Фототелеграф

Виктор Антонов

Художник из Болгарии, позже переехал во Францию. Виктор Антонов известен в первую очередь как главный дизайнер, арт-директор и концепт-художник Half‑Life 2. Общий вид и архитектура Сити 17, большинство локаций и технологий Альянса были созданы при участии Антонова.

Изображения: Виктор Антонов

Изображение: Виктор Антонов

Изображение: Виктор Антонов

После Valve художник сотрудничал со студией Arkane Studios, создавая концепты транспортных средств и локаций Dishonored, а также общий визуальный дизайн игры. Позже выступал в роли директора по визуальному дизайну ZeniMax, консультировал разработчиков из Arkane, id Software и Bethesda. При его участии вышли Fallout 4, Wolfenstein: The New Order, Prey, Doom и Dishonored 2.

Взлёт карьеры

Переход Ганнибала через Альпы

В конце 1799 года Тернер уже член-корреспондент Королевской академии. Через два года получил звание академика, став в истории учебного заведения первым художником столь юного возраста, удостоившимся такого звания. Теперь его произведения выставляются, минуя отборочную комиссию, которая, впрочем, была благосклонна к молодому дарованию. Так, ещё до звания академика нашумела картина Тернера «Море у Бриджуотера». После её выставки художника наделяли самыми приятными эпитетами и даже сравнивали с Рембрандтом.

Искусство Тёрнера постоянно совершенствовалось. Причём вода, архитектура, воздух, ландшафт интересовали художника с научной точки зрения их взаимодействия. Его акварели теперь так же выразительны и поэтичны, как обычно бывают работы, написанные маслом. Картины художника Тернера на исторические темы, в частности о Наполеоновских войнах, также понравились публике и сделали их автора более известным живописцем, которому под силу широкий спектр тем.

В 1807 году художник назначен на профессорскую должность. К преподавательской работе относился очень ответственно, охватывая в лекциях материал, гораздо больший, чем того требовала должность (профессор перспективы). Но его, не обладающего хорошей дикцией и поставленным голосом, студенты слушать не любили. Раскрывался как страстно любящий искусство преподаватель Тёрнер в другом – когда речь шла не о теории, здесь уж ученики боялись пропустить слово.

Валерий Зражевский

Валерий Зражевский — ведущий российский концепт-художник 4A Games. Помимо работы над будущей игрой из серии «Метро», он участвовал в создании фильмов «Особо опасен», «Чёрная молния», «Аполлон 18», «Президент Линкольн: Охотник на вампиров», «Время первых» и «Землетрясение».

Изображения: Валерий Зражевский / ArtStation

Изображения: Валерий Зражевский / ArtStation

Изображения: Валерий Зражевский / ArtStation

«Для успешного старта в концепт-арте вам понадобятся навыки 2D-рисования, будь то знание человеческой анатомии или перспективы. Они должны быть на хорошем уровне. Обязательно ли получать художественное образование? Да, оно даст определённое преимущество, но знаю людей без академического образования, которые вдохновлены и горят своей работой. Им очень нравится их профессия, и они много практикуются — именно страсть к рисованию даёт главное преимущество на рынке».

Валерий Зражевский — руководитель курса Skillbox «Концепт-арт в кино

Постапокалиптические картины маслом

Фантастика какая-то. От этих картин по каким-то необъяснимым причинам невозможно отвести взгляд. Шведский художник Саймон Сталенхаг пишет смесь из научной фантастики в духе Лема и Булычева и незатейливого, трогательного быта европейских 80-х. Теплые ламповые картины, в которых соединяет старенькую автомобильную классику, спокойную природу, постапокалиптических роботов и трогательных, вечно любопытных детей. И делает он это так, что мозгом понимаешь, что это просто фантазия, что так быть не может, но все равно веришь. Война закончилась, ядерная зима прошла, жизнь налаживается, дети растут. Роботы немножко поржавели, и динозавры откуда-то взялись. А так — все нормально, жить можно. И очень хочется туда.

