Абстракционизм (начало 20 века)
Этот стиль зародился в России, его предшественниками являются Василий Кандинский и Эдвард Мунк. Это направление исключает все прямые отсылки к реальности и вводит в композицию только простые геометрические формы.
Цель абстракционизма — избавиться от объекта, от реальности, отказаться от подражания природе. В течение многих лет абстракционисты отклоняли принятые формы, заменяя линию размытием, а вертикальную — горизонтальной. Абстрактные работы получили название «нерепрезентативные», что отсылает к самому названию этого направления. К самым известным абстракционистам относятся:
- Василий Кандинский
- Джексон Поллок
- Казимир Малевич
Картина Сальвадора Дали — «Лицо войны»
Этимология и семантика
Живопись — своеобразная манера письменности
Русское слово живопись указывает на реализм этого искусства в эпоху барокко, когда в России начали писать картины в западном стиле, преимущественно масляными красками. В иконописи употребляется глагол «писать», так же как в греческом языке. В то же время «живописать» может быть понято как энергичная, своеобразная манера писать, то есть и как своего рода письменность.
В связи живописи с письменностью семиотики видят и определённую манеру создавать знаки.
История живописи развивается и блуждает именно в этих двух смыслах: в изобразительности, реалистичности и — знаковости: от иконы (образ) к абстракции.
«Функции» живописи
Как и другие виды искусства, живопись может выполнять познавательную, эстетическую, религиозную, идеологическую, философскую, социально-воспитательную или документальную функции.
Однако основное и первостепенное выразительное и содержательное значение в живописи имеет цвет, который сам по себе является носителем идеи (в том числе и в силу психологических факторов воздействия и восприятия). Это весьма убедительно разъясняет и показывает, например, теория И. Иттена. Неслучайно существует такое понятие как «литературность», когда живопись, по той или иной причине, не обладая достаточными пластическими и выразительными качествами, привлекает в свой арсенал чисто повествовательную, «литературную» составляющую.
Тем не менее, эволюционируя вместе с человеком и со всем миром, живопись приобрела и новое истолкование, и новое понимание задач. Так, изначально обладая явными признаками самостоятельных пластических характеристик (неслучайно одним из основных параметров, отделяющих живописную технику от графических, является мазок, предоставляющий большой диапазон именно пластических возможностей — в наибольшей степени, конечно, самому распространённому виду — масляной живописи, но и, конечно же, — многим новым её видам и техникам, подразумевающим синтез форм). Представление о путях и задачах живописи, как и все средства, и способы самовыражения, искусствознание и творческая среда — испытали на себе явное влияние развития общего познавательного процесса, но закономерно и сами они повлияли на него, коснувшись многих сторон мировоззрения и деятельности человека.
Переосмысление функций живописи, как, впрочем, и всего творчества, прошло через отрицание целесообразности её как таковой («Только осознав, что это совершенно бессмысленно, можно начать творить» — говорит Р.-М. Рильке); — через осознание того, что «это глубинный иррациональный процесс» — в таком мнении сходятся не только тот же Р.-М. Рильке и правильно воспринятый, хорошо понятый им П. Клее, но и многие художники и философы; причём подготовило новое понимание искусства и его задач само их развитие: невозможно было уместить всю полноту быстротечной жизни, технических и технологических, наконец — общественных и нравственных преобразований — в прокрустово ложе идеологических и академических догм и штампов, жречески изолирующих искусство от самого развития жизни, сводящих именно к «хорошо понятным и давно известным» функциям сам этот глубинный творческий процесс.
Особняком стоит живопись, создаваемая людьми, в разной степени неадекватно воспринимающими окружающую действительность, в произведениях которых не наблюдается попыток сблизиться с реалистическим её отображением. В ряде случаев такие полотна создаются лицами с отклонениями психики от общепринятой нормы и, даже, пациентами медицинских учреждений.
Пещерная живопись
История живописи началась тогда, когда человек впервые что-то изобразил на первой попавшейся ему поверхности при помощи краски.
Живопись возникла в эпоху позднего палеолита (40—8 тыс. лет назад). Сохранились наскальные росписи (в пещерах Фон-де-Гом в Южной Франции, Альтамира в Северной Испании и др.), исполненные земляными красками (красными, желтыми и коричневыми охрами, умброй), черной сажей и древесным углем с помощью расщепленных палочек, кусочков меха и просто пальцев; создавались правдивые, выразительные, динамичные изображения отдельных животных, а затем и охотничьих сцен. В живописи палеолита встречаются как линейно-силуэтные изображения, так и несложная моделировка, но композиционное начало в ней еще слабо выражено.
