз мастер вынужден был оставить масло. Шарден изобразил себя запросто: в ночном колпаке с голубой лентой, в коричневой домашней куртке и шейном платке, с пенсне, сползающим на нос. И тем сильнее, по контрасту с затрапезным видом, действует на зрителя пронзительный, молодой взгляд старческих глаз поверх пенсне. Это взгляд художника, в старости достигшего той чистоты и свободы стиля, когда мастерство граничит со всемогуществом.

В. Алексеев, по материалам журнала “Семья и школа”, 1974 год

Работа

Женщина, убирающая репу, ок. 1738, Старая пинакотека

Шарден работал очень медленно и всего написал чуть более 200 картин (около четырех в год).

Творчество Шардена имело мало общего с Рококо живопись это доминировало во французском искусстве 18 века. В то время, когда историческая живопись считалась высшей классификацией общественного искусства, предметы, которые выбирал Шарден, рассматривались как второстепенные категории. Он отдавал предпочтение простым, но красиво оформленным натюрмортам, деликатно обрабатывал домашние интерьеры и жанровые картины. Простые, даже откровенные росписи обычных предметов быта (Натюрморт с коптильней) и сверхъестественная способность изображать невиновность детей несентиментально (Мальчик с топом ), тем не менее, нашел в свое время благодарную аудиторию и объясняет его вневременную привлекательность.

Le Faiseur de Châteaux de Cartes (Мальчик строит карточный домик), 1735 г., Waddesdon Manor

В значительной степени самоучка, Шарден находился под сильным влиянием реализма и сюжета 17-го века. Низкая страна мастеров. Несмотря на его нетрадиционное изображение асцендента буржуазия, ранняя поддержка пришла со стороны покровителей из Франции аристократия, включая Людовика XV. Хотя его популярность первоначально основывалась на картинах животных и фруктов, к 1730-м годам он ввел в свои работы кухонную утварь (Медная цистерна, ок. 1735, Лувр). Вскоре фигуры заполнили и его сцены, якобы в ответ на просьбу художника-портретиста, который предложил ему заняться этим жанром.Женщина, запечатывающая письмо (ок. 1733 г.), что, возможно, было его первой попыткой, последовали поясные композиции детей, говорящих «Грейс», как в Le Bénédicité, и горничные в моменты размышлений. Эти скромные сцены связаны с простыми повседневными действиями, но они также служат источником документальной информации об уровне французского общества, который до сих пор не считался достойным предметом для рисования. Картины примечательны своей формальной структурой и живописной гармонией. Шарден сказал о живописи: «Кто сказал, что человек рисует красками? нанимает цвета, но красить с чувство.»

Молодая учительница, ок. 1736 г.

Любимым предметом Шардена была детская игра. Он как минимум четыре раза изображал подростка, строящего карточный домик. Версия на Waddesdon Manor самый сложный. Подобные сцены взяты из произведений нидерландских vanitas 17-го века, которые несут сообщения о преходящей природе человеческой жизни и никчемности материальных амбиций, но Шарден также демонстрирует восхищение эфемерными фазами детства ради самих себя.

Натюрморт со стеклянной колбой и фруктами, ок

1728 (обратите внимание на отраженный свет на стекле / серебре). Шарден часто писал реплики своих композиций, особенно его жанровые картины, почти все из которых существуют в нескольких версиях, которые во многих случаях практически неотличимы

Начиная с Гувернантка (1739 г., в Национальная галерея Канады, Оттава ), Шарден переключил свое внимание с предметов рабочего класса на несколько более просторные сцены буржуазной жизни

Шарден часто писал реплики своих композиций, особенно его жанровые картины, почти все из которых существуют в нескольких версиях, которые во многих случаях практически неотличимы

В 1756 году Шарден вернулся к теме натюрморта. В 1770-х его зрение ослабло, и он начал рисовать в пастель, среда, в которой он писал портреты своей жены и себя (см. Автопортрет вверху справа). Его работы пастелью сейчас высоко ценятся. Сохранившиеся картины Шардена, которых насчитывается около 200, находятся во многих крупных музеях, в том числе Лувр.

