Питер Клас картины
Питер Клас — великий голландский художник. Известен во всём мире своими великолепными натюрмортами. Родился в 1597 году в Берхеме. О детстве этого художника не известно ничего. Известно, что Питер Клас женился в 1617 году, а в 1620 у него родился сын, которого назвали Николас (Николас (Клас) Питерс Берхем Старший), который по примеру своего знаменитого отца также стал художником и добился больших результатов в живописи.
Питер Клас знаменит своими натюрмортами. Мало того, он считается одним из основателей знаменитой харлемской школы натюрморта. Его натюрморты делятся на два вида: обычные (завтраки, банкеты, обеденные столы) и Ванитас (Vanitas). Vanitas — это натюрморт, который наполовину смешан с символизмом и аллегорией. Здесь царят ассоциации и философские рассуждения. На этих натюрмортах можно увидеть книги, свечи, черепа, часы и другие вещи, которые указывают зрителю на суетность и кратковременность жизни человека. Это почти библейская и мифологическая живопись
Она призвана дать понять человеку, что многое, за чем он стремится каждый день, на самом деле вовсе не важно
Стоит обратить своё внимание на другие вещи, такие, например, как обращение к тому, что ждёт каждого человека после смерти. Таким образом, Питер Клас создал целый пласт искусства натюрморта, который представляет собой собрание великолепных картин с аллегорической составляющей
Питер Клас — великий художник, живописец, мастер натюрморта, умер в Харлеме 1 января 1661 года.
Хотите пользоваться лучшими средствами, чтобы всегда быть красивыми и здоровыми? В этом вам поможет аюрведический магазин Москва. Заходите на сайт «Omsairam», чтобы ознакомиться с большим выбором товаров.
Художник Питер Клас картины
Из серии Vanitas
Завтрак с ветчиной
Завтрак
Натюрморт из серии Vanitas
Натюрморт с крабом
Натюрморт с тортом
Натюрморт с фруктами
Натюрморт с черепом
Натюрморт
Творчество художника
Питер Клас (около 1597, Бургштейнфурт, Вестфалия — 1660–1661, Харлем) с 1617 жил в Харлеме. В молодости увлекался натюрмортами, на которых изображал самые разнообразные предметы домашнего обихода. Совместно с Виллемом Класом Хедой разработал позднее новый тип монохромного банкета — разновидности натюрморта, изображающего завтрак. Избегал напыщенности, свойственной фламандским образцам, и писал небольшое количество предметов на белой скатерти, объединяя предметный мир в целостную картину. Для Класа характерна палитра тонов, состоящая в основном из оттенков коричневого, охры, серого и белого. Предметы на его натюрмортах почти не дают бликов. Такой подход вскоре стал классическим в голландской живописи.
Питер Клас 1597-1661
Питер Клас — голландский художник, добившийся успеха в изображении поразительной простоты и атмосферности. Избегая многолюдных композиций и насыщенного маньеризма, он сосредоточился на монохромной теме (например, изображении простой трапезы, накрытой в углу стола). Натюрморты Класа — это большое разнообразие еды и напитков, курительных принадлежностей и музыкальных инструментов. Игра света на элементах натюрморта — бокал вина, нож, металлическая тарелка с рыбой или хлебом, ваза с ягодами — создает поразительный эффект при простых элементах и мягкой палитре. После 1640 года работы Питера Класа стали более декоративными и включали в себя роскошные натюрморты. Его сын, Николас Берхем, был известным пейзажистом. Инновационные композиции Класа и его уникальная способность объединять один и тот же набор предметов во множество оригинальных и убедительных аранжировок оказали влияние на художников и за пределами Голландии.
Фламандские художники в России
Первым российским коллекционером стал Пётр Великий, создавший первый в стране музей. Это дало старт массовым закупкам полотен западноевропейских художников. Правда, в основном это были произведения голландских живописцев с изображением милых сердцу императора кораблей и морских пейзажей, а картин фламандских и итальянских живописцев было гораздо меньше.
Затем эстафету приняли Екатерина I, Елизавета Петровна и Екатерина II. Последняя очень серьёзно относилась к собирательству предметов искусства. И по русской традиции, если первые лица чем-то увлечены, то их ближайшее окружение непременно должно последовать их примеру. Естественно, такое яркое явление как фламандская живопись не могло пройти мимо внимания венценосных и придворных коллекционеров. И стены российских дворцов стали украшать картины кисти Рубенса, ван Дейка, Снейдерса.