Более развитые, более абстрактно-обобщенные представления о мире отразились в отвлеченно-ритмизированной живописи неолита (росписи в Вальторте, Испания); в неолитических изображениях, сознательно связываемых в повествовательные циклы, появляется человек.
картина
Многие из произведений, созданных в византийской живописи, были фигурами Девы Марии с Младенцем Иисусом в руках. Это был самый повторяющийся религиозный мотив за все время существования этого искусства, подчеркивая религиозное влияние на художников того времени..
Рисованные фигуры были очень стилизованы, но они были неестественными и даже абстрактными. По мнению историков, это могло быть связано со снижением реалистичных стандартов периода. Тем не менее, это также может означать просто изменение стиля искусства, которое поддерживалось в течение нескольких веков.
Кроме того, церковь и монастыри диктовали стиль искусства, которым должны были пользоваться художники, что не позволяло византийской живописи процветать свободно, как это было в других художественных движениях..
Картины во многих случаях даже не были «творениями» художника. Это были просто изображения, запрошенные католической церковью, и художники должны были придерживаться запросов, сделанных им их религиозными руководителями.
Эти влияния высшего командования Церкви частично помогли, что византийская живопись была однородна в течение всего этого художественного периода. Для членов высшего командования Церкви художники были лишь средством для осуществления разработанных ими образов..
Основные методы
У периода византийского искусства было два стиля живописи, которые выделялись как главные: те картины, созданные в фресках, и картины, созданные в мольбертах.
Большая часть росписей византийского искусства была сделана из дерева с использованием масляной краски или темперы для создания изображений. Эти фрески были сделаны, более всего, в церквях и храмах.
Они были только религиозными композициями, носили символический характер и соответствовали абстрактным характеристикам византийского стиля. Художники не стремились четко представлять образ человека, а скорее создавали рациональное представление того, что считалось их природой..
Поскольку византийское искусство развивалось в разные периоды, менялись позы людей и их выражения. Эти изменения отражают эволюцию византийского художественного стиля за более чем тысячу лет существования..
Наиболее распространенными темами, написанными на фресках, были: Дева Мария, Младенец Иисус, Воскресение, Страшный Суд и Слава Божья.
Среди самых выдающихся византийских картин: иконы Святой Екатерины де Синай, Муралес монастырей Метеоры и фрески монастырей Монтес-Альтос..
скульптура
Очень мало скульптурных произведений было создано в византийский период. Тем не менее, скульптура использовалась в меньших масштабах в некоторых значительных небольших творениях эпохи.
Например, раньше он лепил небольшие художественные рельефы из таких материалов, как слоновая кость. Это в основном использовалось для украшения обложек книг, коробок с реликвиями и других подобных работ меньшего масштаба.
В то время как не было никаких значительных крупномасштабных скульптур (мозаика была предпочтительна для архитектурного украшения), более богатые люди Византии действительно просили создание скульптурных элементов.
Это произошло больше всего в Константинополе, столице империи. Там, в высшем обществе, были маленькие золотые произведения с некоторыми орнаментами для вышивания. Скульптурные произведения большего масштаба существовали на этом этапе истории человечества, но не в основном в византийский художественный период.
Резные фигурки из слоновой кости, которые чаще всего использовались для создания, были диптихами и триптихами с религиозной темой, представляющими библейские события, такие как распятие Христа..
Одним из наиболее ярких примеров византийской скульптуры является диптих Асклепия, созданный в 5 веке и в настоящее время находящийся в Городском музее Ливерпуля..
Жанры живописи
В XVII веке расширилась и четко оформилась система жанров. В XVII—XVIII веках процветает монументально-декоративная живопись (особенно в стиле барокко), существующая в тесном единстве со скульптурой и архитектурой и создающая, часто с помощью иллюзионистических эффектов, интенсивно действующую на человека эмоциональную среду. В то же время возросла роль станковой живописи.