Оставить комментарий

Привет, Гость!Для отправки комментария введи свои логин и пароль или зарегистрируйся на сайте.

Или войти с помощью: 

Современное искусство: Кинетическое искусство

«Kinetikos» в переводе с греческого обозначает движение. Популярность направления в Европе началась в 50х годах ушедшего века. После того, как получили известность работы А. Родченко, В.Татлина и К. Мельникова, отображающие динамическую пластику. Сегодня кинетическое искусство предлагает по-разному смотреть на движение. Это могут быть колебания воздуха, электромагнитные воздействия или работа мотора. В качестве материалов могут применяться как классические, так и сверхсовременные средства, например, лазеры и компьютеры. Часто в творчестве для создания иллюзии используются зеркала, световое освещение, звук, светомузыка. Широкое применение кинетическое искусство получило при организации общественных интерьеров, выставок, парков, дискотек и ярмарок.

Палитра становится ярче – публика холоднее

Дидона, основательница Карфагена

Художник не собирался ничего менять и меняться сам – через краски он выражал себя. С 1830-х критика в адрес Уильяма Тёрнера звучала всё чаще и громче. Даже королева Виктория приняла решение, что он недостоин звания рыцаря, и ему было отказано. Мало кто осмеливался защищать живописца. Одним из заступников стал Джон Рёскин (1819-1900), но слова молодого деятеля искусств в защиту «величайшего художника всех времён», как он его назвал, тонули в гневных высказываниях старожилов.

Новаторство в творчестве Тернера, несмотря ни на что, набирало обороты и стало первыми искрами – до импрессионизма оставалось лет пятьдесят. Иные работы были написаны на грани абстракционизма, до которого было чуть дальше. В некоторых выпадах даже звучали обвинения в сумасшествии.

Современное искусство: Сюрреализм

В последние годы минувшего столетия наблюдалось некоторое охлаждение интереса к модернизму. Ему на смену пришло новое направление в западном искусстве — сюрреализм. Первые картины в таком стиле были созданы еще С. Дали. Особенностью таких произведений стало сочетание частей предметов в деформированном стиле. Примером тому является картина «Атропоморфный шкаф» С. Дали. Она отражает размещение в животе человека картотечного ящика. Еще один пример — картина «Красная модель» Р. Магритт, где стена засасывает охотника. Логическое обоснование сюрреализму дал психолог Андре Бретон, пояснив, что описываемое направление позволяет выразить внутренние мысли, неподконтрольные разуму и лишенные морали. Кроме того, сюрреализмом была объявлена вера в ранее непризнанную реальность, в могущество сна. Сильное влияние на формирование сюрреализма оказала концепция психоанализа З. Фрейда, утверждавшего, что психика человека подчинена внешним силам. Также он подчеркивал, что сущность человека отражается в снах и искусстве. В Западной Европе по сегодняшний день произведения искусств, отражающие причудливость и уродливость форм, имеют высокую оценку. Поэтому вполне понятно, почему до сих пор ими наполняются залы многих музеев.

Джама Джурабаев

Концепт-художник родом из Таджикистана. В 90‑х Джама Джурабаев на время бежал от гражданской войны, поступив в турецкий университет, где сначала изучал компьютерную инженерию, а затем — авиакосмические технологии. Во время и после учёбы в университете он самостоятельно изучал дизайн, выкладывал работы в интернете и в результате получил приглашение на стажировку от английской студии графики The Moving Picture Company (MPC). Сейчас Джама живёт в Лондоне, а в его портфолио входят работы для фильмов студий Lucasfilm и Marvel, а также Стивена Спилберга и Гая Ричи.

