10 величайших произведений искусства 🚩 искусство

Картины Филонова

Ценители современных течений в искусстве смогут познакомиться поближе с неоднозначным творчеством советского художника-авангардиста Павла Филонова.

Русский музей владеет такими его картинами как «Крестьянская семья» и «Формула весны».

На настоящий момент его картины стоят миллионы долларов, хотя сам художник умер нищим от голода в блокадном Ленинграде. В СССР не провели ни одной его выставки: единственная, запланированная Русским музеем в 1929 году сорвалась по идеологическим причинам.

Всю жизнь Филонов писал «в стол», его шедевры люди смогли увидеть только после перестройки.

Ника Самофракийская

автор неизвестен

Древнегреческая мраморная скульптура богини Ники была найдена на острове Самотраки на территории святилища кабиров в апреле 1863 года. Статую воздвигли жители острова Родос в память о победе, одержанной ими над флотом сирийского царя.

Она стояла на отвесной скале над морем, ее пьедестал изображал нос боевого корабля. Могучая и величавая Ника в развевающейся от ветра одежде представлена в неудержимом движении вперед. В настоящее время находится в Лувре.

Статуя сделана из парийского мрамора, правое крыло — гипсовая реконструкция. Голова и руки статуи отсутствуют. Во время дальнейших раскопок были обнаружены другие фрагменты статуи: в 1950 году команда археологов нашла её правую руку, оказавшуюся под большим камнем, рядом с местом обнаружения статуи.

Галерея старых мастеров (Дрезден, Германия)

В Дрездене находится одна из самых крупных коллекций живописи. Именно здесь хранится знаменитая «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Шоколадница» Лиотара, работы Тициана, Боттичелли, Веронезе, Тинторетто, Вермеера, Рембрандта, Рубенса и Веласкеса. Многие картины из собрания Дрезденской галереи чудом уцелели в 1930–1940-е гг. Почти все полотна импрессионистов были уничтожены нацистами. Во время бомбардировок Дрездена был разрушен весь центр города, включая здание галереи. Сотни полотен были испорчены, более тысячи — вывезены советскими солдатами, но потом возвращены. Сегодня в строгих и простых залах галереи можно снова любоваться работами старых мастеров.

Приобрести билеты можно заранее на сайте www.skd.museum. Помимо картинной галереи билет дает право на посещение выставки дрезденского фарфора. Стоить побывать также в Оружейной палате, где представлена уникальная коллекция оружия и костюмов. Рядом находится здание барочной церкви Фрауэнкирхе, построенной в 1726–1743 гг., разрушенной в годы Второй мировой войны и восстановленной в 1994–2005 гг.

Антонио Канова и «Амур и Психея»

Антонио Канова считается самым лучшим европейским скульптором 18-го века. Он является представителем неоклассического стиля в искусстве, в равной степени вдохновленный мотивами барокко и античности. Он известен своими мягкими формами и выразительными, реалистичными работами, которые опирались на античные идеалы.

Влияние сменного графика на состояние здоровья: как помочь организму

Сотрудники боятся превратиться в изгоев: особенности японского управления людьми

Эксперименты и принятие рисков: уроки The Beatles для успеха предпринимателей

Одной из самых известных скульптур является «Амур и Психея», на которой изображены мифологические существа в момент сильных эмоций.

Иван Константинович Айвазовский (17.07.1817—19.04.1900) — российский художник-маринист, баталист.

00:03:48

30.04.2021

Русский художник-маринист и баталист армянского происхождения.
⠀
Живописец Главного Морского штаба, действительный тайный советник, академик и почётный член Императорской Академии художеств, почётный член Академий художеств в Амстердаме, Риме, Париже, Флоренции и Штутгарте.
⠀
За всю свою жизнь он написал более 6.000 картин и устроил более 125 персональных выставок.
⠀
Однажды Папа Римский увидел картину «Хаос. Сотворение мира», принадлежащую кисти мастера. Он так проникся творением, что пожелал купить произведение, но художник преподнёс понтифику свою работу в подарок.

В видео собраны картины мастера, которые выпущены в виде почтовых блоков Центральноафриканской республики.

Брюллов. Последний день Помпеи. 1833.

