Клод Моне
Охотничий трофей (1862 г.)
Охотничий трофей (1862 г.)
Натюрморт был любимой темой художника, особенно в начале его карьеры. Композиция выглядит реалистично и живо, а отпустив воображение, кажется, будто улавливаются тонкие нотки аромата меха, перьев и пороха.
Уголок квартиры (1871 г.)
Уголок квартиры (1871 г.)
Живя в Аржантее под Парижем с 1871 по 1878 года, мастер часто изображал свою семью, и эта одна из таких работ – на первом плане старший сын Джин, а на заднем фоне угадывается фигура жены
Даже столь обыденный сюжет притягивает внимание, заставляя остановиться и рассмотреть картину внимательно, изучая каждую деталь
Лондон, здание парламента. Солнце сквозь туман (1904 г.)
Лондон, здание парламента. Солнце сквозь туман (1904 г.)
Знаменитый лондонский туман превращает реальность в мираж. Здания кажутся призраками, которые, то ли пытаются выплыть из дымки, то ли раствориться в разноцветной мгле.
Работы
В 1864 году, когда художник показал «Эдипа и Сфинкса» — первую картину, по-настоящему привлекшую внимание критиков, — один из них отметил, что это полотно напомнило ему «попурри на темы Мантеньи, созданное немецким студентом, отдыхавшим во время работы за чтением Шопенгауэра ».
Желая обезопасить себя от нежелательных интерпретаций, он часто сопровождал свои картины подробными комментариями и искренне сожалел, что «до сих пор не нашлось ни одного человека, который мог бы всерьез рассуждать о моей живописи».
В 1895 году, после того как была окончена работа над огромным полотном «Юпитер и Семела», Моро приступает к реализации своего последнего большого проекта: устраивает дом-музей в собственном особняке. Таким образом он хочет сделать искусство общедоступным, а также быть уверенным, что оно будет сохранено для будущих поколений.
Продав мало работ при жизни, Моро завещал государству свой особняк вместе с мастерской, где хранилось около 1200 картин и акварелей, а также более 10000 рисунков (национальный дом-музей расположен по адресу: Ларошфуко 14, девятый округ Парижа)
При жизни художника только 3 работы были приобретены французскими музеями, зарубежными — ни одной. Партнерами музея являются музей Орсэ, музей национальной Оперы и музей Хеннера. Входной билет в один из этих музеев действителен в течение недели для покупки билетов по льготному тарифу в два других.
Моро намеренно стремился максимально насытить свои картины удивительными подробностями, это была его стратегия, которую он называл «необходимостью роскоши». Над своими картинами Моро работал подолгу, иногда по несколько лет, постоянно добавляя все новые и новые детали, которые множились на полотне, словно отражения в зеркалах. Когда художнику уже не хватало места на холсте, он подшивал дополнительные полосы. Так случилось, например, с картиной «Юпитер и Семела» и с неоконченным полотном «Ясон и аргонавты».
Критики видели в нём представителя символизма, хотя сам художник неоднократно и решительно отвергал этот ярлык.
С годами Моро все больше верил в то, что он остается последним хранителем традиций, и редко с одобрением отзывался о современных художниках, даже о тех, с которыми был дружен. Моро считал, что живопись импрессионистов поверхностна, лишена морали и не может не привести этих художников к духовной гибели.
Г. Моро оказал сильное влияние на О. Редона (для Редона модернизм Моро заключался в его «следовании собственной натуре»), бельгийских символистов Ф. Кнопфа, Дж. Делвилля, на теоретика сюрреализма А. Бретона. Моро считают отцом «фовизма»: он был непосредственным учителем А. Матисса, Ж. Руо, А. Марке и других (будучи главой Национальной Школы Изящных Искусств (1892-98).
В начале XX в. творчество Гюстава Моро было почти забытым до тех пор, пока не появились Андре Бретон и сюрреалисты, вновь его открывшие (Бретон назвал мир Моро «сомнамбулическим миром»), также почитали его Сальвадор Дали, Макс Эрнст. Отсылая яркой метафорой «вцепившегося когтями сфинкса» к картине Гюстава Моро «Эдип и сфинкс», Бретон подчеркивает здесь личную, восходящую ещё к юношеским годам признательность этому художнику, к колдовским образам героинь которого он не раз ещё будет обращаться и к каталогу чьей ретроспективной выставки напишет предисловие в I960 г.