Изображения: Джама Джурабаев / ArtStation

Изображения: Джама Джурабаев / ArtStation

Изображения: Джама Джурабаев / ArtStation

Современное искусство: Гиперреализм (фотореализм)

Данный вид творчества зародился в США в 70х годах и до сих пор находит свое отражение в современном искусстве. Фотореализм и сегодня отражается в живописи и скульптуре западных стран. Цель данного направления заключается в отображении окружающего нас мира в сверхреальном видении. Примером фотореализма могут стать отраженные на стекле или полированной поверхности машин улицы, магазины, жилые здания. В выставочных залах гиперреализм позволил выставлять полимерные человеческие фигуры, практически не отличающиеся по внешнему виду от живых людей. Фотореализм в условиях технического прогресса стремится усилить восприятие обыденной современности, скрывая при этом чувства автора.

Краткая биография художницы Агнес Мартин

Раннее детство

Агнем Мартин родилась 22 марта 1912 года в Маклине (Канада), умерла в 2006 году в городе Таос (Нью-Мексико). Агнес происходила из бедной семьи, ее отец умер, когда девочке было 2 года, мать поднимала семью сама, занимаясь в сфере DIY — декорировала старые вещи и перепродавала их.

Обучение

С 1935 по 1938 Агнес обучалась в колледже Вестерн Вашингтон в Беллингеме (Western Washington College of Education in Bellingham).

Работа

Агнес Мартин после учебы решила посвятить себя преподавательской карьере и поступила в колледж преподавания при Колумбийском университете в Нью-Йорке. В это же время она начинает посещать лекции Кришнамурти и мастера Дзен (Zen) Т. Д. Судзуки. Занятия очень глубоко затронули ее мировоззрение и повлияли на изменение восприятия окружающего мира.

Агнес Мартин продолжала работать учителем и оттачивать художественное мастерство. Ее первая выставка состоялась в Таосе в Нью-Мексико при Харвудском Музее Искусств. В то время она уже продавала свои работы, но продавались картины плохо и художница жила бедно, стоически претерпевая все трудности.

Портрет Агнес Мартин

Работа проходила в творческой атмосфере, художница общалась с коллегами по цеху и в какое-то время ее заметил Бетти Парсонс, галерист. В 1958 году состоялась ее первая персональная выставка в галерее Парсонс (Parsons Gallery). На Агнес мартин в тот период очень сильно повлияли художники Абстрактного Экспрессионизма: Эд Райхард и Марк Ротко (Ad Reinhardt and Mark Rothko).

Поначалу ее абстрактные пейзажи копировали стилевые особенности современников, но затем она приобрела свой неповторимый авторский почерк.

Как Агнес Мартин говорила в интервью журналу Times (London), она достигла свой творческой зрелости в 1960 году, что ее метод опирается на «квадратный формат; холст нужно загрунтовать двумя слоями гипса; далее карандашами рисуются линии; затем идут неплотные тонкие эфемерные слои: первый маслом, второй в акриле, который она предпочитала потому что так все намного быстрее высыхало».

Агнес Мартин

Она придерживалась этих методов и своего стиля в дальнейшем, ее работы со временем становились прибыльнее и критика стала говорить об Агнес Мартин уже всерьез. Выставки Мартин проходили в разных странах: Франции, Англии Японии и других. Она вступала на телевидении, проводилась ретроспектива ее работ. Ее картины сегодня входят в фонды различных влиятельных музеев мира. 

Мартин написала несколько книг, которые не относятся к живпописи.

Вклад в искусство Агнес Мартин

Фиолософия Агнес Мартин

Агнес Мартин говорила о том, что если перестать много работать и тратить силы, то к человеку начнет приходить ясность ума и понимание счастья. Она всегда работала в спокойном ритме и хорошем настроении.

Ее работы обращаются к личному и духовному зрителя, в отличие от «интеллектуальной» и «проблемной» живописи совремнников.

Награды Агнес Мартин, признание творчества

Агнес Мартин была удостоена многих наград:

Harper’s Bazaar: «100 успешных женщин», 1967

Официально принята в члены Американской академии искусств и писем (American Academy of Arts and Letters)

«Золотой лев» на Веницианском биеннале, 1997

«Национальная медаль искусств» (NEA), Национальный вклад в искусство США (высшая награда в США за вклад в искусство от правительства США, вручается президентом США).