Карл Брюллов. Последний день Помпеи. 1833 г. Государственный Русский музей

4 года подготовки. Ещё 1 год непрерывной работы красками и кистями. Несколько обмороков в мастерской. И вот результат – 30 квадратных метров, на которых изображены последние минуты жизни жителей Помпеи (в 19 веке название города было женского рода).

Для Брюллова все было не зря. Думаю, в мире не было такого художника, чья картина, всего лишь одна картина произвела бы такой фурор.

Люди толпами врывались на выставку, чтобы посмотреть шедевр. Брюллова буквально носили на руках. Его окрестили ожившим Тицианом. А Николай I удостоил художника личной аудиенции.

Что же так поразило современников Брюллова? Да и сейчас не оставит зрителя равнодушным.

Мы видим очень трагичный момент. Через несколько минут все эти люди погибнут. Но нас это не отталкивает. Потому что нас завораживает … Красота.

Красота людей. Красота разрушения. Красота катастрофы.

Посмотрите, насколько все гармонично. Красное расскаленное небо прекрасно сочетается с красным одеянием девушек справа и слева. А как эффектно падают под ударом молнии две статуи. Я уж не говорю про атлетичную фигуру мужчины на вздыбленном коне.

Картина с одной стороны о реальной катастрофе. Позы людей Брюллов срисовывал с погибших в Помпеях. Улица тоже настоящая, ее до сих пор можно увидеть в очищенном от пепла городе.

Но красота персонажей делает произошедшее похожим на древний миф. Как будто красивые боги прогневались на красивых людей. И нам не так печально.

Картины Айвазовского

Невозможно пройти мимо полотен знаменитого художника-мариниста. Английский живописец Уильям Тернер, преклоняясь перед его талантом, посвятил ему стихотворение.

Его «Девятый вал» известен во всем мире; это первое, что приходит на ум при упоминании Ивана Айвазовского. Сам царь Николай I приобрел картину для своей коллекции.

Интересно то, что, ранее живописец никогда не переделывал небо на своих картинах, но в «Девятом вале» оно буквально было переписано заново. В итоге Айвазовский смог добиться невероятного эффекта в изображении пробивающегося сквозь тучи солнца.

В 2005 году на аукционе картина была оценена в 1,704 млн $.

Еще шедевр, хранящийся в Русском музее и написанный незадолго до смерти живописца – «Волна». Это полотно считается наравне с «Девятым валом» одним из сильнейших у Айвазовского.

Когда мы были в Русском музее «девятый вал» был убран, а вместо него висела «Волна»

Терракотовая армия (конец III века до н.э.)

Терракотовые воины — это коллекция статуй в Сиане, Китай, изображающая армию первого императора династии Цинь — Ши Хуан-ди. Армия состоит из 8000 солдат, 130 колесниц и 670 лошадей. Эти фигуры — невероятный образец погребального искусства, созданный для защиты Императора в загробной жизни. Скульптуры были обнаружены в 1974 году местными крестьянами во время бурения артезианской скважины почти в 1,6 км от гробницы Императора.

Части коллекции часто являются участниками передвижных выставок по всему миру. В 1987 году на 11-й сессии ЮНЕСКО терракотовая армия была включена в список всемирного наследия как часть комплекса «гробницы первого императора династии Цинь».

Фонтан (1917)

Марсель Дюшан перевернул мир искусства своим реди-мейд фарфоровым писсуаром «Фонтан». Художник-дадаист представил «Фонтан» на выставке Общества независимых художников, однако на показ работа не была выставлена. Оригинал «Фонтана», сфотографированный в студии Альфреда Стиглица, сейчас утерян, но Дюшан позже сделал несколько копий, которые существуют до сих пор. Произведения представлены в разных общественных фондах: Индианском университете в Блумингтоне, музее современного искусства Сан-Франциско, художественном музее Филадельфии, национальной галерее Канады, центре Помпиду и Тейт Модерне.

В декабре 2004 года в результате опроса среди британских профессионалов по искусству, работа Дюшана «Фонтан» была признана самым великим произведением XX века, набрав 64 % голосов и опередив тем самым картину Пикассо «Авиньонские девицы». Представители журнала The Independent отметили в 2008 году, что Дюшан таким образом изобрёл концептуальное искусство и «навсегда разорвал традиционную связь между трудом художника и заслугами за работу».