Усложнение проблематики живописи, обилие стоявших перед ней задач, классовая и сословная дифференциация мироощущения привели к формированию различных живописных систем, как обладавших общностью стилевых признаков (эмоционально насыщенная, динамичная живопись барокко, с характерной незамкнутой, спиралевидной композицией; строго уравновешенная живопись классицизма с ее культом четкого, строгого, ясного рисунка, преобладанием объемно-светотеневого начала над цветом, локальностью цвета; живопись рококо с ее игрой изысканнейших и текучих нюансов цвета, светлых и блеклых тонов), так и не укладывавшихся в какие-либо определенные стилевые рамки.
Стремясь к тончайшему воспроизведению красочности мира, световоздушной среды, многие художники совершенствовали систему тональной живописи. Все это, вызвало резкую индивидуализацию технических приемов преобладавшей в XVII-XVIII веках многослойной масляной живописи.
В то же время картины нередко выполнялись одновременно несколькими художниками, специализировавшимися по определенным изобразительным мотивам. Нарастание станковизма, усиление потребности в произведениях, рассчитанных на интимное созерцание, повлекли за собой развитие камерных, тонких и легких техник живописи — пастели, акварели, туши, различных видов портретной миниатюры.
Жанры живописи
Живопись разных жанров. Их отличает текстура, изображенная на полотне.
- Пейзаж. Род используется для обозначения дикой природы.
- Марина. Включает в себя рисование морских пейзажей.
- Портрет. Жанр предназначен для детального рисования одного или нескольких людей.
- Одомашненный. Задача руководства — показать особенности личной и общественной жизни человека, социальных проблем и повседневной жизни.
- Натюрморт. Создан для изображения неодушевленных предметов. На полотнах нарисованы фрукты, цветы, тарелки и другие предметы домашнего обихода.
- Исторический. На холсте изображены события, происходящие в настоящем или прошлом и имеющие социальное значение.
- Боевой. Он позволяет запечатлеть сражения на суше или на море на холсте.
- Архитектурный. В жанре представлена архитектура (городские пейзажи, отдельные здания и сооружения, дворцовые интерьеры).
- Анималистический. Главные герои полотен — домашние или дикие животные, птицы, ящерицы, насекомые.
- Обнаженная. Создан, чтобы подчеркнуть красоту обнаженного тела.
Кубизм (20 век)
Это направление зародилось в Париже, его предшественниками были Пабло Пикассо и Жорж Брак. В технике росписи были внедрены такие приемы, как приклеивание цветных кусочков бумаги или объемных фигур, вложенных в плоскость живописи. Кубизм полностью сломался даже при частичном отражении действительности. Вместо этого кубисты пытались извлечь из реальности больше геометрических форм, перспектива была отвергнута.
Правило заключалось в том, чтобы уменьшить каждую форму до формы куба, а затем разбить ее на более мелкие элементы, которые принимают форму различных геометрических фигур, видимых в разных условиях освещения. Натюрморт был основной темой кубизма, но были и изображения человеческих фигур.
- Пабло Пикассо
- Жорж Брак
Картина Василия Кандинского — «Доминирующая кривая»
Живопись романтизма
В XIX веке живопись шире и глубже других видов изобразительного искусства решает сложные и актуальные мировоззренческие проблемы, играет активную роль в общественной жизни, будучи часто связанной с социальными и национально-освободительными движениями; важное значение в живописи XIX века приобрела острая критика социальной действительности. В то же время на протяжении всего XIX века в живописи официально культивировались далекие от жизни академические каноны, отвлеченная идеализация образов, возникли натуралистические тенденции, игнорировавшие специфичность, самостоятельную экспрессию выразительных средств живописи. В борьбе с этими тенденциями, с рационалистичностью и отвлеченностью официальной салонно-академической живописи складывается живопись романтизма с ее эмоциональным накалом, активным интересом к драматическим событиям истории и современности, показом сильных человеческих страстей, энергией живописного языка, динамикой построений, контрастностью света и тени, насыщенностью колорита (Т
Жерико, Э. Делакруа во Франции; во многом О.А. Кипренский, Сильвестр Щедрин, К.П. Брюллов, А.А. Иванов в России).
Импрессионизм
Направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, зародившееся во Франции и затем распространившееся по всему миру, представители которого стремились разрабатывать методы и приемы, которые позволяли наиболее естественно и живо запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.
«Впечатление. Восходящее солнце», Клод Моне
Обычно под термином «импрессионизм» подразумевается направление в живописи (но это, прежде всего, группа методов), хотя его идеи также нашли своё воплощение в литературе и музыке, где импрессионизм также выступал в определенном наборе методов и приемов создания литературных и музыкальных произведений, в которых авторы стремились передать жизнь в чувственной, непосредственной форме, как отражение своих впечатлений.