Фото картин Агнес Мартин:

1962

Figure 2. Agnes Martin, Wood I, 1963 Watercolor and graphite on paper, 15 x 15 1/2 inches (38.1 x 39.4 cm) Gift of Sally and Wynn Kramarsky, The Museum of Modern Art, New York.

Agnes Martin, The Wedding (idea), 1958, gouache and graphite on paper, 22.8 x 22.8cm, 9 x 9 inches

Agnes Martin, Untitled, 1958, watercolour and graphite on paper, 22.6 x 22.2 cm, 8 7/8 x 8 3/4 inches and for homepage

Agnes Martin ‘Faraway Love’, 199

Agnes Martin, Untitled, 1958, watercolour and graphite on paper, 22.6 x 22.2 cm, 8 7/8 x 8 3/4 inches and for homepage

Agnes Martin (1912-2004). Homage to Greece. PRICE REALIZED. $1,874,500

Aurelie Nemours, Detail of ‘Carré-couronne-Re Rom 337’, 1970-1980

Главный редактор журнала Estemine.com, freemasons

Материал подготовлен при использовании источников: http://taos.org/, wikipedia.org и других страниц www.

Личная жизнь

Вместе с Тернером жил его отец, который помогал сыну в работе и поддерживал все его начинания. Отец и сын были очень близки. В 1829 году отца не стало – для Уильяма это стало настоящей трагедией, принесшей пустоту. С этих пор он стал время от времени впадать в депрессию. Мать художника окончила дни в специализированной клинике. Любые разговоры об этом выводили Тернера из себя – глубоко внутри он опасался, как бы болезнь матери не сказалась и на его психике (как дурная наследственность).

Тернер никогда не был женат. Его женщинами были вдовы: первая, Сара Дэнби, старше художника на 10 или 15 лет, позже вторая, София Кэролайн Бут, младше на 23 года. В доме второй, Софии, он и встретил старость. Здесь 19 декабря 1851 года художник умер, завещав свои произведения британскому народу. Сегодня многие его работы в коллекции Лондонской галереи Тайт.

Работа в журналах

Главный редактор пригласила Мартина на работу в Harper’s Bazaar, и он переехал в Нью-Йорк. Там новатор представил миру первую обнаженную фотографию. Он также работал в Life и Ladies ‘Home Journal, что позволило ему привнести свой стиль в фотографии звезд Голливуда. Вместо того, чтобы создавать традиционные позы для камеры, Мункачи просил знаменитостей танцевать, прыгать и крутиться, наполняя снимки своей личностью и энергией. В отличие от обычной практики съемок в студии, он часто выезжал с моделями на воздух – пляж, ферма, поле или аэропорт. Мартин создавал портреты великих актрис и актеров вроде Кэтрин Хепберн, Лесли Говарда, Джин Харлоу, Джейн Рассел и даже трубача Луи Армстронга. До сегодняшнего дня его стиль освещения спортивных и политических событий, досуга и моды считается непревзойденным и единственным в своем роде.

«Мой трюк состоит в том, чтобы отказаться от всех трюков», – писал Мартин Мункачи в 1935 году. «Никогда не ставьте своих моделей в позы. Пусть они двигаются естественным образом».

Редакция Harper’s Bazaar

Атмосферно-эмоциональные картины с посланием из апокалиптического мира (23 фото)

Фантастические картины животных в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Обеспокоенный глобальными проблемами, связанными с загрязнением окружающей среды, художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth), создал атмосферно-эмоциональную серию картин с посланием, в которых главными героями являются животные, обитающие, увы, не в дивных лесах, а на просторах постапокалиптических пейзажей. И, несмотря на то, что на первый взгляд эти работы выглядят, не так уж и ужасающе, суть от этого не меняется, ведь среди всей этой грязи, в скором будущем может оказаться весь мир…

Футуристические картины животных в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Картины с посланием. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Картины художника Мартина Виттфута (Martin Wittfooth).