Франс Франкен Младший «Триумф Вакха». (ГУК ТО «Тульское музейное объединение»)
Это тенденция продолжалась до 1917 года. После Октябрьской революции началась национализация частных коллекций и великое перемещение картин в региональные музеи. В советские годы музейные коллекции почти не пополнялись предметами западноевропейского искусства. Чудом уцелевшие частные коллекционеры не спешили афишировать свои богатства.
Корнелис де Вос «Молодая женщина в платье с гофрированным кружевным воротником». (Собрание Валерии и Константина Мауергауз)
В начале 21-го века ситуация коренным образом переменилась. У частных коллекционеров снова появилась возможность делать закупки за рубежом, и благодаря их усилиям в России вновь стали появляться великолепные произведения, созданные в пору расцвета фламандской живописи.
Со всем спектром творчества художников того времени можно познакомиться до 14 мая 2023 года в музее «Новый Иерусалим» на выставке «Под знаком Рубенса. Фламандская живопись 17-го века из музеев и частных собраний России».
биография
Питер Клаес родился примерно в 1596-1597 годах в Берхеме, недалеко от Антверпена, который тогда был частью испанских Нидерландов . В неизвестное нам свидание он впервые женился, кажется, на некоем Хиллегонте.
Он закончил бы свое ученичество в Антверпене; по крайней мере, на это указывает стилистическое сходство между его ранними работами и, прежде всего, работами Клары Петерс и Осиаса Берта ; но также возможно, что он знал натюрмортов Харлема: Николаеса Гиллиса (en) , Флориса Клаэса ван Дейка и Флориса ван Скутен . Его композиции, которые считались новаторскими, затем сделали его одним из самых оригинальных художников-натюрмортов; Так, в 1628 году Самуэль Ампзинг упоминает свое имя в стихотворении, которое он посвящает городу Харлему.
В 1634 году Питер Клас был зарегистрирован как член Гильдии Святого Луки Харлемского. Работая в основном в этом городе, Клас писал в основном произведения, чтобы выставить их на продажу, но иногда он также выполнял работы по заказу.
С 1628 года в Харлеме возникла серьезная конкуренция между Питером Клаэсом и Виллемом Клаэсун Хеда, которые были сильно вдохновлены им и внимательно следили за ним во всех его нововведениях.
№3 «Васильки», Исаак Левитан
Год: 1894
«Васильки», 1894 г. Частная коллекция (Москва), Исаак Левитан
Левитан любил натюрморты, и иногда, после прогулок в лесу, его мастерская походила на цветочный магазин. Он любил изображать полевые и лесные цветы на своих полотнах, чтил природу даже в самых скромных, простых ее проявлениях.
На картине «Букет васильков» мастер не изобразил вокруг вазы с цветами ни одной детали. Ничто не должно отвлекать зрителя от нежных васильков. На первый взгляд, цветы очень похожи между собой, но при более внимательном рассмотрении обнаруживается, что все иначе. Каждый василек имеет собственный оттенок — здесь и насыщенно-синие, и голубые, и розовые, и нежно-фиолетовые и даже белые.
С цветами в букете соседствует пшеница, пара ее колосков. Это создает ощущение небрежности, будто колоски попали в вазу по невнимательности. Однако в этом заключается особая притягательность композиции, ее шарм.
Пейзаж
Пейзаж для голландца — способ показать свою искреннюю любовь к родной земле. В итальянском искусстве пейзаж обычно выступал как фон, идеально красивый, но незначительный
Художники не заостряли свое внимание на разнообразие природы вокруг, фокус был на сюжете и действии. С голландскими художниками все было по-другому: пейзаж выступал и как сюжет, и как действие
Это был главный и единственный фон. Он был разнообразен, красочен, индивидуален. В пейзаж часто вписывали какие-то промышленные здания, мануфактуры, чего раньше не делал никто. Нарисовать мельницу в поле? Изобразить мануфактуру по переработке китового жира? Да где вы это видели, это недопустимо!
А на самом деле все органично вписывается и нереально красиво смотрится.
