Зинаида Николаевна Юсупова
Зинаида Николаевна Юсупова (портрет Франсуа Фламенга)
А это красавица, Зинаида Николаевна Юсупова, является родной внучкой нашей предыдущей героини. Поистине, еще не нашлось достойное перо, способное описать судьбу и замечательный характер Зинаиды Юсуповой. Она была единственной дочерью Николая Юсупова и наследницей многомиллионного состояния рода Юсуповых, богатейшего семейства России, чьи доходы были во много раз больше правящей династии Романовых.
Чтобы род Юсуповых не закончился на ней, она вышла замуж с таким расчетом, что муж взял фамилию своей жены. Таким кандидатом оказался граф Феликс Сумароков-Эльстон, блестящий гвардеец, который получил высочайшее дозволение императора после женитьбы именоваться князем Юсуповым и графом Сумароковым-Эльстоном.
Самая богатая женщина России, Зинаида Юсупова, после революции окажется в эмиграции и будет жить весьма скромно, почти в бедности, впрочем не жалея о потерянном богатстве и радуясь тому, что ее муж, сын с невесткой и внучкой, смогли благополучно покинуть Россию и не погибнуть в буре революции и Гражданской войны.
Клара Петерс (1594-1657 гг.)
Клара Петерс. Суета сует (автопортрет). 1620. Частная коллекция
О нидерландке Кларе Петерс мы знаем очень мало. Даже даты ее жизни спорны. А многие работы были ошибочно приписаны другим малым голландцам. Словно и не было такой художницы…
Это можно объяснить. Женщине, даже очень талантливой, было легко затеряться среди многочисленных художников. В 17 веке в Голландии творили 6000 мастеров!
Но не была бы она женщиной, если бы не придумала одну хитрость.
На одной своей картине она изобразила себя (смотрите первую картину). Хотя жанр натюрморта этого не позволял.
Портретист из неё был неважный, но зато она смогла увековечить свой облик. А ещё она иногда «выбивала» своё имя на ножах, изображённых на картинах.
Клара Петерс. Накрытый стол (деталь). 1615 г. Прадо, Мадрид
Клара писала завтраки и сервированные столы. Прекрасный тому пример – «Натюрморт с цветами и золотым бокалом».
Клара Петерс. Натюрморт с цветами и золотым бокалом. 1611 г. Музей Прадо, Мадрид
Гиперреалистичность и сочетание цветов просто поражают!
Давайте сравним ее работу с картиной современника, замечательного художника Яна Хема.
Слева: Клара Петерс. Натюрморт с золотым бокалом. Справа: Ян Давидс Хем. Стол. Первая половина 17 века. Музей Прадо, Мадрид
Обратите внимание, насколько чувствуется женская рука! На столе Клары гораздо больше порядка, даже чересчур. Золотой бокал стоит точно по центру
И четкость рисунка выше, чем у Хема.
У последнего все-таки воздуха в картине побольше. Но все равно очевидно, что школа у Клары была очень серьёзная.
Над «Натюрмортом со свечой, бокалом и кубком» искусствоведы до сих пор ломают головы.
Клара Петерс. Аллегория свадьбы. 1607 г. Частная коллекция
Кто-то видит в нем собрание мрачных аллегорий. Муха – символ смерти. Свеча – быстротечности времени, кольцо – бренности бытия.
А кто-то говорит, что работа, наоборот, запечатлела счастливое событие – бракосочетание художницы. Поэтому иногда картину называют «Аллегорией свадьбы».
Так что Клара угодила всем: и пессимистам, и оптимистам 
Сегодня работы Петерс выставляются в самых известных музеях мира. В 2017 году, например, музей Прадо устроил выставку ее работ.
Но ее имя все равно НЕ на слуху: оно известно лишь настоящим ценителям голландского натюрморта. Петерс стала ещё одной несправедливо упущенной из виду женщиной-художником.
Используемые материалы
Художники, работавшие в жанре портрет, творили не только красками, но и другими художественными средствами.