Краткая биография
(фр. Gustave Moreau) (6 апреля 1826, Париж — 18 апреля 1898, Париж) — французский художник, представитель символизма.
Гюстав Моро родился в 1826 году в Париже в семье главного архитектора Парижа, в чьи обязанности входило поддерживать в надлежащем виде городские общественные здания и памятники. Рано обнаружил способности к рисунку и живописи. В 1842 году, благодаря отцовской протекции, Моро получает удостоверение копииста картин, которое позволяет беспрепятственно посещать Лувр и в любое время работать в его залах.
При поддержке и одобрении родителей в 1846 г. поступил в Школу изящных искусств, в мастерскую Франсуа Пико, мастера классицистической ориентации, который обучил его основам живописи. Обучение здесь было крайне консервативным и в основном сводилось к копированию гипсовых слепков с античных статуй, рисованию мужской обнаженной натуры, изучению анатомии, перспективы и истории живописи. Потерпев фиаско в конкурсе на Римскую премию, он уходит из мастерской Пико. Моро преклоняется перед Делакруа, влияние которого заметно в ранних работах (например, «Пьета», выставленная в Салоне 1852 г.).
Моро был учеником Теодора Шассерио в Школе изящных искусств в Париже. В 1849 году Моро выставляет свои работы в Салоне. В 1852 году отец Моро покупает для него дом под номером 14 на улице Ларошфуко , на правом берегу Сены, недалеко от дворца Сен-Лазар. В этом престижном месте, в роскошном особняке, обставленном шикарно и дорого, как и подобает лучшим буржуазным домам, Моро устраивает на третьем этаже мастерскую. Он живёт и работает в лучших условиях, продолжает получать государственные заказы, становиться вхожим в высшее общество и официальные художественные круги. 10 октября 1856 г. Делакруа записывает в дневнике: «Проводы бедного Шассерио. Видел там Доза, Диаза и молодого Моро, художника. Он мне вполне по душе».
Моро никогда не отрицал, что очень многим в творчестве обязан Шассерио, своему другу, рано ушедшему из жизни (в возрасте 37 лет). На его ранний уход Моро написал холст «Юноша и смерть» (1865). Влияние Теодора Шассерио очевидно и в двух больших полотнах, которые Моро начал писать в 1850-х годах, — в «Женихах Пенелопы» и «Дочерях Тезея». Работая над этими огромными, с большим количеством деталей, картинами, он почти не выходил из мастерской. Однако эта высокая требовательность к себе впоследствии часто становилась той причиной, по которой художник оставлял работы незавершенными.
Во время двух путешествий в Италию (1841 г. и с 1857 г. по 1859 г.), он посетил Венецию, Флоренцию, Рим и Неаполь, где Моро изучал искусство Ренессанса — шедевры Андреа Мантеньи, Кривелли, Боттичелли и Леонардо да Винчи . Привозит оттуда несколько сотен копий произведений великих мастеров Ренессанса. Пишет также пастели и акварели, напоминающие работы Коро. В этот период он встречается с Бонна, Эли Делоне, молодым Дега, которому помогает в его ранних поисках. Отныне Моро усваивает характерный проникнутый духом романтизма стиль — иератически-застывший, чуждый движению и действию. В 1862 году у художника умирает отец.
Крамской – том 13
Биографии художников написаны так, что вместе с событиями жизни, читатели знакомятся с творчеством в соответствующий период времени; с рассказами о людях, окружающих художника. Мне нравится, что о каждой картине написана история ее создания, краткое описание и указано место, где находится оригинал в настоящее время. Например, чтобы увидеть легендарное полотно «Сикстинская Мадонна» Рафаэля, надо посетить Картинную галерею в Дрездене, а картину «Мадонна Альба» — Национальную картинную галерею в Вашингтоне. Кстати, «Мадонна Альба» в начале прошлого века тоже принадлежала России, но была продана в годы Советской власти. За свою долгую жизнь я успела побывать в нескольких знаменитых музеях и не один раз. Знаю по своему опыту, что пойти (например) в Эрмитаж с экскурсией можно один раз и только для общего ознакомления. Ни рассмотреть знаменитые полотна, ни узнать что-то о них, практически нет возможности. Поэтому надо идти подготовленными, чтобы насладиться шедеврами. Полистать альбомы о жизни и творчестве художников, посмотреть картины и их описания (пусть и в интернете) – это один из способов получения предварительной информации.