Работы художника Мартина Виттфута (Martin Wittfooth).

Животные в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Картины со смыслом. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Картины, в которых отчётливо видны глобальные проблемы, связанные с загрязнением окружающей среды. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Картины животных в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Эмоционально-атмосферные картины художника Мартина Виттфута (Martin Wittfooth).

Художник Марцин Овчарек в своих работах, так же раскрывает тему глобальных проблем современного человечества. Мрачные, а местами и вовсе жуткие цифровые картины не только навевают ужас и тоску, но и заставляют задуматься над тем, что люди – главный источник всех катаклизмов и катастроф…

Впечатляющие картины животных в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Картины животных в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Проникновенные картины животных в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Картины художника Мартина Виттфута (Martin Wittfooth).

Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Работы художника Мартина Виттфута (Martin Wittfooth).

Животные в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Работы современного художника Мартина Виттфута (Martin Wittfooth).

Картины современного художника Мартина Виттфута (Martin Wittfooth).

Фантастические картины животных в постапокалиптической среде. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth)

Картины с посланием. Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Художник Мартин Виттфут (Martin Wittfooth).

Интересные материалы:

Внешность соответствует методам работы

Это был невысокий, коренастый, крепкий мужчина с грубоватым лицом. Он мало заботился о своей внешности. Если бы не положение, так бы и ходил перемазанным красками. Внешне напоминал простого моряка или извозчика, но никак не академика. Сам признавал, что к труду относится, как к главному секрету успеха, не знал «другого гения, кроме гения упорной работы».

Случалось, Тёрнер писал способом «одновременной игры» – пока одна картина подсыхает, он колдует над другой, третьей. Но совсем лишало дара речи современников художника, когда тот подходил к своей картине буквально в последние минуты перед открытием выставки, чуть плевал в выбранную точку и пальцем доводил картину до нужного совершенства, по мнению автора.

Постапокалипсис глазами дизайнеров. Настоящее и будущее – Ярмарка Мастеров

Постапокалиптика — жанр научной фантастики, в котором действия развиваются в мире после какой-либо глобальной катастрофы.

Конец света благополучно наступил, цивилизация отброшена в развитии на века назад, но в укромных уголках хранятся остатки технологий, знаний и материальных ценностей. Мы видим множество фильмов на эту тему. Ирреальные миры, окутанные атмосферой мрачной таинственности, страхов, снов и сновидений.

Постапокалиптика является одним из направлений стимпанка. Стимпанк стал модным направлением и нашёл своё проявление во многих сферах творчества и искусства. Его отражение мы можем наблюдать в фильмах, играх, моде, литературе, в работе дизайнеров, современных гаджетах, выполненных также в этом стиле, украшениях.

Этот стиль имеет множество поклонников по всему миру. Он вдохновляет мастеров создавать невероятные, фантастичные и неповторимые вещи.

Вот так видят наше фантастическое будущее дизайнеры:

Женские образы не менее брутальны:

Нам с вами вряд ли удастся стать свидетелями несчастливой кульминации человечества. Но во что будут одеты далекие потомки, пережившие Апокалипсис пытаются представить мастера высокой моды

Конечно, не все это можно носить. Но есть вещи, которые вполне могут вписаться и в наш с вами гардероб.

Это аксессуары и украшения. Да, это необычно, но ручная работа — это всегда творчески и с душой.

Глубина фотографии

Martin Munkacsi родился в городе Коложвар, известном как Клуж-Напока. Он служил в австро-венгерской армии во время Первой мировой войны, прежде чем начать карьеру журналиста в Будапеште. В 1920-е годы Мартин писал спортивные статьи в местную газету «Az Est» и должен был предоставлять свои собственные фотографии. Тогда он начал снимать футбол, где смог проявить свой талант.

То, что отличало Мункачи от коллег – удивительная способность захватить момент определенного действия. Сам фотограф говорил, что «необходимо на тысячной секунде увидеть то, что люди не замечают у себя перед носом».