Акварель — с ее помощью получается создавать нежные и чувственные портреты, поражающие реалистичностью (Стив Хэнкс «Вдохновение», «Солнце Санта-Фе», Мэри Уайт);
Масло — в их основе растительные компоненты, цвета получаются яркими, глубокими (Леонардо да Винчи «Мона Лиза», Рубенс «Портрет Анны Австрийской»);
Графика — в графике обычно рисуют эскизы, но мастерам удается с помощью карандаша передать настроение героя (Микеланджело «Идеальная голова», Леонардо да Винчи «Туринский автопортрет»).
В современных портретах художники экспериментируют с техникой и материалами, чтобы добиться более совершенных результатов. Выбор материала зависит от того, какой эффект хочет получить живописец.
Элизабет Виже-Лебрен (1755-1842 гг.)
Элизабет Виже-Лебрен. Автопортрет. 1790 г. Галерея Уффици, Флоренция
Свои первые заказы Элизабет Виже-Либрен стала получать … в 15 лет! Впрочем, частенько портреты заказывали поклонники. Они искали повод познакомиться с прехорошенькой художницей :).
Элизабет с раннего детства была окружена неординарными людьми. Отец был художником, брат – писателем. В доме частыми гостями были Дидро, Вольтер. Да и в мужья девушка выбрала художника и торговца живописью.
Элизабет творила в эпоху рококо, самую женственную пору в истории живописи. В это время дам изображали гораздо чаще мужчин. И художник женского пола тоже не вызывал отторжения.
Поэтому Элизабет могла трудиться, рассчитывая на признание. Сосредоточившись на жанре портрета, она очень быстро прославилась. Ей покровительствовала Мария-Антуанетта и другие аристократы.
В чем же был секрет ее славы? Взглянем на портрет «Мария-Антуанетта и её дети».
Элизабет Виже-Лебрен. Мария-Антуанетта с детьми. 1787 г. Версальский дворец
Это прекрасный пример портрета-комплимента – главного жанра, в котором работала художница.
Элизабет знала, как писать своих заказчиц истинными красавицами. Вот и королева Франции белокожа и розовощека.
Но затем грянула революция. Портреты-комплименты во Франции стали никому не нужны. И Виже-Лебрен поехала покорять Россию.
Здесь она создала ряд портретов выдающихся личностей, например, Станислава Понятовского и графини Строгановой. И даже написала портрет принцесс.
Элизабет Виже-Лебрен. Портрет дочерей Павла 1. 1797 г. Эрмитаж, Санкт-Петербург
Дочери Павла I вышли идеальными. Да и с нарядами художница расстаралась. Элизабет была большой модницей и «наряжала» моделей по своему вкусу.
То есть на самом деле у девочек не было таких платьев: их выдумала мадам Лебрен. В наше время она непременно стала бы модельером :).
Заказчики были довольны. Какой же женщине не понравится увидеть себя идеальной! Да ещё в прекрасном платье с изящно рассеянными по нему солнечными бликами.
Хотя нет, одному человеку Элизабет все же не угодила. Екатерине II. Как раз умение живописно льстить очень не нравилось ее Величеству. Поэтому художнице так и не удалось написать портрет императрицы. Хотя, конечно, хотелось.
Сегодня мы вполне можем понять Екатерину II. Работы художницы и правда однотипны. Ведь она всех подгоняла под стандарты красоты той эпохи. Сейчас красотки с пухлыми губами пресловутой уточкой так же похожи друг на друга.
Но у Лебрен есть оправдание. Она была типичным представителем эпохи рококо. Эпохи торжества красоты, легкости и праздности.
Две Фриды
Исполнитель: Фрида Кало
Год: 1939
Две Фриды (1939) — Фрида Кало
Фрида Кало является самым известным мексиканским художником и одним из величайших художников автопортрета всех времен. У нее были бурные отношения с другим известным мексиканским художником Диего Риверой, во время которых они поженились, развелись и вступили в повторный брак. Две Фриды были созданы во время развода Кало с Диего Риверой, и считается, что картина изображает ее потерю. Это двойной автопортрет. Фрида слева одета в белое платье европейского стиля с разорванным и истекающим кровью сердцем, а Фрида справа одета в традиционное мексиканское платье с целым сердцем. Год спустя Кало снова вышла замуж за Риверу, и хотя их второй брак был таким же беспокойным, как и первый, он продолжался до самой ее смерти. «Две Фриды» — это Самая большая работа Кало и, пожалуй, самая известная картина женщины- художника.