Творческий путь

1728 год – «Выставка дебютантов», после которой пошла молва о талантливом натюрмортисте. Среди выставленных на парижской площади картин особую популярность получил натюрморт «Скат», изображавший в деталях тушку убитой рыбы. Работа поразила многих своей реалистичностью, заставив почувствовать запах выпотрошенного морского обитателя.
В сентябре 1728 года Шарден получил место в Академии живописи и скульптуры. Помог ему в этом Никола де Ларжильера – почетный член Академии, который вдохновился изображениями цветов, плодов и жанровых сцен молодого художника.
В период с 1728 по 1730 год талантливый юноша попытался одухотворить бытовые предметы: кухонный бак для воды, старую посуду, изредка величественные атрибуты науки, искусства. Умение передавать ощущение движения сока под кожицей плода восхитило не только художников. Так, лестно о Шардене отзывался Дидро и даже Людовик XV.
С 1730 года Шарден вдохновился голландскими художниками и начал рисовать сцены из повседневной жизни, героями которых становились люди третьего сословия и среднего класса.
Конец 1730-х – талантливый живописец скопировал несколько собственных работ. На их основе появилось полотно «Карточный домик», «Гувернантка» и другие.
1743 год – Шардена избрали в качестве советника французской Академии живописи и скульптуры.
1744 – в попытке увековечить момент из реальной жизни Шарден написал знаменитую «Молитву перед обедом». Несмотря на отсутствие ярких красок картина передает ощущение добра и умиротворенности. На ней художник изобразил сцену из семьи среднего сословия: мать двух маленьких дочерей приучает к чтению молитвы за столом. Белый цвет характеризует чистоту и невинность, а мягкий коричневый тон дает ощущение семейного тепла.
1750 год – художник становится казначеем Академии.
1751 год – Шарден увлекается рисованием пастелью из-за постепенного ухудшения зрения. Он создает полотна без точных прорисовок. Вместе с тем именно они получили особую ценность в настоящее время. Часть работ выставлена в Лувре, другие – в английской усадьбе Уоддесдон.
В период с 1750 по 1760 годы вышел ряд знаменитых натюрмортов: «Шарманки и птицы», «Медный бак», «Натюрморт с атрибутами искусств» и другие. Художника отличает сдержанность композиций, небольшое количество предметов, выбор неприметных атрибутов. За основу Шарден использовал серебристо-серый тон.
1765 год – получил членство в Руанской академии наук, словесности и изящных искусств.
1766 год – написание картины «Атрибуты искусств», созданной по заказу Екатерины II. Данная работа признана одной из самых спокойных. В центре композиции располагается статуэтка Меркурия, находящаяся среди рабочих инструментов ремесленника, книг и чертежей. Сдержанные серые и коричневые оттенки придают образ уравновешенности и спокойствия, а несколько ярких пятен вдыхают жизнь неодушевленным предметам.
С 1770-х годов Шарден увлекается рисованием портретов, в том числе изображает свою супругу. Живописец передает образ жены в домашнем одеянии без каких-либо прикрас. Несмотря на это, постаревшее и обеспокоенное домашними хлопотами лицо Маргариты передает красоту и благородство женщины.
1775 год – создание «Автопортрета», на котором мужчина изображает себя в платке и пенсне, спокойно взирая на смотрящего. Портрет создает ощущение мудрости, приобретенной в результате непростого жизненного пути.
1775-1779 – последние годы жизни Шардена являются завершающим этапом развития французского портрета эпохи Просвещения, картины которого послужили вдохновением для таких будущих мастеров как Кантен де Латур, О. Фрагонар, Ж. Л. Давид.

Автопортрет (1775)

Каналетто (1697-1768).

Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.

Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.

Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.

Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.

Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».

Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.

Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.

А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?

Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.

Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.

Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».

В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.

На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится.

Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!

Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».

Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!

В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.

Личная жизнь

Художнику не везло в личной жизни, и она была полна трагедий, связанных со смертью супруги и кончиной родных детей. Впервые он заключил брачный контракт, находясь в юном возрасте, и его женой стала девушка Маргарита, помогавшая в творчестве до последних дней.

После того как любимая супруга не перенесла тяжелой болезни, а вслед за этим состоялись похороны маленькой дочери Маргариты-Аньес, Жан-Батист остался вдвоем с сыном, крещенным в ноябре 1731 года, который также стал живописцем и помог отцу пережить стресс.

Позже, когда финансовое положение Шардена оставляло желать лучшего, ему в жены досталась состоятельная наследница по имени Франсуаза-Маргарита Пуж. В этом союзе появился ребенок, который умер в младенческом возрасте и обрел покой на парижском кладбище среди тысяч невинных душ.

№3 «Васильки», Исаак Левитан

Год: 1894

«Васильки», 1894 г. Частная коллекция (Москва), Исаак Левитан

Левитан любил натюрморты, и иногда, после прогулок в лесу, его мастерская походила на цветочный магазин. Он любил изображать полевые и лесные цветы на своих полотнах, чтил природу даже в самых скромных, простых ее проявлениях.

На картине «Букет васильков» мастер не изобразил вокруг вазы с цветами ни одной детали. Ничто не должно отвлекать зрителя от нежных васильков. На первый взгляд, цветы очень похожи между собой, но при более внимательном рассмотрении обнаруживается, что все иначе. Каждый василек имеет собственный оттенок — здесь и насыщенно-синие, и голубые, и розовые, и нежно-фиолетовые и даже белые.