«Негры» у художников появились раньше, чем у писателей
Участие в политической жизни требовало всё больше времени, количество заказов росло, а среди картин в работе много огромных полотен с большим количество персонажей. Что же делать? Был найден гениальный выход, которым все остались довольны: и ученики, которые принимали участие в творческом процессе и приобретали бесценные навыки, и заказчик, который в срок получал шедевр. Много лет спустя претензии возникли у искусствоведов и экспертов аукционных домов при атрибуции. Как определить границу между работой Рубенса и его учеников?
Одни картины, выходящие из мастерской, принадлежали кисти самого художника, другие создавались под его руководством, а для написания третьих он привлекал своих учеников в зависимости от того, что у них лучше получается. И кто-то рисовал животных, а кто-то — пейзаж, интерьер или одежду.
Ян Брейгель Старший «Зимний пейзаж с ловушкой для птиц». (Собрание Валерии и Константина Мауергауз)
Такая школа многим шла на пользу. Набив руку, они сами становились мастерами. Учениками и помощниками Рубенса в разное время сбыли Якоб Йорданс, Ян Брейгель Старший, Антонис ван Дейк, Франс Снайдерс и другие знаменитые художники.
Франс Снейдерс, Натюрморт с устрицами и куропатками. (Международный институт антиквариата)
Увеличение спроса на художественные произведения, когда их стали приобретать не только высшие слои общества, но и «средний класс», привело к тому, что такие мастерские стали тиражироваться и даже выкристаллизовался определенный алгоритм, по которому создавали полотна. Глава мастерской сам делал эскиз и утверждал его у заказчика, а затем давал задания ученикам-подмастерьям. Только в самом конце он проходился по почти готовой работе рукой мастера. Питер Рубенс в своей мастерской довёл эту систему до совершенства. Он никогда не скрывал того, что работать ему помогали подмастерья. Себя он называл «учёным художником» — pictus doctus, а главным считал «замысел и воображение» — idea и invetnzione.
После смерти Рубенса самым знаменитым художником Антверпена стал Якоб Йорданс
Творчество Йорданса от Рубенса отличает то, что он в меньшей степени был под влиянием итальянских мастеров. Например, он не поехал учиться в Италию. При этом, как и многие его современники, он испытывал влияние великого новатора Караваджо и унаследовал его бунтарский дух. Не случайно некоторые его картины оказывались в центре скандала и облагались штрафами.
Якоб /Жак/ Йорданс «Мелеагр и Аталанта». (Екатеринбургский музей изобразительных искусств)
Ещё одно отличие — на своих картинах Йорданс изображал простых горожан и даже крестьян чаще, чем королей и античных героев. Как и у Рубенса, у него появилась мастерская, учеником которой стал его сын Якоб Йорданс Младший.
№12 «Натюрморт с сиренью», Кузьма Петров-Водкин
Год: 1928
«Натюрморт с сиренью», 1928 г. Частная коллекция, Кузьма Петров-Водкин
Картина — типичный образец стиля художника. Он характеризовался незаурядной палитрой цветов, различными оптическими иллюзиями и новыми для зрителя точками обзора. Привычные вещи Петров-Водкин изменяет, прибегая к фактурному и цветовому контрасту предметов на картине. Центр композиции — ветка сирени, поставленная в стакан воды, и, скорее всего, свежесрезанная. Она окружена чернильницей из хрусталя, а также письмом, спичечным коробком, опавшими листьями и экземпляром L’Art Vivant. Именно этому французскому журналу в 1925 году Кузьма Сергеевич давал интервью. Композиция расположена на синей скатерти. Это произведение очень напоминает другое его «детище» — более позднюю «Черемуху в стакане» (1932). Натюрморт имеет большое значение в искусстве как жанр, позволяющий говорить языком предметов, создавать эмоциональную атмосферу. Сегодня он не утратил популярности. Многие маститые и начинающие художники изображают плоды, цветы, другие предметы в различных стилях. Наверняка некоторые из них со временем станут предметом восхищения и настоящей классикой.
Почему «малые» голландцы?