Черный ирис III
Исполнитель: Джорджия О’Киф
Год: 1926
Черный Ирис III (1926) — Джорджия О’Киф
Джорджия О’Киф наиболее известна своим чрезвычайно крупным, чувственным планом цветов, который по сути превратил их в абстрактные работы. Цветочные картины О’Киф, на которых цветы изображены так, как будто их видят через увеличительное стекло, позволили зрителям оценить красоту цветка со всеми его деталями, как никогда раньше. Некоторые из этих картин были противоречивы, так как считались завуалированным изображением женской плоти. Знаковые изображения ее ирисов среди них. Однако О’Киф отрицала эти обвинения и сказала, что она просто рисует то, что видела. Черный Ирис III является самой спорной, а также самой известной картиной цветов Джорджии О’Киф.
Императрица Мария Федоровна
Императрица Мария Федоровна (художник Генрих фон Ангели)
Супруга императора Александра Третьего, Мария Федоровна изначально была невестой его старшего брата, Николая (наследника престола). После того, как Николай внезапно скончался, Александр Третий вместе со званием «наследник-цесаревич» получил и его невесту, датскую принцессу Марию Дагмар (в православии Марию Федоровну). Их чувства друг к другу будут взаимными и любящими, брак станет крепким, и Александр Третий в отличие от отца и деда будет примерным отцом и мужем. А Марию Федоровну, с ее веселым характером полюбит весь двор и вся Россия.
Александр Третий рано ушел из жизни, и его жене пришлось пережить три российских революции, эмиграцию из России, и самое тяжелое — расстрел сына императора Николая Второго вместе с его семьей.
Автопортрет в соломенной шляпе
Исполнитель: Луиза Элизабет Виджи Ле Брун
Год: 1782
Автопортрет в соломенной шляпе (1782) — Элизабет Луиза Виджи Лебрун
Пожалуй, величайшая женщина-живописец XVIII века мадам Лебрен написала множество портретов королевской семьи, особенно королевы Франции Марии-Антуанетты. Она стала пионером нового стиля изображения женщин в модной, стильной и очаровательной манере; и её автопортрет свидетельствует об этом. «Автопортрет в соломенной шляпе», на котором Ле Брун изображена в естественном стиле с деревенской соломенной шляпой, без пудры и с неопрятными волосами, является самой известной работой художника и одним из самых известных автопортретов, когда-либо созданных. Виже Ле Брюн вдохновилась на создание этого автопортрета Портретом Сюзанны Лунден, работой известного фламандского художника Питера Пауля Рубенса. Эти две работы имеют несколько сходств. Мадам Лебрен имитирует световые эффекты, используемые Рубенсом. Обе картины теперь можно посмотреть в Национальной галерее в Лондоне.
Иконы
Истоки женского портретного искусства уходят глубоко в века — в иконопись. Ведь каноны живописи, пришедшие на Русь вместе с христианством, неминуемо наполнялись мироощущением русских иконописцев.
В строгие византийские лики с течением времени проникали характерно русские черты. Особенно это касается образа богоматери.
Толгская икона Божией Матери. 13 век
Феофан Грек.Донская икона Божией Матери.1390-е
Казанская икона Божией Матери. 17 век
Иконопись, парсуна (ранний жанр изображения на Руси), зарождение новой школы портрета. Непросто, болезненно шел процесс становления европейских принципов изображения. Конец 17-го и первая половина 18-го века знаменовали их развитие и упрочение.