Спортивные снимки Мункачи

1 of 4

В 1928 году Мартин переехал в Берлин. Он устроился в качестве фотожурналиста в несколько немецких изданий. Спустя 5 лет мастер освещал «День Потсдама» – церемонию по случаю созыва нового рейхстага. Но Мункачи был еврейским фотографом, работающим в еврейских изданиях, что в то время было довольно рискованно. Поэтому встреча с Кармен Сноу, редактором журнала Harper’s Bazaar, в какой-то мере спасла его. Он же смог спасти мир модной фотографии.

Вместе с Кармен Мартин поехал на пляж Лонг-Айленда, где сфотографировал Люсиль Брока. Она бежала вдоль берега, ее одежда развивалась на ветру, а на лице была беззаботная улыбка. Эта игра теней и движений стала отправной точкой для фешн фотожурналистики.

Бегущая Люсиль Брока

Тёрнер и дружба

Закадычных друзей у художника не было, всё-таки он был больше погружён в искусство, себя и собственную эксцентричность, чем в общение. Да и по воспоминаниям современников, у Тернера был резкий нрав. Особенно заносчивым стал, когда был назначен профессором. Он часто бывал желчным и насмешливым, его колкости отбивали охоту тесно дружить с этим человеком, но коллеги ценили его профессионализм – все замечания всегда были в точку.

Но однажды открылась его чувствительность – похоронив близкого 38-летнего товарища, Тернер признался, что лучше больше не привязываться ни к кому – терять больно. Это было странно слышать, исходя из того, какое о нём было мнение в обществе, к тому же эти слова не совсем соответствовали наружности художника, грубого человека.

Постапокалиптические миры в картинах Масакатсу Саши – Zagge.ru

Идеология работ японского художника Масакатсу Саши (Masakatsu Sashie) вращается вокруг «коацерватной гипотезы», автором которой стал российский биохимик А. И. Опарин. Позже Опарина, независимо от него к аналогичным выводам пришел английский ученый Дж. Холдейн. По их мнению, на основе коацерватов могли возникнуть первые живые существа, так как некоторые свойства коацерватов внешне сходны со свойствами живых организмов. Например, они «поглощают» из окружающей среды и избирательно накапливают определенные вещества, а затем увеличиваются в размерах.

В своих картинах Масакатсу Саши изображает техногенные объекты, состоящие из груд телевизоров, автоматов и другой промышленной продукции, которая была найдена на безжизненных и загрязнённых просторах. Разрушенные городские пейзажи напоминают мусорные свалки — всё, что осталось от человечества. С помощью этих деталей художник передаёт несдержанность окружающего мира, которая может привести к катастрофическим последствиям.

Масакатсу Саши (Masakatsu Sashie): Веб-сайт / Facebook

Мартин Мункачи Три Мальчика

В 1930-40-е годы Мункачи много путешествовал, представляя самые разнообразные мероприятия. Однако его первые известные снимки были созданы еще в качестве спортивного репортера. В 1928 году была сделана фотография с длинным названием «Вратарь. Последний шанс для его команды. Вратарь бросился через всю ширину ворот (7,3 м), однако всего на долю секунды опоздал».

Через год в Египте был сделан потрясающий кадр «Каирский бедуин скачет галопом возле египетских пирамид». Изображение танца и беззаботных прогулок вприпрыжку ему удавалось лучше всего. Хотя будет неправильным так говорить про творения, среди которых сложно выделить лучшие. Было сделано невероятно много шикарных фотографий в разных уголках планеты и культовый кадр «The Puddle Jumper» – девушки, прыгающей с тротуара под дождем. Впоследствии его скопировал Ричард Аведон. Мартин снимал Фриду Кало и Грету Гарбо. Но одной из самых известных работ до сих пор остается «Три мальчика на озере Танганьика».