Иван Николаевич Крамской родился в городке Острогожске Воронежской губернии в бедной мещанской семье. Рисованием занимался с детства, был самоучкой, и только благодаря своему упорству, получил образование в Академии художеств (Петербург). В России был известен не только как художник, но и как общественный деятель и блестящий критик. Крамской умер от сердечного приступа в возрасте 50 лет, во время работы над портретом своего семейного врача. Доктор Раухфус не успел его спасти.
Картина «Неизвестная» (1883) это самая таинственная картина Крамского. До сих пор неизвестно, кто позировал художнику; к какому слою общества эта девушка принадлежит. Москва, Государственная Третьяковская галерея. На соседней странице – «Портрет Анатолия Ивановича Крамского» (1882) – сына художника. Воронеж, областной Художественный музей имени И.Н. Крамского.
Картина Крамского «Христос в пустыне» (1872). Москва, Государственная Третьяковская галерея.
«Портрет императрицы Марии Федоровны» (1882) и «Портрет С.И. Крамской, дочери художника» (1882) – обе работы находятся в Санкт-Петербурге в Государственном Русском музее.
«Русалки» (1871). Картина наполнена глубокой грустью. Художнику удалось предать сказочную красоту украинской ночи, написать лунный свет. Москва, Государственная Третьяковская галерея.
Гюстав Моро и ранние произведения
В возрасте двадцати лет Моро был принят в Школу изящных искусств, даже если он не смог получить Гран-при Рима: также по этой причине он покинул институт в 1849 году, намереваясь не принимать во внимание традиционное академическое искусство. Вместо этого он обращается к работам Теодора Шассерио, последователя Эжена Делакруа и Энгра, проводя молодость, отмеченную высокой посещаемостью, между элитными выступлениями на скачках и выступлениями в парижских салонах
В 1850 году он написал «Автопортрет в возрасте двадцати четырех лет» и «Гамлет», а «Две современные амазонки», «Тепидариум» и «Песнь песенных» датируются несколькими годами позже
Вместо этого он обращается к работам Теодора Шассерио, последователя Эжена Делакруа и Энгра, проводя молодость, отмеченную высокой посещаемостью, между элитными выступлениями на скачках и выступлениями в парижских салонах. В 1850 году он написал «Автопортрет в возрасте двадцати четырех лет» и «Гамлет», а «Две современные амазонки», «Тепидариум» и «Песнь песенных» датируются несколькими годами позже.
Создав «Шотландского рыцаря», «Жокей, который представляет себя в самом начале», «Афиняне, брошенные Минотавру в лабиринте Крита» и «Портрет Теодора Шассерио», в 1857 году он отправляется в своего рода грандиозное турне. его творческая зрелость привела его к переезду в Италию, между Римом, Флоренцией и Венецией: в городе-лагуне он глубоко впечатлен работами Витторе Карпаччо.
Символизм в архитектуре
(Символический смысл можно увидеть и в основе Исаакиевского собора )
В основе любого архитектурного сооружения лежит его символический смысл, который в него вложили его создатели. Пропорции очень многих зданий и сооружений (греческие и римские храмы, готические соборы, вавилонские зиккураты, египетские пирамиды) определяют символические значения их форм. Эти религиозные сооружения выступали в качестве земных проекций моделей космического пространства: огромное воздушное пространство, покоящееся на колоннах или пилонах, связывающее поверхность земли и «первичные воды». Основными символами в архитектуре выступают круг, символизирующий бесконечность, небо, движение или вознесение, солнце, (огромные барабаны куполов имеют в разрезе форму круга в Большом соборе Святого Мартина в Кельне, Исаакиевском соборе в Петербурге), треугольник – символ земли и её взаимодействия с небом, квадрат символизирует принцип статичности и завершенности.