Ракурс
Художник может изобразить человека на полотне:
- в полный рост (Валентин Серов «Портрет актрисы Ермоловой»);
- по колени (Рембрандт «Портрет старика»);
- по бедра (Брюллов А.П. «Портрет Н.Н. Пушкиной»);
- по пояс (Луи Токке «Портрет дофина Людовика»);
- по грудь (Аргунов Иван «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме»).
На портрете может быть разное положение головы:
- в анфас — когда модель смотрит прямо (Иван Крамской «Портрет крестьянина»);
- в четверть поворота направо или налево (Илья Репин «Портрет композитора М.П. Мусоргского»);
- в три четверти (Караваджо «Святая Екатерина Александрийская»);
- в профиль (Сандро Боттичелли «Женский портрет»).
На выбор ракурса и положения влияет обстановка, соотношение света и тени, и задумка самого живописца.
Потеря ребенка
Потеря ребенка — еще одна важная тема, которую в искусстве достаточно долго отображали только мужчины.
Евангельский сюжет об избиении младенцев был очень популярен в XIII–XVII веках.
Художники стремились передать весь ужас этого события: бессердечные стражники грубо хватают малюток, чтобы немедленно предать их смерти, а обезумевшие матери пытаются спасти своих детей.
Нельзя сказать, что подобные сцены были лишены реалистичности: многочисленные войны вполне могли служить для них прообразом (у того же Брейгеля мы видим в роли стражников карательные отряды герцога Альбы, славящегося своей непримиримой жестокостью в истреблении нидерландских протестантов).
Питер Брейгель (Старший) «Избиение младенцев» (ок. 1565–1567)
Однако взгляд художника-мужчины — это всегда взгляд со стороны. Что у Джотто, что у Никола Пуссена сцены избиения младенцев работают в лучших традициях драматического театра. Кричащие и плачущие женщины противопоставляются суровым воинам с оружием в руках, а обнаженные младенцы, лежащие на земле словно куклы, остаются недвижимы и беззащитны.
Джотто ди Бондоне «Избиение младенцев» (ок. 1306)
В этих сценах четко разделены добро и зло, сила и слабость. Женщины, как и дети, всегда пассивные объекты, жертвы действий мужчин.
Никола Пуссен «Избиение младенцев» (1629)
Более глубоко страдание матери, потерявшей ребенка, раскрывается в иконографии Пьеты — сцены оплакивания мертвого Христа Марией.
Сам сюжет возник в XIII веке в Германии и быстро распространился по всей Европе.
Изначально Марию изображали изможденной пожилой женщиной, держащей на руках истерзанное тело взрослого сына, но с развитием культуры Ренессанса образ стал меняться: Мария заметно помолодела, да и у Христа исчезли следы истязания. Исследователи полагают, что сюжет Пьеты возник как трагическая параллель к «Мадонне и младенцу».
Джованни Беллини «Мадонна на лугу, или Мадонна в зелени» (ок. 1505)
Таким образом художник соединил два главных христианских сюжета в одной композиции.
Женщины тоже обращались к сюжету Пьеты, но к христианскому канону в их работах, как правило, примешивался субъективный опыт утраты.
В 1938 году художница Кэте Кольвиц создала скульптуру «Мать с мертвым сыном», которая в 1993 году превратилась в мемориал жертв войны и тирании в Германии.
Кэте Кольвиц «Мать с мертвым сыном» (1938)
Несмотря на героический пафос, работа Кольвиц — результат личного переживания и несет в себе трагический опыт самой художницы. В Первой мировой войне погиб ее младший сын, а Вторая мировая забрала и внука.
В работах «Мать с двумя детьми» (1934), «Башня матерей» (1937–1938) и «Семена посева не должны быть перемолоты» (1941) Кольвиц обращается к социальному и политическому высказыванию. Идейные установки фашистской Германии предопределяли роли женщин и детей служением фюреру, поэтому художница изобразила матерей, которые своим телом, словно щитом, закрывают потомство от тлетворной идеологии.