1 of 7

Eva Szaplone

Фрида Кало

Кейт Хэпберн

Marianne Winkelstern

Снимок трех подростков сделан предположительно между 1929 и 1930 годом. Он произвел впечатление на Анри Картье-Брессона, который расхвалил фотографию. Отчасти из-за него она стала такой знаменитой. Но дело не только в признании. Динамичный кадр такого уровня стал возможен благодаря технологическим достижениям. Новые камеры, такие как Leica I, введенные в 1925 году, в сочетании с повышенной чувствительностью пленочной эмульсии, позволили создавать новые изображения. Мартину удалось показать силуэты трех мальчиков на фоне практически белого прибоя. Кадр захватывает чувство волнения и свободы, и, хотя он сделан в движении, все элементы вышли чрезвычайно четкими.

“Три мальчика”

Кумир

В процессе учёбы начинающие художники копируют работы признанных мастеров. Делая это, Тернер рассматривал картины-образцы под углом сегодняшнего переосмысления, через собственное отношение и видение.

Творческие вкусы Уильяма были таковы, что кумиром его в мире искусства стал Клод Лоррен (1600-1682), французский мастер-пейзажист. Увидев его «Отплытие царицы Савской», Тернер был растроган до слёз. Для себя он решил, что к подобному он и должен стремиться. Подражание Лоррену, внимательное изучение его техники, применение таких же способов живописи стали для Тернера основными приёмами в достижении высот в изобразительном искусстве. Составляя альбом, учебное пособие для начинающих художников, Уильям также опирался на опыт Лоррена, ставшего для него путеводной звездой. Популярность Тернера росла.

Самые известные произведения Уильяма Джозефа Тёрнера

Наиболее знамениты картины под названиями:

• «Рыбаки в море» (1796),
• «Автопортрет» (1799) – редкая для творчества Тёрнера картина в портретном жанре,
• «Переход Ганнибала через Альпы» (1812),
• «Дидона, основательница Карфагена» (1815),
• «Большой канал в Венеции» (1835),
• «Последний рейс корабля «Отважный» (1839),
• «Современный Рим – Кампо Ваччино» (1839),
• «Гора Риги: вид на Люцернское озеро на восходе» (1842),
• «Метель. Пароход выходит из гавани и подаёт сигнал бедствия, попав в мелководье» (1842),
• «Свет и цвет» или «Утро после всемирного потопа» (1843),
• «Тьма после всемирного потопа» (1843),
• «Дождь, пар и скорость» (1844),
• «Ангел, стоящий на солнце» (1846).

По легенде последними словами Тёрнера перед смертью стала фраза: «Солнце есть Бог». Его картины – шаги-доказательства к этому утверждению, а животворящее солнце – главный герой.

Биография Уильяма Блейка – величайшего миротворца и гения – мистика

Клод Моне и его утонченное впечатление на картине «Впечатление. Восходящее солнце»

Рембрандт, биография правдивого гения

Современное искусство: Абстракционизм

Данное явление проявилось в искусстве западных стран в ХХ веке и наложило сильный отпечаток на графическое живописное творчество и скульптуру. Значение слова «абстракционизм» говорит об отходе от действительных событий и реальных предметов. Изначально направление формировалось как вызов общепринятым вкусам. Поэтому свои внутренние переживания художники стали передавать в виде точек, плоскостей, различных линий и пятен в разном цветовом решении.В абстракционизме выделяется два течения: — Психологическое. Основы этого течения абстракционизма были изложены В. Кандинским, в работах которого музыкальность и лиризм проявлялись в колористическом видении. Кандинский общество видел в форме пирамиды, основание которой формируют простые люди, а вершину – высокодуховные личности. На пике пирамиды, по мнению В. Кандинского, восседать должен сам художник, достигший наивысшего совершенства. — Геометрическое (логическое). Его основателем был П. Мондриан. В дальнейшем направление поддержали В. Татлин, В. Кандинский, К. Малевич. Данный вид течения представляло собой плоскости, изображенные в разном цветовом решении. Архитектурные сооружения в таких картинах приобретали геометрические формы и объемы. При этом прослеживалась бессознательность и стихийность.