«Поцелуй», Густав Климт

Эта картина стала не только одним из первых произведений искусства в стиле арт-нуво, но и визитной карточкой Густава Климта. Для ее фона художник использовал лист, покрытый сусальным золотом.

«Поцелуй», как и другие работы Климта, можно увидеть в венской галерее Бельведер. Соседство им составляют картины ярчайшего австрийского экспрессиониста Эгона Шиле, в том числе и знаменитая работа «Семья», на которой 28-летний художник, находясь на смертном одре, изобразил трех жертв испанского гриппа: себя, свою жену и нерожденного сына.

Адрес: Schloss Belvedere, Prinz Eugen-Straße 27, 1030 Wien, Austria.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779).

Антон Рафаэль Менгс. Автопортрет. 1773. Галерея Уффици, Флоренция.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779) также подустал от излишней пышности рококо, но не стал идти неведомыми тропами.

Он призывал объединить выверенность классических канонов античного искусства с лучшими находками мастеров Возрождения. Нужно взять всё лучшее у лучших. Что может быть проще?

Что ж, публика была только «ЗА». Самые знатные люди эпохи позировали Менгсу. Например, Курфюстр Фридрих Кристиан.

Антон Рафаэль Менгс. Курфюстр Фридрих Кристиан. 1751. Дворец Вайсенштайн.

Работа явно выполнена в классическом стиле. Никакой излишней драматизации барокко, скрупулёзной фотографической точности реализма и экспериментов со световыми эффектами импрессионизма.

Герой портрета выглядит, как идеальный представитель своего сословия. Дорогое одеяние, уверенный взгляд, гордая осанка, правильные черты лица. Немного полноват, но тогда это было признаком достатка.

Современники называли портреты Менгса слишком холодными. Но он всего лишь следовал точным правилам композиции, светотени и перспективы.

«Вкус к совершенству» Менгс демонстрирует и в своих религиозных картинах. Посмотрите на работу мастера «Рождество».

Антон Рафаэль Менгс. Рождество. 1772. Прадо, Мадрид.

Кажется, что перед нами картина эпохи Ренессанса. Нет, это Менгс. Живописец считал, что художники Возрождения обладали безупречным вкусом. И нет ничего плохого, чтобы им подражать.

Композиция «Рождества» выполнена в ренессансном стиле – чёткое разделение на мир земной и мир небесный. Позы, конечно, несколько наиграны. Но зато фигуры очень удачно расположены в пространстве. Также цвета идеально подобраны под стать сюжету.

Если бы Менгс жил в XVI веке, то однозначно был бы записан в список величайших художников Ренессанса. Наравне с Рафаэлем и Тицианом. Но этого не случилось, так как он просто шел по их стопам. Пусть и очень мастерски.

Но однажды Менгс перестарался. И чуть ли не был записан в мошенники. Не то, что в великие мастера. И связана эта история с его знаменитой работой «Юпитер целует Ганимеда».

Антон Рафаэль Менгс. Юпитер целует Ганимеда. 1758.Национальная галерея, Рим.

Именно эта картина навсегда рассорила Менгса с его учителем Иоганном Винкельманом. Последний принял картину за античный подлинник: настолько точно скопировал Менгс стиль древних мастеров.

Более того, он даже внёс полотно в свою искусствоведческую книгу, чем сильно навредил своей репутации, когда обман раскрылся.

Что за авантюрные мысли обуревали Менгса так поступить, неизвестно. Но правду об авторстве он открыл только перед смертью.

Как бы не ругали Менгса за «холодность и неискренность», но всё же невозможно не признать его достижения. Менгс сначала консервировал классические традиции в живописи, а затем перерождал их в обновлённый стиль — неоклассицизм.