Также особенным символическим значением обладают изображенные на фасадах зданий различные животные и птицы (львы, быки, единороги, двуглавые орлы). Это явление носит название зооморфизма: изображение священных животных как земного воплощения божественных существ, каждое животное имеет свой мифологический смысл и символическое значение.
Моро Гюстав. Картины и биография. Moreau Gustave
Моро Гюстав Картины и биография Гюстава Моро Моро Гюстав (Moreau Gustave) (1826-1898), французский живописец и график. Родился в Париже 6 апреля 1826 года, в семье архитектора. Учился в Школе изящных искусств в Париже у Теодора Шассерио и Франсуа-Эдуара Пико, посетил Италию (1857-1859) и Нидерланды (1885). С 1849 года Гюстав Моро начинает выставлять свои работы в Салоне — выставке живописи, скульптуры и гравюры, ежегодно проводившейся с середины XVII века в Большом салоне Лувра.
С 1857 по 1859 Моро проживает в Италии, где изучает и копирует полотна и фрески знаменитых мастеров. Осенью 1859 года Моро возвращается домой и знакомится с молодой женщиной – Александриной Дюре, работавшей гувернанткой недалеко от его мастерской. Они проживут вместе более 30 лет.
После смерти Александрины в 1890 году художник посвящает возлюбленной одно из своих лучших полотен — «Орфей у гробницы Эвридики», 1891. На протяжении 1860–х годов произведения Моро пользуются огромным успехом и популярностью. Критики называют художника Гюстава Моро спасителем жанра исторической живописи.
В течение всей жизни Моро писал фантастически пышные, мастерски исполненные в духе символизма композиции на мифологические, религиозные и аллегорические сюжеты, лучшие из которых — «Эдип и сфинкс», 1864, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; «Орфей», 1865, Музей Лувр, Париж; «Саломея», 1876, Музей Орсе, Париж; «Галатея», 1880, Музей Гюстава Моро, Париж.
В основе картины «Галатея» — сюжет из греческой мифологии, повествующий о неразделенной любви циклопа Полифема к нереиде Галатее. Чувственная обнаженная нимфа томно расположилась в экзотическом гроте, богато и причудливо украшенном яркими анемонами, кораллами и другими окаменевшими растениями. На нее пристально взирает жутковатое трехглазое чудовище.
Мириады подводных растений с их интенсивной окраской и плавная живописная манера создают в картине колдовскую атмосферу, похожую на сон. Гюстав Моро был тесно связан с движением символизма; входившие в него художники отказались от объективности и натурализма представителей импрессионизма. Галатея, 1880 Музей Гюстава Моро, ПарижЭдип и Сфинкс, 1864 Метрополитен-музей, Нью-Йорк Венера, рожденная из пены, 1886 Музей Гюстава Моро, ПарижСтранник Эдип, 1888 Музей истории искусства, Метц Осень, 1872-1873 Музей Гетти, Лос АнджелесАполлон и музы, 18 Музей Гюстава Моро, Париж В поисках вдохновения символисты обращались к литературе или античной и северной мифологии, часто произвольно соединяя их друг с другом.
В 1888 году Моро избирают членом Академии изящных искусств и спустя четыре года профессор Моро становится руководителем мастерской в Школе изящных искусств. В 1890-х здоровье художника резко ухудшилось. Он подумывает о завершении своей карьеры и возвращается к своим незаконченным картинам.
Одновременно Моро приступает к работе над своим последним шедевром – «Юпитер и Семела», 1894-1895.
Юпитер и Семела 1894-1895Святой Георгий и дракон 1890Прометей 1868Фракиянка с головой и лирой Орфея, 1865Ясон и Медея 1865 Химера 1862Клеопатра 1883Геракл и лернейская гидра, 1876Гесиод и муза 1891Поэт и Сирена 1894 Афина и Единорог 1888Дездемона 1864Ночь 1880Смерть Сафо 1894Мистический цветок 1890 Моро хотел сохранить свои работы для будущих поколений и не желал, чтобы после смерти его наследие оказалось рассеянным по всему свету. Художник превратил два верхних этажа дома, купленного его родителями еще в 1852, в экспозиционное пространство и завещал государству дом со всеми находившимися там произведениями и всем содержимым квартиры. Экспозиция музея в основном состоит из незаконченных работ художника и черновых набросков. Это придает уникальность и необычность коллекции, ощущение незримого присутствия великого мастера.