Кэте Кольвиц «Мать с двумя детьми» (1934)
Кэте Кольвиц «Башня матерей» (1937–1938)
Кэте Кольвиц «Семена посева не должны быть перемолоты» (1941)
Творчество мексиканской художницы Фриды Кало скорее напоминает дневник — настолько много в ее картинах сокровенных переживаний. И одна из самых болезненных тем у Кало — невозможность стать матерью. В 18 лет Фрида попала в аварию и из-за полученных травм навсегда лишилась способности выносить ребенка.
Потерянный ребенок, орхидея (возможно, прообраз матки — «соединение сексуального и сентиментального»), улитка (сам процесс выкидыша, когда плод медленно выходит из лона), анатомический женский макет («попытка объяснить устройство женщины»), металлический механизм («механическая часть любого дела») и кости малого таза (перебитые в аварии, они стали причиной, по которой Фрида так и не смогла родить).
Фрида Кало «Больница Генри Форда» (1932)
Кровать Фриды словно парит в пустом пространстве на фоне безликого урбанистического пейзажа, который подчеркивает ее одиночество и отчаяние.
Джорджия О’Кифф (1887-1986 гг.)
Джорджиа О’Кифф. 1915. Ru.wikipedia.ru.
Удивительная фигура модернизма – художница Джорджия О’Кифф. Она всегда творила на грани, умело балансируя между искусством предметным и абстрактным, чётким рисунком и цветовыми пятнами вне фокуса.
Главным героем её произведений была природа. Но художница выбирала очень неординарные ракурсы и предметы. То цветок очень крупным планом. То … череп животного.
Познакомимся сначала с картиной «Ирис».
Джорджиа О’Кифф. Ирис. 1924 г. Частная коллекция. Artchive.ru.
Цветок, конечно, узнаваем. Но по сути это абстракция и вольная работа художника с цветом и формой.
О’Кифф, как истинная женщина, пошла на такую уловку. Публика в начале 20 века ещё негативно относилась к чистым абстракциям. И это объяснимо. Наш мозг так устроен, что во всем ищет узнаваемые образы.
Джорджия облегчает зрителю путь к наслаждению своими работами. Она обозначает образ – наш мозг его сразу узнает. И, расслабляясь, уже получает удовольствие от сочетания цветов.
Но в ее «Ирисах» есть еще кое-что необычное. Эти безобидные цветы явно намекают на женскую сексуальность. Хотя сама художница всегда удивлялась такой интерпретации, говоря, что это всего лишь цветы.
Будем считать, что О’Кифф неосознанно, но свободно выражала себя. А женщиной она была в плане сексуальности весьма неординарной.
Известны факты о ее бисексуальности. А после смерти своего супруга, известного фотографа Альфреда Стиглица, 62-летняя Джорджия закрутила роман с 30-летним молодым человеком.
А теперь посмотрим на ее «Череп оленя».
Джорджиа О’Кифф. Череп оленя. 1936 г. Музей изящных искусств, Чикаго. Artchive.ru.
Мы видим череп животного на фоне пустынного дикого пейзажа. Сочетание образов смерти (череп) и вечности (горы) действует магически, согласитесь.
Кажется, что О’Кифф совсем отказалась от полуабстракций. На самом деле череп и очертание горы – это тоже лишь повод поэкспериментировать с цветом и формой.
Но образы опять же узнаваемы: они помогают зрителю «войти» в произведение и отдаться эмоциям.
Поступки мадам О’Кифф были такими же необычными, как и ее работы. Например, она была богата, но очень скупа. Сама пекла хлеб, чтобы не тратить деньги. Имея два мерседеса, никогда не ездила на них.
Эта удивительная дама всегда говорила, что знает, чего хочет, пускай её мотивы и не понятны остальным. В конце концов, гениальность часто граничит с «сумасшедшинкой».
Известные зарубежные портретисты
В изобразительном искусстве есть мастера, которым удалось создать настоящие шедевры в портретном жанре. Им удалось передать не только внешнее сходство, но и характер героя картины.