С цветами в букете соседствует пшеница, пара ее колосков. Это создает ощущение небрежности, будто колоски попали в вазу по невнимательности. Однако в этом заключается особая притягательность композиции, ее шарм.

Детство и юность

Жан-Батист-Симеон Шарден родился 2 ноября 1699 года и ни разу за 80 лет жизни не покидал столицу Франции — Париж. В детстве отец, резчик по дереву, заметил, что сын увлекается рисованием, и отдал его в ученики к мастеру, чтобы поддержать семейный престиж.

Оказавшись под опекой Ноэля Куапеля, который являлся художником и гравером, мальчик поселился неподалеку от дома на старинной территории Сен-Жермен-де-Пре. В качестве помощника и ассистента он изображал мелкие предметы на картинах и тренировался в написании натюрмортов, собранных из вещей, находившихся во дворе.

Иногда учитель отправлял Шардена к коллеге Жан-Батисту ванн Лоо, который реставрировал дворцовые фрески в резиденции Фонтебло, а в свободное от этого занятия время будущий живописец рисовал овощи и к моменту окончания обучения создал ряд талантливых работ.

Для того чтобы достичь творческого совершенства, молодой мастер присоединился к Гильдии художников и в течение ряда лет его биография была связана с Академией святого Луки. Там он оттачивал собственный стиль и манеру, продолжая писать с натуры неодушевленные предметы, и лучшие из картин того времени начали попадать на выставки.

Жан-Этьен Лиотар (1702-1789)

Жан-Этьен Лиотар. Автопортрет. 1868. Частная коллекция.

Личность Лиотара загадочна. А его жизненный путь полон белых пятен. Например, до сих пор биографы гадают, почему он одевался как турецкий поданный.

Но известно, что он был 13 ребёнком в семье и получил первое образование, как миниатюрист. После были годы странствий, о которых мало что известно.

Но именно в это время он открыл для себя пастель. Эта техника прославила его на всю Европу.

Одна из первых зрелых работ мастера — «Три грации».

Жан-Этьен Лиотар. Три грации. 1737. Рейксмузей, Амстердам.

Здесь можно воочию увидеть, за что мастер так любил пастель. Мягкие линии, плавные цветовые переходы, реалистичное изображение деталей и, конечно, нежный колорит.

Сам художник упоминал, что живопись – это зеркало всего прекрасного, и только пастель позволяет реалистично передавать восхитительный окружающий мир.

Глядя на эту пастельную картину, сложно возразить мастеру.

Казалось бы, до «галантного века» Ватто рукой падать, а Лиотар предлагает нам совсем другую красоту. Парадный портрет и декоративность отметены в сторону.

Мастер отказывается от фона, чтобы его герои не смогли «спрятаться» за пышные витиеватые декорации. Придворным дамам не всегда был по вкусу такой вот прямолинейный подход.

Самым известным полотном Лиотра является «Прекрасная шоколадница».

Жан-Этьен Лиотар. Шоколадница. 1745. Пастель, пергамент. 82,5х52,5 см. Дрезденская галерея.

Личность прекрасной героини породила немало мифов. О части из них я рассказываю в статье про эту картину.

Взгляд модели в сторону разрушает все каноны классического портрета. Нейтральный фон делает изображение ещё более рельефным.

После эпохи рококо, когда портреты отличались манерностью и изобилием деталей, «Шоколадница» Лиотара стала просто откровением. Фотографическая правдивость обескураживала и восхищала публику.

Рассказ о мастере был бы не полным без какого-либо «королевского портрета». Например, Портрета Георга, Принца Уэльского (позже — Георга III).

Жан-Этьен Лиотар. Портрет Георга, Принца Уэльского (позже Георга 3). 1754. Национальная галерея Шотландии, Эдинбург.

Молодой юноша предстаёт перед нами в пол-оборота. Мы не видим пышных одежд, атрибутов королевской принадлежности

Зато сразу наше внимание привлекает румянец на щеках героя: перед нами всего лишь юноша, хоть и принц

Лиотар — это пример независимости и правдивости в искусстве. От современников нам осталась любопытное изречение, которое многое говорит об этом художнике: «Он наблюдал, как работают другие, и делал всё по-своему!»

Последние годы

В семидесятых годах в жизни уже немолодого Шардена происходит еще несколько трагических событий. Исчезает его сын, материальное положение сильно ухудшается, и художник вынужден продать свой дом. Длительная болезнь и преклонный возраст тоже давали о себе знать. Шарден решает уйти с поста казначея Академии.

Последние годы мастер посвящает Особого внимания заслуживают два портрета, написанные в этой технике — «Автопортрет с зеленым козырьком» и «Портрет жены».

Несмотря на болезнь и возраст художника, в последних портретах чувствуется твердость руки и легкость движений. Динамичный свет и естественные цвета придают работам живость.