На данный момент музей насчитывает около 1200 холстов и акварелей, 5000 рисунков, которые экспонируются с учетом пожеланий их автора. Гюстав Моро умер от рака 18 апреля 1898 года.
Похоронен на кладбище Монпарнас в Париже. Искусство Франции.
Парижские художники, скульпторы, архитекторы, мастера гравюры. История зарубежного искусства. От эпохи романского стиля и готики средневековья до современности.
Нужна Гувернантка в иностранную семью
Пьесы
Первые работы Моро копировали работы других признанных художников. Свою мастерскую он устроил на третьем этаже дома.
Он начал свою карьеру в этом качестве в 1852 году, когда его работа Благочестие это было выставлено на всеобщее обозрение. В последующие годы он продолжал создавать картины и выставлять такие работы, как Смерть Дарио Y Афиняне с Минотавром.
Его расцвет пришелся на 1860-е годы, когда он создал Эдип и Сфинкс. Именно на этом этапе он сосредоточил темы своих работ на религии, фэнтези и истории. Он предложил новые прочтения уже известных сцен, особенно из греческой мифологии.
Характерные черты
Выделяются характерные черты стиля: новаторство, стремление к экспериментам, таинственность, неоднозначность, недосказанность.
Франция
Региональные особенности развития символизма:
Французская школа символизма отличается тягой к синтетизму и декадансу. Представители направления: Пюви де Шаванн, Гюстав Моро, Одилон Редон, Поль Гоген, Эмиль Бернар, Эдгар Максенс. Известные картины: «Осень», «Сон» (Пюви де Шаванн), «Саломея», «Фаэтон» (Г. Моро), «Циклоп» (О. Редон), «Снежная королева» (Э. Максенс).
Бельгия
Бельгийский символизм развивался по линии декаданса. Картины Ксавье Меллери, Джеймса Энсора, Жана Дельвиля в стиле символизм отличаются особым восприятием и передачей образов.
Стиль живописи арт-деко
Британия
В Британии ощущалось влияние прерафаэлитов, их средневековый стиль и возврат к идеалам Возрождения дал толчок истории местного символизма. Художники: Уильям Холман Хант (1827 — 1910), Данте Габриэль Россетти (1828 – 1882), Джон Эверетт Милле (1829 – 1896), Эдвард Берн-Джонс (1833 — 1898).
Развитие стиля в России
Символизм в России отставал от своего движения в Западной Европе. Период представлен творчеством Врубеля, Нестерова, Сомова, Рериха, Гущина. В развитии русской живописи этот период связан с представителями Серебряного периода в начале 20 столетия, совпавшего с появлением модерна в культуре.
Культурное становление русской философии и поэзии этого периода происходило в сложный период развития государственности. Представители Серебряного века переключились с политических и социальных проблем на мистические, философские. Это ярко проявилось в работах Врубеля. Русский символизм наиболее выразительно представлен поэтами Серебряного века. Название зародилось позже, чем получили популярность работы поэтов и художников – в эмиграции, по аналогии с Золотым веком русской поэзии 19 столетия.
Сущность российской версии символизма – богоискательство, эмоциональность, декадентство. Окончание Серебряного века связано со становлением советской власти.
Китайская живопись Гохуа
Одним из наиболее ярких представителей этого периода в русской живописи является Михаил Врубель. Живописец работал в разных жанрах искусства – графика, театр, живопись, скульптура. Влияние Врубеля на живопись Серебряного периода исключительно. Одной из главных работ Врубеля, репрезентативных для характеристики периода, можно назвать полотно «Демон сидящий».
Картины представителей периода были представлена на двух тематических выставках – «Алая роза» и «Голубая роза». Первая прошла в Саратове в 1904 году. Организаторами были представители одноименного объединения, созданного в конце 19 века. В 1907 году ядро Алой розы сформировало новое объединение – «Голубая роза».
Работы символистов России Серебряного периода характеризуются атмосферностью. Художники стремились передать суть, а не правильную, натуральную форму.