Леонардо да Винчи
Итальянский живописец, скульптор, ученый. Он проводил много времени за изучением анатомии человеческого тела, что позволило ему рисовать реалистичные картины. Леонардо да Винчи был известен своим стремлением к совершенству, он мастерски передавал на картинах игру света и тени. Самые известные портреты итальянского гения — «Мона Лиза», «Дама с горностаем», «Портрет музыканта».
Рафаэль Санти
Один из самых ярких представителей эпохи Возрождения. Занимался не только живописью, архитектурой. На своих полотнах ему удалось передать различные эмоциональные оттенки. Рафаэль Санти считался одним из самых «гармоничных» художников.
Тициан
Еще один известный портретист из Италии. Его современники полагали, что его кисть наделена магическими способностями. Тициан написал много полотен на мифологические и религиозные темы. Позже многие художники старались скопировать его стиль, но никому не удалось достигнуть его уровня мастерства.
Альбрехт Дюрер
Немецкий живописец, один из известных представителей эпохи Ренессанса. После себя он оставил не только полотна, но и гравюры. Также Дюрер уделял много времени усовершенствованию искусству ксилографии. Альбрехт любил писать автопортрет и всегда стремился к гармонии и совершенству.
Питер Рубенс
Фламандский живописец, дипломат. Творил в эпоху расцвета барокко. Уделял много внимания ракурсу модели. Ему нравилось писать портреты дам, передавать чувственность на своих полотнах.
Современники отмечали необычайную трудоспособность Рубенса. Он не только успевал работать, но и проводить встречи с учениками.
Рембрандт
Голландский художник, известный как мастер светотени. Писал не только портреты, но и гравюры
Он не акцентировал внимание на второстепенных деталях, предпочитая максимально раскрыть внутренние переживания своего героя. Несмотря на свой талант, Рембрандт не переставал искать себя в творчестве и постоянно совершенствовал свое мастерство
Диего Веласкес
Испанский мастер кисти, занимал должность придворного живописца. В 18 лет при участии своего учителя сумел открыть свою мастерскую. Будучи придворным живописцем изображал не только знать, но и простой люд, в особенности угнетаемых людей — карликов, шутов.
Это далеко не полный список мастеров портретной живописи. Ошибочно полагать, что все живописцы работали на заказ и писали богатых людей. С помощью своих полотен они исследовали внутренний мир человека, все грани его личности.
20 век
Живопись начала 20-го столетия ! Сколько открытий, новых направлений в искусстве появилось! Модерн, фовизм, примитивизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм (подробнее читайте в нашей статье).
Художники искали новые способы выразить окружающую действительность и образ русской женщины. Новые веяния времени изменили женский портрет. На полотнах появились яркие образы, сильные натуры, фактурный колорит.
Ф.А.Малявин.Верка.1913
К.С.Петров-Водкин.Мать.1915
И.И.Машков.Дама с контрабасом.1915
К.С.Петров-Водкин.Портрет А. А. Ахматовой.1922
Б.М.Кустодиев.Купчиха за чаем.1918
После Октябрьской революции 1917 года появилось новое направление в искусстве — социалистический реализм. Художники изображают современниц новой формирующейся советской эпохи: сильных, решительных, волевых, с твердым характером (как контраст утонченным, изысканным дамам прошлых веков).
К.Ф.Юон.Комсомолки. Подмосковный молодняк.1926
К.С.Малевич.Работница.1933
О.Д.Яновская.Делегатки VI съезда.1932
А.А.Дейнека.Портрет девушки с книгой.1934
А.Н.Самохвалов.Девушка в футболке.1932
З.Серебрякова
Необычайно талантливая З.Е.Серебрякова (1884-1967) — одна из первых русских женщин-художниц. Она создала удивительную по проникновенности галерею женских образов. На своих полотнах она часто изображает знакомых и близких людей.