Ярлыки

10 класс
(10)
11 класс
(2)
7 класс
(19)
8 класс
(17)
9 класс
(15)
Альтруизм и эгоизм
(1)
анимационный фильм
(1)
Античность
(1)
архитектура
(5)
Архитектура — композиционная организация пространства
(1)
архитектура Киевской Руси
(1)
архитектура Месопотамии
(1)
Архитектура России 18-20вв
(1)
архитектура ХХ века
(1)
Великий подвиг народа
(1)
виды архитектуры
(1)
Виды дизайна
(1)
Виды и жанры пластических искусств
(1)
виды искусства
(1)
Возрождение
(3)
Воспитание
(2)
выдающиеся мастера кино
(1)
Выдающиеся художники театра
(1)
Выразительные средства архитектуры
(1)
выразительные средства живописи
(1)
выразительные средства музыки
(1)
Вятские Поляны
(1)
Графический дизайн
(1)
Дизайн
(1)
для интерактивной доски
(1)
добро и зло
(2)
Документальный
(1)
дружба
(1)
Жанры живописи
(1)
живопись
(2)
живопись Др.Египта
(2)
Живопись России 18-20 вв
(1)
жизнь человека — высшая нравственная ценность
(1)
Закон об образовании
(1)
Законодательство
(1)
Запуск проектов
(1)
знак
(1)
Золотое правило нравственности
(1)
игровой
(1)
Искусство
(25)
Искусство Древней Руси – фундамент русской культуры
(1)
Исторический жанр в живописи
(1)
Классицизм. Баженов
(1)
Клиповое мышление
(1)
Композиция в дизайне и архитектуре
(1)
Компьютерная графика и ее использование
(1)
конструкция здания
(1)
культура и мораль
(1)
Курс «Учимся беречь энергию»
(1)
Литература нач. ХХ века
(1)
любовь и уважение к Отечеству
(1)
Методика
(4)
Мифология Месопотамии
(1)
Мода и вкус
(1)
Модерн и модернизм
(1)
моральный долг
(1)
Москва
(1)
Московский кремль
(1)
музеи
(1)
музеи России
(1)
нравственные идеалы
(2)
Нравственный поступок
(1)
образ
(1)
образцы нравственности в культуре Отечества
(1)
Основы светской этики
(31)
особенности морали
(1)
ОСЭ
(28)
ОСЭ Добродетель и порок
(2)
Первобытное искусство
(1)
Поколение Z
(2)
Примерная программа
(1)
программа для ВУЗа
(1)
Пространственно- временные виды искусства. Театр
(1)
Рабочая программа по ИЗО
(1)
Рабочая программа по ОСЭ
(1)
Реклама в современном обществе
(1)
Религия Др.Египта
(1)
Ресурсы для образования
(3)
Род и семья
(1)
Роль графики в книгопечатании
(1)
Роль изобразительного искусства в кино и театре
(1)
Россия — наша Родина
(1)
Санкт Петербург
(2)
Свобода и моральный выбор человека
(1)
Свобода и ответственность
(1)
семейные праздники
(1)
Сервисы для создания инфографики и интерактивного видео
(1)
символ
(1)
Синтез архитектуры и скульптуры в дворцово — парковых ансамблях
(1)
скульптура
(2)
Скульптура Древней Греции
(1)
совесть
(1)
специфика кино
(1)
Специфика полиграфии. Шрифты
(1)
справедливость
(1)
Старые фото
(4)
стили живописного искусства ХХ века
(1)
стили и направления в архитектуре
(1)
Стыд. Вина. Извинение
(1)
Сценография
(1)
театральный костюм
(1)
Телеизображение. Особенности и возможности
(1)
темы и содержание в искусстве
(1)
Теория и история русского искусства
(1)
Толерантность
(1)
Требования к презентации
(1)
урок
(18)
ФГОСт
(34)
фотография
(2)
фотохудожники
(1)
Фреска. Мозаика. Иконопись.
(1)
Художественные промыслы
(1)
Чарли Чаплин
(1)
честь и достоинство
(1)
Что значит быть моральным
(1)
что такое светская этика
(1)
школьная программа
(31)
элементы зданий
(1)
этикет
(1)
Юмор
(1)

Самый древний пейзаж

В 1963 году археолог Джеймс Меллаарт участвовал в раскопках в Катайхолке, Турция. Именно там на территории большого города каменного века он нашёл фреску, которая с большой долей вероятности является самым древним наскальным рисунком, изображавшем пейзаж. Точнее Меллаарт считал, что на фреске, названной фреской Чатала, неизвестный художник представил вид на город, жилища в котором были похожи на коробки. А на заднем плане на этом наскальном рисунке изображён вулкан Хасан Даг. Но другие учёные с ним не согласны.