Абстракционизм как стиль в живописи
Обучение
Живописец прожил недолгую жизнь. В 1900 году Академия художеств стала для него родным домом, где он занимался и знакомился с импрессионизмом и постимпрессионизмом. Тогда это место было некой обителью мирового творчества. Мюнхенская академия художеств собирала под своей крышей будущих знаменитых художников. Рядом с Францом учились Хакль и Диц. Хотя они и стали известными, все равно Марка им было не догнать.
Молодой художник старался не сидеть на месте, а изучать искусство не только в своей стране. Это объясняет его поездки в Париж, где он как раз и знакомился с французскими направлениями в искусстве. Тут он мог видеть творения великого Ван Гога и Гогена.
Вторая поездка живописца в Париж повлияла на тематику его будущих творений. Вернувшись в Мюнхен, он стал углубленно изучать анатомию животных, чтобы изобразить свой взгляд на природу в своих картинах.
Примечания
- ↑ 12 идентификатор BNF (фр.): платформа открытых данных — 2011.
- ↑ 12 Gustave Moreau
- Gustave Moreau (фр.) — ministère de la Culture.
- Benezit Dictionary of Artists (англ.) — 2006. — ISBN 978-0-19-977378-7, 978-0-19-989991-3
- ↑ 12Немецкая национальная библиотека, Берлинская государственная библиотека, Баварская государственная библиотека, Австрийская национальная библиотека Record #118583972 // Общий нормативный контроль (GND) — 2012—2016.
- ↑ 12 Энциклопедия символизма: Живопись, графика и скульптура онлайн страница 28 на сайте booksonline.com.ua.(неопр.) . booksonline.com.ua. Дата обращения 19 февраля 2020.
- Гюстав Моро (неопр.) .
- ↑ 12 Михаил Врубель и Гюстав Моро. Сравнительный анализ.. Журнал «Русское искусство»(неопр.) . www.russiskusstvo.ru. Дата обращения 19 февраля 2020.
- Super User. Символизм Гюстава Моро, музей Гюстава Моро в Париже. (рус.). www.paris-sam.com. Дата обращения 19 февраля 2020.
- Ж. Шенье-Жандрон. «Сюрреализм» :: Прометеев подвиг и процесс обобщения :: Символизм (неопр.) . www.dali-genius.ru. Дата обращения 19 февраля 2020.
1906–1917
Многие из лучших работ Матисса были созданы в течение десятилетия после 1906 года, когда он разработал своеобразный строгий стиль, подчеркивающий плоские формы и декоративный узор. В этот период художник много путешествует, что отражается в его произведениях. В 1906 году он отправился в Алжир изучать африканское искусство, воплотившее лучшие образцы примитивизма.
После осмотра большой мюнхенской выставки 1910 года на тему исламских искусств Матисс бросился в Испанию и два месяца там изучал мавританское творчество. Он дважды в течение 1912–1913 годов побывал в Марокко и провел там семь месяцев, результатом которых стали многочисленные рисунки и около 24 картин. Занимаясь живописью в Танжере, художник внес несколько изменений в свой стиль, в том числе относительно применения черного цвета. Его восточные мотивы были частыми темами также и для более поздних картин, например, целой серии одалисок.
С 1906 по 1911 год художник создает свои выдающиеся полотна: «Голубая обнаженная», «Красный Тюрбан», «Предметы роскоши II», «Музыка», первый вариант «Танца» и второй, написанный по заказу русского коллекционера Сергея Щукина.
«Красные рыбки» Анри Матисса, как и «Танец II», признаны мировыми шедеврами. После 1910 года во многих произведениях художника цветовая гамма тяготеет к зеленому, синему, серо-голубому и фиолетовому тону. Композиции становятся строже, а линии четкие, почти как в рисунке, что заметно в таких знаменитых картинах 1910–1917 годов, как «Натюрморт с геранью», «Разговор», «Окно в Танжере», «Зора на террасе», «Сидящий Рифайн», «Портрет жены художника».
Библиография
|
Гюстав Моро (1826-1898) |
||
|---|---|---|
|
||
|
||
|
||
| Студенты |
|
|
|
||
| Специалисты |
|
|
| Музеи |
|
- Портал Франции в XIX — го века
- Портал живописи
- Портал истории искусства