З.Е.Серебрякова.За туалетом. Автопортрет. 1909
З.Е.Серебрякова.Портрет А.А. Бенуа-Черкесовой с сыном Александром.1922З.Е.Серебрякова.Портрет балерины Е. Н. Гейденрейх в красном.1923
Среди работ высочайшего живописного качества “Портрет О.К.Лансере, урожденной Арцыбушевой”. Модель- жена ее брата, Е.Лансере, замечательного графика 20-го века. Произведение хочется сопоставить с известным автопортретом Серебряковой “За туалетом”. Молодые женщины даже внешне кажутся похожими, впрочем, это распространенное свойство серебряковских работ.
З.Е.Серебрякова.Портрет О. К. Лансере.1910
Но по-настоящему роднит эти две работы ощущение счастья, гармонии мира и личности, которую так удавалось передать художнице особенно в ранних вещах.
Портреты жен художников
Среди женских образов того времени можно выделить своеобразную линию — изображения супруг художников. Конечно, подобные работы встречались и раньше. Но в 20-ом столетии он знаменует собой новые взаимоотношения живописца и зрителя.
Вместо портретов, ориентированных вольно или невольно на общественные вкусы, в искусстве начала 20-го века появляются вещи, в которых автор выражал себя более свободно.
Естественно, что лучшей моделью здесь являлся близкий человек. “Портрет М.П.Лентуловой” кисти А. Лентулова, “Портрет Е.М.Бебутовой” П.Кузнецова, “Портрет М.Ф.Петровой-Водкиной” К. Петрова-Водкина, много и других примеров.
При всей непохожести названных работ по манере, образной трактовке они обладают одним общим качеством — лиричностью, теплотой авторского взгляда.
И.И.Бродский.Портрет Л. М. Бродской на террасе.1908
А.В.Лентулов. Портрет М.П.Лентуловой. Исследование символического сходства. 1912
К.С.Петров-Водкин.Портрет М. Ф. Петровой-Водкиной.1907
Александра Струйская
Картина: «Портрет Струйской», 1772 г.
Увидев однажды портрет юной Сашеньки Струйской, уже невозможно забыть эту романтичную девушку – она одета в светлое платье, у нее огромные глаза с завораживающим взглядом, длинная коса…
Александру выдали замуж за обеспеченного вдовца – Николая Струйского, когда ей было 18 лет. Ходит легенда, что он подарил девушке на свадьбу новую церковь, и посвящал ей стихи.
Неизвестно, были ли Александра и Николай счастливой семьей или сталкивались с трудностями, но гости, которые наведывались к ним, замечали, как супруги не подходят друг другу.
Брак их длился 24 года, за это время Александра смогла родить 18 детей – к несчастью, 10 из них умерли еще в младенчестве. Александра прожила до глубокой старости, взяв на себя управление поместьем.
Портрет написал художник Федор Рокотов.
Графиня Юлия Самойлова
Карл Брюллов, «Всадница»
Картину «Всадница» Карлу Брюллову заказала графиня Юлия Самойлова. Она была одной из самых красивых и богатых женщин России. На картине изображены две девочки — Джованнина и Амацилия. Считается, что они являются родными сёстрами. На картине Джованнина изображена сидящей на коне, а Амацилия стоящей на балконе рядом с собакой.
Девочки являлись приемными дочерьми графине Самойловой. После смерти их отца — композитора Джованни Пачини, графиня взяла их на воспитание.
Самойлова обещала оставить девочкам большое наследство. Несмотря на крупное состояние, к старости она разорилась и умерла в бедности в Париже. Девочки даже пытались отсудить у неё деньги с помощью адвоката.
А. Пэн. Портрет княжны Татьяны Борисовны Куракиной. 1-я половина 18 века.
Э. Виже-Лебрен. Портрет Варвары Ивановны Нарышкиной,1800.
Владимир Боровиковский. Портрет Любови Кушелевой с сыновьями. 1804
Жан-Лоран Монье. Портрет Софьи Строгановой. 1808.
Петр Соколов. Портрет Софьи Бобринской. 1827.
И. Макаров. Портрет Ольги и Варвары Араповых. 2-я половина 19 века.
Ф. К. Винтерхальтер. Портрет Варвары Алексеевны Мусиной-Пушкиной, после 1857.
Андрей Соколов. Портрет Любови Гауш. 1900-е.