Некоторые исследователи предполагают, что Меллаарт нашёл вовсе не старую картину-пейзаж, а просто абстрактную картину. По их мнению, коробки на наскальном рисунке — это просто абстрактные формы, а «вулкан» — рисунок шкуры леопарда. Однако в 2013 году нашлось некоторое подтверждение гипотезе археолога Меллаарта. Исследования показали, что примерно 6–8 тысяч лет назад в этом регионе действительно произошло извержение вулкана Хасан Даг, которое древние могли и изобразить на наскальном рисунке. Только вот в мире есть и другие претенденты на звание самого старого пейзажа. Это карта Павлова, относящаяся к 24–25 тысяче лет до н. э., и карта, обнаруженная в Западной Европе. Но то карты, а Меллаарт, вероятно, и правда обнаружил самую старую пейзажную живопись, являющуюся произведением искусства древнего человека.

Золотой Будда

Самая большая в мире цельнолитая золотая статуя расположена в бангкокском храме Ват Траймит — в ней около трех метров, а весит она более пяти тонн.

В период войны с Бирмой статуя была намеренно покрыта гипсом, а затем никто уже не мог раскрыть секрета этого Будды. До 1957 года на статую особо не обращали внимания — до тех пор, пока она не была перевезена на новое место. Согласно слухам, во время перевозки начался дождь, перед которым статуя из-за своего веса ещё и упала с перевозившего её крана; она была укрыта от дождя, но вода всё равно смыла покрытие с одного из участков в достаточной степени, чтобы один их монахов заметил странный блеск. По другой версии, от падения гипс потрескался.

Картины Куинджи

Самая известная картина Куинджи в Русском музее — это «Лунная ночь на Днепре».

Ради этого шедевра сам художник долго организовывал моновыставку: следил, чтобы правильно подобрали помещение и освещение полотна.

В работе использовался и особый состав краски, которая слегка отсвечивала в темноте.

Картину купил великий князь Константин Константинович – родственник царя и известный меценат.

«Лунная ночь на Днепре» не дошла до современного зрителя в первозданном виде – она потемнела от воды и сырости на яхте у великого князя. Но очарование таинственного лунного света все равно чувствуется в этом шедевре.

Сразу после выставки, имеющей шумный успех, художник неожиданно перестал появляться на публике.

«Радуга» — это первая работа после двадцатилетнего перерыва, которую Куинджи показал публике. Шедевр художника писался пять лет и не менее известен, чем «Лунная ночь…» Здесь в полной мере видна тяга живописца к нестандартным цветовым решениям и световым эффектам. Очень необычно нестандартное изображение радуги: она не семицветная, а больше похожа на вспышку света. Эта картина обязательна к просмотру для тех, кто хочет в полной мере понять талант мастера.

в Чебоксарском музее есть еще один вариант картины радуга, исполненный Куинджи в меньшем размере.

Каналетто (1697-1768).

Каналетто. Автопортрет. XVIII век. Частная коллекция.

Каналетто был основателем школы ведуистов. Нет, это никакое не религиозное течение. А всего лишь живописный жанр, который предполагает детальное изображение городского пейзажа.

Такой подход к пейзажу был в новинку в те времена. И именно метод Каналетто оказал наибольшее влияние на все последующие поколения ландшафтных художников.

Начинал Каналетто с изображений повседневной жизни венецианских улиц. И уже в первых его работах есть точность рисунка, владение композицией, знание архитектуры.

Вот, к примеру, полотно «Гранд-Канал».

Каналетто. Гранд-Канал. 1730. Галерея Уффици, Флоренция.

Зрителя буквально обдаёт солнечным светом, свежим воздухом. Взгляд устремляется вглубь пейзажа, немного «спотыкаясь» о гондолы.

А здания вокруг – это уже не бездушные театральные декорации, а полноценные герои картины. Удивительная передача света и тени! Ну как тут не вспомнить об импрессионистах?

Каналетто много работал на натуре, что в то время было редкой практикой. Много экспериментировал с расположением элементов на полотне. И активно применял камеру-обскуру, чтобы достичь документальной точности в изображении.

Каналетто. Вестминстерское аббатство. 1749. Музей Вестминстера.

Но художник не всегда точно переносил на холст изображение реального мира. Если ему казалось, что композиция недостаточно гармонична, он смело изменял вид архитектурных построек. По принципу «Я художник, я так вижу».

В 1746 году Каналетто переехал в Англию, где быстро завоевал любовь публики.