Наверняка, первое, что приходит в голову, когда впервые услышал этот термин, это маленький рост этих самых голландцев. Однако, к росту и размерам представителей нации термин не имеет никакого отношения. Сами голландцы — абсолютно нормальные во всех отношениях. Хотя нет, они гениальные в своем таланте живописи! Им удалось создать маленькие картины с тончайшей нюансировкой и детализацией, а сцены на их полотнах олицетворяют бытовые сюжеты, содержат натюрморты или передают красоту пейзажа.Таким образом, «малые голландцы» это три основных критерия:1. Маленький размер (примерно 40х30).2. Тщательная детализация (ткани, посуда, интерьер и пр.).3. Принадлежность к трем жанрам: бытовой, натюрморт или пейзаж. А большее и не вместится.Почему же создавались такие маленькие картины? Это обусловлено коммерческими причинами. Основной средний класс — бюргеры, ремесленники — жили в небольших комнатах, в которых монументальные картины вряд ли получится повесить. Работы «малых голландцев» предназначались не для дворцов или храмов, а для скромного интерьера обычного жилого дома и отличались особым интимно-камерным характером изображения. Да и ценник на маленькие картины был ниже, чем на большие. К «малым голландцам» прежде всего относят Яна Вермеера, Питера де Хоха, Герхарда Тербоха, Яна ван Гойена, Питера Класа и других мастеров.
Питер де Хох (1629–1684)
Картины голландского художника Питера де Хоха ценятся прежде всего за особенное видение спокойствия и порядка жизни. Лучшие работы де Хоха были написаны во время его проживания в Делфте. Его мастерство в продуманном пространственном построении очень явно в работе «Игроки в карты» (1658). В ней прямоугольные формы архитектурных деталей и элементов обстановки образуют абстрактный узор, в котором фигуры складываются в удивительную гармонию и равновесие. Абсолютный порядок! Очень часто де Хоха сравнивают с Вермеером.Были ли они знакомы (учитывая, что оба проживали в Делфте в одно время), какие у них были отношения и каково было их взаимное влияние — доподлинно неизвестно. Стиль де Хоха отличается от техники Вермеера тем, что его свет и цвета теплее, его пространственные конструкции более сложные, а его фигурам не хватает трехмерности Вермеера. Лицам, которые красит Де Хох, немного не хватает уверенности, внутреннего стержня, характерности. Они более слабые, словно дополняют композицию, а не определяют ее. Но все это, безусловно, не умаляет мастерства де Хоха в передаче гармонии жизни через свои полотна.
Федор Рокотов (1735-1808)
Фёдор Рокотов. Автопортрет. 1757. Третьяковская галерея.
Фёдор Степанович Рокотов… был крепостным. Что на самом деле не удивительно для той эпохи.
Именно людей подневольных в первую очередь отправляли учиться живописи. Так художественная академия была спокойна, что спорить с заведёнными традициями люди, привыкшие подчиняться, не будут.
Но, так или иначе, только талант помог Рокотову пробиться на самый верх, к пышным залам аристократов и самой императрицы Екатерины II.
Рокотов – это наше русское «сфумато». Как и творения Леонардо да Винчи, портреты живописца пленяют загадочными полуулыбками, мягким светом и лёгкой размытостью.
На счету Рокотова создание нового жанра, которому суждено стать чуть ли не национальным «ноу-хау» в искусстве – камерный интимный портрет.
К числу самых известных картин относят «Неизвестную в розовом платье».
Фёдор Рокотов. Портрет неизвестной (Дама в розовом). 1764. Третьяковская галерея.
Это признанный шедевр, который просто поразил современников. Художник с помощью мельчайших градаций цвета: от лёгкого, тёплого до насыщенного, создаёт эффект мерцания света и трепетания воздуха. И все это довершается «вишенкой на торте» в виде любезной улыбки и глубокого взгляда героини.
А портрет внебрачного сына Екатерины II, Алексея Бобринского видел каждый, кто интересуется историей.
Милый мальчуган с погремушкой, в чепчике с оборками больше походит на девочку. До пяти лет детей не делили по половому признаку, и наряды были одинаковые для всех.
Фёдор Рокотов. Алексей Бобринский. Середина 1760х годов. Русский музей, Санкт-Петербург.
В это время Рокотов был самым почитаемым при дворе художником и любимцем императрицы. Поэтому художник рискнул и придал портрету мальчика черты матери. Хотя происхождение Алексея хранилось в строжайшем секрете.
В портретах Рокотова можно отметить не только реализм свето-воздушной среды. Но и умение передать характер модели: чувство достоинства, гордость, внутреннюю красоту, душевное богатство.