Художники во все эпохи стремились увековечить своих самых ярких и прекрасных современниц: аристократок и крестьянок, утонченных актрис и усталых матерей. В каждой женщине своя загадка, у каждой — своя правда жизни, каждая неотразимо обаятельна. Портреты, написанные лучшими живописцами, донесли до нас неповторимые облики, глубокие сильные характеры, трагические и счастливые судьбы русских женщин. Воистину — красота спасёт мир!
Захотелось поделится с вами красотой русской женщины в национальном убранстве, воспетой замечательными художниками: Маковским К.Е. и нашим современником Владиславом Нагорновым.
Чечилия Галлерани
Картина: «Дама с горностаем», 1489-1490 гг.
Считают, что «Дама с горностаем» – лучшая работа Леонардо да Винчи. Девушка на портрете – Чечилия, в 10-ти летнем возрасте была помолвлена (тогда ранние браки были распространены).
Однако через 4 года помолвке пришел конец, а Чечилия оказалась в монастыре, где судьба свела ее с Людовико Сфорца – герцогом миланским. Между ними завязались отношения, и после того, как девушка забеременела, Людовико пригласил ее жить у себя в замке.
Впоследствии Герцог взял в супругу другую женщину, а когда Чечилия родила сына – он забрал его себе и выдал девушку за бедного графа. От этого брака на свет появилось четверо детей, Галлерани держала литературный салон, однако спустя время ее муж погиб, ничего ей не оставив.
Девушку приютила сестра герцога, у которого она проживала в замке. Чечилия прожила до 63 лет в своем имении.
Зинаида Юсупова
Картина: «Портрет Зинаиды Юсуповой», 1902 г.
Княжна Зинаида Юсупова – самая богатая и знатная наследница Российской империи, а также крупная благотворительница. Веками князья Юсуповы приумножали свое богатство и занимались строительством империи.
Зинаида мечтала вступить в брак только по любви, и ее желание осуществилось – она вышла замуж за Феликса Николаевича, и родила двух мальчиков. В жизни княгини произошло горе – она потеряла одного из сыновей, Николая, он погиб на дуэли накануне своего 26-летия.
После начала Февральской революции Юсуповы обосновались в Крыму, но когда Зинаида потеряла своего супруга, переехала жить в Париж к своему сыну Феликсу и его жене, где умерла в возрасте 78 лет.
Картину написал Валентин Серов – русский художник.
Разбитая колонна
Исполнитель: Фрида Кало
Год: 1944
Разбитая колонна (1944) — Фрида Кало
17 сентября 1925 года, Фрида Кало и ее друг Алекс ехали в автобусе, когда он врезался в уличный трамвай. Из-за серьезных травм, которые Фрида получила в результате несчастного случая, ей пришлось сделать 35 операций за свою жизнь, перенести рецидивы сильной боли. Так же после этого несчастного случая она не могла иметь детей. Работы Кало часто изображают травму, которую ей пришлось пережить в своей жизни, и эта работа является наиболее заметным изображением ее страданий. В этом шедевре тело Кало раскрывается, а осыпающаяся каменная колонна заменяет её позвоночник, символизируя последствия аварии. Ногти впились в лицо и тело; на лице видны слезы, но она смотрит прямо на зрителя. Сломанная Колонна — самое прямое и безжалостное описание агонии, с которой она столкнулась в своей жизни.
В заключение
Такие разные, удивительные, неповторимые женщины-творцы стали яркими символами своих эпох:
Артемизия Джентилески – это барокко XVII века;
Клара Петерс – натурализм малых голландцев того же XVII века;
Элизабет Виже-Лебрен – рококо XVIII века;
Мэри Кассат – импрессионизм XIX века;
Наталья Гончарова – русский авангард XX века;
Джорджия О’Кифф – модернизм XX века;
Фрида Кало – сюрреализм того же XX века.
Не все имена, к сожалению, у любителей живописи на слуху. Но сейчас мы постепенно вспоминаем их. Ведь они покорили-таки живописный Эверест.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.