На картине «Вестминстерское аббатство» композиция, конечно, вольная. Если Вы сделаете фотографию с того же места, то у Вас так много всего в кадр не уместится.

Но зато сколько за счёт этой свободы появляется симметрии и гармонии! Ни одно точное фото не способно передать величавость собора так, как это сделал Каналетто!

Посмотрите ещё на одну знаменитую картину художника «Скуола Сан-Марко».

Каналетто. Скуола Сан-Марко. 1765. Музей Тиссен-Борнемисы, Мадрид.

Художник подбирает необычный, драматичный цвет неба. Здание написано невероятно тонкой линией. Рассветные лучи мягко обволакивают Скуолу. Потрясающее сочетание красоты природы и архитектуры. В этом весь Каналетто!

В конце жизни мастера мода на подобные пейзажи прошла. Он был забыт. Но его влияние на искусство уже не ослабеет никогда. Ведь Каналетто заложил основы совершенно новой эстетики городских пейзажей.

Жан-Антуан Ватто (1684-1721).

Жан-Антуан Ватто. Автопортрет. 1721. Музей Конде, Франция.Антуан Ватто — первый и главный сочинитель эпохи рококо. Переехав в Париж, бывший баталист и поклонник Рубенса, сразу «нащупал» свою тему – высшее общество и занятия аристократов.

Герои Ватто танцуют, музицируют, отдыхают, гуляют в парке. Завидные сцены беззаботной жизни.

Однако во всем этом улавливается ироничный взгляд художника. Чувствуется и двусмысленность, и меланхолия, а порой и грусть.

Взгляните на картину «Затруднительное предложение».

Жан-Антуан Ватто. Затруднительное предложение. 1716. Эрмитаж.

На первый взгляд в сюжете нет ничего интригующего. На фоне природы, будто на сцене, отдыхает компания аристократов. Звуки гитары, неспешные разговоры. Но присмотритесь внимательнее: перед нами мнимая идиллия!

Молодой юноша в синем камзоле пытается остановить девушку, порывающуюся уйти. Пунцовые щёки дамы говорят о возмущении, обиде.

Остальные девушки не смотрят на рассорившуюся пару, но человек в красном всё понимает. Его лёгкая усмешка с долей ехидства говорит, что он в курсе всех событий. Но он не собирается вступаться за девушку. Наоборот, ему доставляет удовольствие наблюдать за ее реакцией.

Неловкая ситуация, которая поначалу казалась обыденной пасторалью. Так что картина в стиле рококо тоже может быть многослойной.

В историю живописи Ватто вошёл, как талантливый колорист. Тончайшие оттенки и наслоения коричневых, сиреневых, жёлтых, розовых тонов – всё это фирменное цветовое решение художника.

Рассмотрим «Паломничество на остров Киферу». Эта картина стала переломной в жизни Ватто. Она принесла ему славу и признание.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717. 129 × 194 см. Лувр, Париж.

На картине изумительно выстроена композиция. Персонажи расставлены просто гениально: они будто танцуют, то устремляясь вглубь картины, то приближаясь к зрителю.

В конце жизни Ватто создаёт ещё одно удивительное полотно – «Вывеска лавки Жерсена».

Жан-Антуан Ватто. Вывеска лавки Жерсена. 1720. Шарлоттенбург, Германия.

Ватто создал эту картину в качестве вывески для реальной лавки своего друга. Поэтому какое-то время этот шедевр висел на улице, над дверью в эту лавку.

Казалось бы, это просто бытовая сцена. Посетители рассматривают картины. Но у Ватто же всегда что-нибудь ещё заложено.

Вот и тут он показывает закат эпохи Короля-Солнце, Людовика XIV. Аллегорически, конечно — портрет Людовика убирают в ящик.

Вот так Ватто умел передавать смыслы с помощью изящных и малозаметных поз и жестов.

И в этом сквозит все та же меланхолия: ведь именно при этом правителе расцвело искусство. Именно в эту эпоху Ватто состоялся, как художник.

Плодотворный период художника длился всего 12 лет! Но за это время он успел получить признание, вырастить последователей и дать старт новому стилю в искусстве (рококо).