Ни на каком другом портрете Екатерина Великая не была столь грандиозна, величава и…красива, как у Рокотова.
Фёдор Рокотов. Портрет Екатерины II. 1763. Третьяковская галерея.
Написанный в честь коронации, портрет стал эталонным изображением Екатерины II. Мастер выбрал редкий ракурс для того времени – профильное изображение, выстроив всю композицию вокруг героини.
Властность и честолюбие императрицы Рокотов облагораживает, превращая в прекрасные стремления. Художник улавливает её живой характер, ясный ум, энергию.
Именно благодаря Рокотову мы имеем редкую возможность увидеть, как выглядели его знатные современники. И везде мы отметим реалистичность, благородство и красоту.
Более подробно творчество Рокотова мы изучаем на курсе “Дневник Русской Живописи”.
***
Такие разные, художники XVIII века, каждый по-своему видел живопись и будущее любимого искусства.
Француз Ватто стал «певцом» аристократического общества.
Еще один француз, Шарден, впервые обратился к бытовым сюжетам, найдя в этом чрезвычайную красоту и поэзию.
Итальянец Каналетто прославил городские пейзажи.
Швейцарец Лиотар по-новому взглянул на портретный жанр, выдвинув на передний план пастельную технику.
Немец Менгс стал основоположником «неоклассики».
А русскому Рокотову было суждено, словно летописцу, оставить для нас талантливые изображения многих влиятельных соотечественников.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Ян Вермеер (1632-1675)
Практически игнорируемый в свое время, в наши дни Ян Вермеер считается одним из наиболее ярких представителей «малых голландцев» и старых мастеров. Самая известная работа — «Девушка с жемчужной сережкой» — в которой взаимодействие света на различных тканях и удивительное отражение, сияющее на этой жемчужной сережке, делают ее одним из шедевров западного искусства. Вермеер использовал в своей технике камеру-обскуру, ставшую доступной в Нидерландах в середине XVII века.Лучшие работы Вермеера включают изображения окон, и Вермеер использовал свой новый инструмент для передачи волшебной свето-тени. Неспроста его называют волшебником света. Что еще выделяет его на фоне коллег-малых голландцев? Удивительная любовь к желто-синей палитре. Кстати, Вермеер был одним из немногих, кто позволял себе использовать один из самых дорогих и редких пигментов — синий ультрамарин.
Работает
Наряду с Виллемом Клаэссооном Хедой , который также работал в Харлеме, он был одним из самых важных художников определенного типа натюрморта, который можно разделить на три категории, называемые по-голландски:
- « Ontbijtgens » (т.е. букв. «Завтраки»): натюрморт с хлебом, ножами, рыбой, тем, что мы едим во время еды в конце утра;
- « Banketgens » (т.е. буквально «маленькие банкеты»): натюрморт, в котором представлен хорошо наполненный паштет;
- « Toebackjes » (то есть буквально «маленький табак»): натюрморт с табаком, трубкой и другими подобными предметами.
Некоторые натюрморты Класа относятся к смерти и быстротечности жизни и удовольствий; это называется суетой . Обычно он использует потухшие или полностью перегоревшие свечи, музыкальные инструменты, часы, старые книги, пишущие инструменты, такие как гусиные ручки, черепа и т. Д. Таким образом, эти натюрморты Класа были предназначены не для того, чтобы произвести впечатление, а, скорее, для того, чтобы побудить публику вести хорошую и религиозную жизнь.
Заметна эволюция композиции. Если вначале он часто располагал объекты крест-накрест или строго по диагонали, позже он гораздо больше использовал перекрытие объектов, что создавало большую глубину. Кроме того, в течение своей жизни он расширил свою точку зрения: таким образом, вид сбоку на стол натюрморта стал более частым, чем вид сверху.
Клас часто использовал одни и те же предметы в своих натюрмортах: нож с тяжелой перламутровой ручкой, ример , бутылку из коричневого стекла, оловянные тарелки и кувшины на гусиной шее, а также прекрасные фарфоровые раковины, импортированные из Китая. Часто стакан изображают лежащим, что придает композиции определенную напряженность.