Аристократизация искусства в конце XVII века
- Рембрандт. «Андрис де Греф»
- Геррит ван Гонтгорст. «Фредерик Гендрик, герцог Оранский, с семьей».
- Рембрандт. «Агата Бас».
- Франс Халс. «Виллем Хейтхейзен»
Корнелис Трост. Забавы в парке.
Саймон Питерс Верелст. «Принц Руперт». Элементы аристократизации присутствовали в искусстве Голландии и раньше, но не доминировали. Эти черты присущи и ранним портретам Рембрандта и произведениям менее одарённых художников. Даже Франс Халс изображает обогатившихся предпринимателей и торгашей как аристократов. Особенно заметны тонкие, аристократические черты в портретах местных и иностранных вельмож (и новых богачей, что покупали себе дворянские титулы). Тип парадного, репрезентативного портрета стал складываться ещё в Италии 16 века — портреты римских пап, портреты правителей мелких итальянских княжеств, венецианских аристократов. Особенно заметными были черты аристократизма в искусстве Фландрии (герцогство Брабант), а художники-фламандцы Рубенс и Годфри Неллер, а особенно Антонис ван Дейк способствовали развитию и становлению репрезентативного портрета в Италии и Англии. Великобритания стремительно развивалась и становилась новой супердержавой Западной Европы, вытесняя из сфер влияния Нидерланды, Испанию, Францию. Антонис ван Дейк настолько повлиял на композиции и образный строй репрезентативного портрета, что те стали образцами. Над развитием находок ван Дейка стал работать и ряд голландских художников. Старую и новую аристократию в Голландии тоже обслуживают в основном портретисты, среди которых —
- Бартоломеус ван дер Гельст (1613—1670)
- Геррит ван Хонтхорст (1590—1656)
- Абрахам Ламбертсон ван ден Темпель (1622—1672)
- Саймон Питерс Верелст (1644—1721)
- Адриан Ханнеман (1604—1671).
Богачи на портретах конца 17 в. демонстрируют модные платья и шляпы с перьями, ценное оружие, принимают горделивые позы. Голландец Адриан Ханнеман настолько совершенно подражает образам ван Дейка, что его портреты принимают за произведения самого фламандца. Саймон Питерс Верелст пишет немецкого принца Руперта в манере аристократа-интеллектуала французского образца, игнорируя и его жестокость, и воинственность, и безнравственность. Черты аристократизма настолько преобладают в искусстве Голландии на рубеже 17-18 вв., что влияют и на жанровую живопись, которая (как и голландский портрет) теряет демократические черты (Корнелис Трост, «Забавы в парке», «Портрет Иеронима Тоннемана с сыном»).
Средние века (476 — 1492)
В этот период бурно развивались живописные техники, в основном рисование на доске, в средние века преобладала темпера, затем масло и фреска. Особенностью картин этого периода является отсутствие перспективы, из-за чего изображение кажется плоским. Анатомического реализма не наблюдалось, поэтому пропорции тела не подходили.
Картина Иеронима Босха — «Сад земных наслаждений»
Лейтмотивом средневековья была религия, изящные искусства развивались прежде всего в церквях и почти исключительно касались сферы священного. Это искусство должно было отдать дань уважения Богу, такие фигуры, как Христос, Мария или апостолы, всегда помещались в центре картины. Эти фигуры также преобладали над остальными человеческими фигурами. Благодаря сакральному стилю того времени отдельные части росписи были богато украшены золотыми хлопьями. В конце средневековья зародилась пейзажная живопись, которая сегодня известна как пейзаж.
Культ божественности навязал анонимность подавляющему большинству художников того периода, но наиболее узнаваемыми являются:
- Ганс Мемлинг
- Иероним Босх
- Джотто ди Бондоне
Барокко (конец XVI — первая половина XVII века)
Название «барокко» означало странности и нестыковки в искусстве. Произведения в стиле барокко отличались большой формой, размахом и смелостью. Улучшена реалистичность человеческих фигур, простые люди стали моделями. Динамика персонажей также стала важным элементом. Светотень был очень важным аспектом живописи, и многие художники того периода посвятили себя развитию навыков в этом направлении.