Памятник «Медный Всадник» | Санкт-Петербург

Красивая статуя из бронзы возведена на Сенатской площади в СПБ. Официальное открытие произошло в 82 году 18 века – это был первый городской памятник. Изначально предполагалось, что посвящается он великому русскому королю Петру. Но позже было дано название «Медный Всадник», на что вдохновила одноименная поэма любимого народного писателя Пушкина. Скульптуру возвел Этьен Фальконе по поручению царствующей Екатерины II. Вдохновлял скульптора полковник Петр Мелиссино (внешне напоминающий царя Петра), который удерживал на дыбе коня. Голову бронзовому «Петру» создала ученица Фальконе, а русский скульптор Гордеев слепил змею – символ вражеской силы.

Павел Филонов. Самый загадочный художник русского авангарда

Художника, в отличие от Малевича и Кандинского, почти не знают за границей, его имя обошли стороной на открытии Олимпиады в Сочи. Хотя, кто, если не он, и есть воплощение русского авангарда? Репортаж Татьяны Баженовой.

Смутьян холста или певец городского страдания – как только не называли современники Павла Филонова. Самый загадочный художник русского авангарда. Его полотна можно рассматривать под лупой, каждый сантиметр – отдельно живущая картина.

Павел Филонов сложился как-то сразу, без длинного академического пути. Писал агрессивно, пёстро, даже вызывающе, но о вполне конкретном. Его, скитальца и мученика начала 20 века, интересовала судьба человека и страны.

Доказательство – полотно «Россия после 1905 года». Предсказание – или предвкушение? – революции. Он двигался в одном направлении с авангардистами, но его имя несправедливо забыли. Филонова, в отличие от Малевича и Кандинского, почти не знают за границей. Имя громады искусства обошли стороной на открытии Олимпиады в Сочи. Хотя, кто, если не он, и есть воплощение русского авангарда?

Евгения Петрова, заместитель директора Государственного Русского музея по научной работе: «Он всё время думал об истории, думал о том, что происходит с людьми. Он верил в мировую революцию. Роль пролетариата в революции, это была его святая вера. Не было ангажированности, это была его личная убежденность».

Семён Михайловский, и.о. ректора Санкт-Петербургского государственного института живописи, скульптуры и архитектуры: «Он совсем, конечно, не вписывался в ту систему, которая была. Он покинул академию и перешел в другое, что ли, пространство. Ему здесь было тесно, ему было узко. Он был ограничен этими стенами, система образования была направлена на другие цели».

Сочетание живого и неживого, растительного и механического, настоящего и вымышленного – это Павел Филонов. Художника интересовала Вселенная – с большой буквы. Воплощение космоса для мастера – очертания головы человека. Она парит в пространстве, не принадлежа телу, а в глазах – целый мир.

Татьяна Баженова, корреспондент: «Для самого мастера цветные точки и фигуры становились складной историей только по окончанию работы над картиной.

Вообще Филонов пытался ввести правило: рисовать надо от частного к общему. Ставил точку, или, как он говорил «молекулу», на холсте и долго всматривался, что же из этого выйдет.

Может, именно такой философский подход и сделал его одним из величайших художников 20 века».

Искусствоведы говорят: можно бесконечно «кромсать» это полотно на фрагменты, и каждый будет законченным произведением.

Павел Филонов называл это формулами неспроста: он вообще не считал свой труд творчеством, он «вырабатывал» картины. Последователям говорил «введи в работу весь свой ум».

Отнюдь не каждый петербуржец узнает в этой картине Нарвские ворота. А это они. Город в полотнах Филонова – болезненный и изящный. Как и в жизни. Копировать эту эстетику, говорит художник Иван Совлачков, нет никакого смысла. Но учиться у Филонова никогда не поздно.

Иван Совлачков, художник: «Пожалуй, он один из самых петербургских художников

По структуре даже, если вы обратите внимание, его картины похожи на карту города. Смотришь на карту Петербурга и видишь филоновские структуры

Кроме того, сумрачный свет в его полотнах — он тоже чисто петербургский».

Искусство Павла Филонова рождалось в муках. Художник не только видел революцию, Первую мировую и гражданскую войны, но и застал блокаду. Голодал, сидя за холстом. Дежурил на чердаке, спасая свои работы. Первая суровая зима 41-го стала для него последней.

Татьяна Баженова, корреспондент: «В последние годы жизни художник не брал деньги за свои работы, занимался лишь творчеством.

Павел Филонов скончался в своей комнате дома на Петроградке в первый год блокады. Голод не пощадил и его супругу.