Если в начале своей карьеры Клас довольно часто использовал яркие цвета, то впоследствии его работы смягчились и их атмосфера стала более интимной, и он использовал почти монохромные цвета. Это развитие также произошло среди художников-пейзажистов, в том числе у сына Клаэса , Николая Берхема .
В Claesz замечательно использование света и тени. Он рисует отражения от одного объекта к другому и может дать хорошую передачу эффекта света на различных поверхностях, что позволяет отличить оловянную тарелку от серебряной тарелки, ремешка, керамического горшка. Это мастерство в обработке материала появляется также во многих голландских художников XVII — го века .
Клас вместе с Хедой был у истоков традиции натюрморта. Кроме того, Николай Берхем, сын Класа, был известным пейзажистом.
Питер Клас из Лувра
Натюрморт с музыкальными инструментами , Лувр , Париж .
В музее Лувра есть только одна картина Питера Класа: Натюрморт с музыкальными инструментами , масло на дереве, 69 на 122 см, с монограммой и датированный PC A (nn) O 1623 .
Работа была «подарена» Лувру в 1939 году текстильным промышленником Фридрихом Унгером (1891–1954), чтобы облегчить его натурализацию . В то же время Фридрих Унгер подарил картину Франческо Тревизани , которую тогда приписывали Жаку-Луи Давиду , и натюрморт Яна II Хема через своего партнера Отто Аннигера. Если администрация быстро приняла тройное пожертвование, процедура натурализации проходила медленнее и провалилась. Израильтянин без гражданства , проживавший в то время в Орийаке , Унгер смог бежать из Австрии. Заключенный в тюрьму гестапо , он продал свои доли в своих текстильных компаниях промышленникам и бросил большую часть своей коллекции картин. В послевоенный период он тщетно пытался вернуть свои работы, подаренные Лувру. Его дочь Грета, родившаяся в 1927 году, смогласентябрь 2009 г., получить финансовую компенсацию от правительства Франции в размере 1,37 миллиона евро.
Список работ
- Натюрморт с фруктами и пирожными , с монограммой и датой 1622 года, 45 × 59 см , Sotheby’s London, 03-07-97
- Натюрморт с музыкальными инструментами , 1623, 69 × 122 см , Лувр , Париж
- Натюрморт со свечой , 1627, 26 × 37 см , Гаага , Маурицхейс
- Тщеславие , 1628, дерево, масло, 71 × 80 см , Амстердам , Рейксмузеум
- Тщеславие , 1630, дерево, масло, 39 × 56 см , Гаага , Маурицхейс
- Натюрморт с бокалом пива , 1644 г., дерево, масло, 59 × 82 см , Нантский музей изящных искусств
- Обед с ветчиной , 1652, дерево, масло, 63 × 76 см , Эрмитаж , Санкт-Петербург
Немного истории
Появление голландской школы живописи в начале XVII века является одним из самых необычайных явлений в истории изобразительного искусства. Нидерланды к тому времени уже стали политическим образованием, но все еще страдали от последствий долгой и тяжелой войны против Испании. И все же успех маленькой республики в обретении независимости от могущественного противника привел к огромному чувству собственного достоинства.
Голландцы гордились своими достижениями, своей землей и намеревались создать форму правления, которая обеспечила бы прочную основу для будущего. Безусловно, они были горды и своим культурным наследием. Произведения голландских художников XVII века составили одну из ярчайших страниц мировой живописи. В течение XVII века в голландском искусстве было создано от 5 до 10 миллионов произведений искусства. И только 1% из них дошли до наших дней. Произведения искусства, от простых печатных изданий и копий до оригиналов, висели почти во всех голландских домах. Например, 2/3 картин были найдены в частных домах Делфта. Нидерланды производили бесчисленные шедевры в каждом жанре живописи. Особенно изумительны были работы «малых голландцев».
И что в итоге?
Малые голландцы — мастера, сумевшие вывести те жанры живописи, которые были недоступны для понимания целому миру. Красочные натюрморты, величественные пейзажи, детализированные бытовые сценки… Перечислять можно до бесконечности.
Удивительная их любовь ко всему близкому, интимному, тихому и семейному. Голландцы учат ценить то, что кажется неброским и не роскошным, прививают восхищение к обыденному. Реализм как течение в живописи во многом отталкивался от искусства голландцев, ведь их творчество как раз про реальность, открытую и неприукрашенную, тихую и невероятно уютную.