Самыми популярными видами работ были: пейзажи, натюрморты, портреты и жанровые сцены. В работах была явная асимметрия и максимально достоверное отражение действительности во всех ее аспектах.
Тематика произведений была чрезвычайно разнообразной, преобладала так называемая тематическая эклектика, христианская символика сочеталась с мифологией. Также были нарисованы эротические и драматические сцены, такие как сражения, зверства и похищения людей. Тогда же возник натюрморт, который вместе с мотивом черепа символизировал отход от земных ценностей. Хотя в последующие века барокко определялось как век безвкусицы, никто не может отрицать талант таких художников, как:
- Караваджо
- Рембрандт
- Ян Вермеер
Картина Франсуа Буше — «Портрет мадам де Помпадур»
Модернизм и авангард
Эти направления в искусстве XX века стремились найти что-то совершенно новое, утвердить нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля.
Из-за того, что до сих пор не существует теорий и типологии модернизма и авангарда (авангардизма) как литературно-художественных явлений, разброс мнений о соотношении двух этих понятий варьируется от их полного противопоставления до полной взаимозаменяемости.
«Икона» мирового авангарда — «Чёрный квадрат», Казимир Малевич
В целом новейшее время в искусстве можно охарактеризовать как стремление ко всему новому и нетрадициональному. Присутствует сильное смешение школ и стилей.
Техники живописи
Долгое время считалось, что история живописи маслом ведет свой отсчет с XV века, а её родоначальником был нидерландский художник Ян ван Эйк. Джорджо Вазари, автор «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» назвал ван Эйка изобретателем масляной живописи, позднее это утверждение повторил Карел ван Мандер. Благодаря искусствоведу И. Мериме мнение о ван Эйке, как о первооткрывателе живописи маслом, распространилось в специальной литературе. Однако неизвестно ни одного свидетельства современников художника, что именно он был изобретателем нового метода. Художники и Северной и Южной Европы работали масляными красками задолго до ван Эйка.
Масляная краска получается в результате соединения красящего пигмента с льняным маслом. В качестве разбавителя используется пинен, уайт-спирит и другие растворители масел. Для ускорения высыхания применяют разбавительные лаки (например, пихтовый). Красочный слой в зависимости от толщины может сохнуть от двух-трех дней до нескольких месяцев. При этом окончательная полимеризация молекул затягивается на десятки лет.
Масляная живопись требует использования специального грунта. Обычно он состоит из двух частей — нижних двух клеевых слоев (рыбий клей, желатин), предотвращающих проникновение масла в холст или дерево и последующее гниение и трех-пяти верхних слоев — для улучшения адгезии, то есть соединения краски с грунтом, в состав которых обычно входит клей, мел, глицерин.
Для работы с масляной краской используют щетинные, колонковые и синтетические кисти, а также другие инструменты — мастихины, шпатели.
После высыхания масляной краски картина может быть покрыта покрывным лаком (например, фисташковым, акриловым). Это делается как для защиты красочного слоя, так и для равномерности отражающего блеска её поверхности.
- темпера;
- эмаль;
- гуашь (поскольку в качестве основного материала художник использует бумагу, характерную для графических видов изобразительного искусства — классифицируется и как графика; об этом говорит и применение последней для создания монохромных произведений);
- пастель (к этой технике справедливо замечание аналогичное тому, что высказано относительно предшествующей);
- тушь (и в данном случае, как и в двух предыдущих — нельзя однозначно отнести к графике; на Востоке, например, каллиграфия, по большей части использующая этот материал, традиционно считается живописью, как, впрочем, и академическая китайская живопись использовала по преимуществу именно тушь — ахроматическая гамма);
- живопись по штукатурке: фреска и а секко;
- граттаж;
- гризайль;
- карнация;
- лессировка;
- пуантилизм;
- сграффито;
- сфумато;
- клеевая живопись;
- восковая живопись: энкаустика, восковая темпера и холодный способ (восковые краски на скипидаре);
- живопись керамическими красками;
- живопись силикатными красками;
- акварельная живопись (техника акварели различна, некоторые приёмы ближе к живописи, некоторые — к графике; поэтому неслучайно в тезаурусе присутствует такой оборот: «рисовать акварелью»);
- сухая кисть;
- акрил;
- смешанная техника.
Техники живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком. Это уже отметил Леонардо да Винчи.
Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.
гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.
Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.