Фантастические картины животных на территории постапокалиптических сред – Zagge.ru

Мартин Виттфут (Martin Wittfooth) переносит темперамент, ассоциирующийся у нас обычно с крупными животными, в гораздо меньших представителей фауны. Он рисует лисиц и птиц в качестве героических победителей, делая крупных животных гораздо более пассивными и спокойными. Каждая из его картин включает в себя этих существ в условиях, отличающихся от мирных — хлам и загнивание земли, в то время как смог заполняет небо.

«Как вид, мы разделяем довольно значительное количество одинаковых реакций на естественный мир: есть формы в природе, на которые у нас, кажется, врождённые реакции, — говорит Мартин. — Как, например, чувство страха или уважения к крупным млекопитающим, и отвращение к паукам и змеям. Я заинтересован в этом виде общего распознавания образов и инстинктивных реакций. Я пытаюсь наполнить свои картины некоторым чувством «присутствия» и, следовательно, я работаю с предметом, который может воздействовать на его эмоциональное прочтение , а не просто рациональный анализ».

Мартин Виттфут (Martin Wittfooth): Веб-сайт

Современное искусство: Модернизм

Данное направление искусства стало собирательным, так как охватило новые тенденции мастеров, объявивших разрыв с реальностью изображений и красотой их форм. Современная эпоха модернизма отображает знаки и формы, не созвучные со зрительной ассоциацией. Идеология этого направления сводится к охлаждению интереса к «вечным истинам». Модернизм допускает столько истин, сколько существует взглядов. При этом каждая эпоха вправе иметь свое «видение истины» и иметь свою уникальную «душу». Содержание в поэзии модернизма перестроилось на акустический контакт, в музыке стали приветствоваться атональные созвучия и разного рода шумы. Разновидностью модернизма можно считать фовизм, гиперреализм, кубизм, дадизм, футуризм. Советскими искусствоведами это направление было оценено как кризис буржуазной культуры. Сегодня же модернизм рассматривают как новое перспективное веяние, которому западные страны дали полную свободу для реализации.

Учёба

Рыбаки в море

Первыми учителями стали Томас Хардвик, архитектор, и Томас Мелтон, известный художник-акварелист. Уже в 14 лет Тернер удостоился чести представить свою работу на выставке в Королевской академии, вслед за чем юноша получил право свободного доступа на занятия. Президентом академии тогда был сэр Джошуа Рейнолдс – молодой художник Уильям Тернер безмерно уважал авторитетного мастера. Почитание первого президента академии стало решающим фактором в процессе обучения – Тернер к его лекциям относился самым серьёзным образом, глубоко и вдумчиво штудировал все учебники.

Глава академии устраивал ученикам экскурсии, в том числе по своему дому, где Уильям познакомился с подлинниками Рембрандта, Рубенса, Пуссена. Много лет спустя Тернер будет вспоминать часы общения с Рейнолдсом, как счастливейшие в своей жизни.

Современное искусство: Поп-арт

Впервые термин «поп-арт» (то есть общедоступное искусство) был зафиксирован литературоведом и критиком Л. Элоуэем в 1965 году. Направление зародилось в Англии и США с целью замены абстракционизма на более понятный широким массам реализм. В нем стали изображаться реальные вещи, муляжи и копии. Направление поп-арт эстетизирует вещь для массового потребления, изображает ее как мечту потребителя. Ярким примером данного стиля является творчество Р. Гамильтона, в котором художник красоту предмета заменяет ее полезностью, а духовные стремления замещает материальными потребностями. Существуют разные виды поп-искусства, однако смысл у всех его видов одинаковый — его можно сравнить с рекламой товара, когда показывается старая вещь, подлежащая замене на новую. Данный вид искусства рассчитан на человека-потребителя, воспитанного СМИ и ориентированного на рекламу.