Своим ученикам незадолго до ухода он говорил: «Я не знаю, свидимся ли мы, но я точно знаю, что мы победим». Любопытно, что в этом доме теперь располагается детский сад».

В 80-х пару его полотен привезли на выставку во Францию. Очевидцы тех событий писали, по сравнению с Филоновым «всё погасло — весь цвет французской живописи». Еще настанет время, когда весь мир пожалеет, что вовремя не оценил гения русского авангарда с Невы.

«Постоянство памяти», Сальвадор Дали

Одна из самых известных и узнаваемых работ испанского художника-сюрреалиста Сальвадора Дали «Постоянство памяти» появилась на свет благодаря… теории относительности. Именно Эйнштейн вдохновил эпатажного Дали на создание циферблатов, растекающихся как пластилин. Хотя сам художник в шутку отвечал, что часы созданы по образу и подобию сыра, плавящегося на солнце.

Сегодня на эту культовую картину можно посмотреть в нью-йоркском Музее современного искусства. Компанию ей составляют «Звездная ночь» Ван Гога, «Авиньонские девицы» Пикассо и другие шедевры живописи.

Адрес: 11 West 53 Street, New York, NY 10019.

Уффици (Флоренция, Италия)

В коллекции галереи Уффици работы великих итальянцев. Тут можно увидеть «Рождение Венеры», «Мадонну и младенца с ангелом» и «Весну» Боттичелли, «Мадонну Донни» Микеланджело, «Мадонну со щегленком» Рафаэля, «Венеру Урбинскую» Тициана, «Бахуса» Караваджо, «Поклонение волхвов» и «Благовещение» Леонардо да Винчи, «Крещение Христа» Вероккьо, полотна немецких, фламандских и голландских мастеров, в том числе Дюрера и Рембрандта. Интересно, что здание, в котором располагается галерея, начатое архитектором Джорджо Вазари в 1560–1580 гг. и законченное Бернардо Буонталенти, предназначалось для административных учреждений тосканского государства, отсюда и его название — Уффици, что значит «офисы». Затем великий герцог Франческо I Медичи решил выставить на втором этаже античные скульптуры и портреты членов семьи и знаменитостей того времени. С этого и началась история музея.

Галерея Уффици открыта во все дни, кроме понедельника. Часы работы, стоимость билетов и план музея можно узнать на сайте www.uffizi.org. Там же вы найдете информацию о самых известных полотнах из коллекции Уффици и сможете спланировать свой маршрут, чтобы не пропустить наиболее интересные залы музея.

Древнейшее доисторическое произведение искусства

Сегодня примером самого древнего искусства можно считать купулы — небольшие углубления на стенах пещер в виде чашек. Купулы располагались не хаотично, а колонками, а иногда и рядами на скалах. Исследователи находят такие чаши по всему миру, а относятся купулы к разным временным периодам. Даже сегодня у некоторых племён Австралии существует традиция вырезать чаши на стенах пещер.

Самое древнее произведение искусства такого рода было найдено в пещерах Бхимбетка в самом сердце Индии. Здесь купулы остались в целости и сохранности из-за идеальных условий, царящих в пещерах. По крайней мере две из обнаруженных в пещере Бхимбетка купул археологи отнесли к раннему палеолиту. Другие обнаруженные здесь произведения искусства древнего человека не были исследованы столь тщательно, но, вероятнее всего, они принадлежат к тому же периоду. Радиоуглеродные исследования ещё только предстоит провести, но учёные уже считают, что эти пиктограммы можно отнести к ашельской культуре. Примерный возраст этих древних произведений искусства — около 290 000 лет.

В той же части Индии в одной из пещер Дараки-Чатан были найдены 500 пиктограмм-купул, а вместе с ними — и целый клад древних каменных орудий. Считается, что в Дарак-Чатан находится самый большой сборник доисторического искусства такого рода. Однако не все учёные согласны с тем, что купулы являются произведениями искусства.

Вероятно, люди использовали купулы как ступки или в них наливали воду для проведения некоторых ритуалов. По крайней мере, современные представители некоторых народностей используют купулы именно так. Но с большой долей вероятности эти пиктограммы всё-таки являются образцами древнего наскального искусства. К тому же иногда купулы расположены в таких местах, что их рациональное использование было бы затруднительно.