Основные темы
Большинство живописцев специализировалось на каком-либо жанре. Популярны были исторические полотна, изображавшие события и подвиги прошлого, библейские, мифологические, литературные или аллегорические сюжеты. Пейзажи вызывали особое восхищение, если на них были запечатлены узнаваемые места. Прекрасно продавались серии картин, изображавших одно и то же место в разное время года, и морские виды. В моде были и жанровые сцены, где люди занимались своими повседневными делами, — унаследованный от мастеров раннего северного Ренессанса сюжет.
Зачастую художники помещали в композицию символические «ключи», имевшие определенный поучительный смысл, и поиск таких скрытых «наставлений» создавал дополнительный интерес у покупателя. Завораживающие своим реализмом детали натюрмортов демонстрировали ценность подлинной жизни и мимолетную природу тщеславия и суеты. Но наиболее распространенным жанром были, пожалуй, портреты, ибо преуспевающие представители среднего класса стремились сохранить свой образ для потомков.
В это время появилось беспрецедентное количество выдающихся художников — Рембрандт (1606-1669), Франс Хальс (около 1580-1666), Рейсдаль (около 1602-1670), Стейнвик (около 1612-1659), Де Хоох (1629-1684) и Вермеер (1632-1675).
Ре́мбрандт Ха́рменс Ван Рейн
Франс Хальс
Якоб Ван Рейсдал
Питер де Хох
Йоханнес Вермеер
Утрехтские караваджисты
Отдельную группу в искусстве Голландии XVII века заняли так называемые «утрехтские караваджисты». Жители Утрехта, в отличие от большинства художников протестантской Голландии, исповедовали католицизм и всё ещё поддерживали связь с культурным и религиозным центром того времени — Римом. Тут в том числе работали представители нидерландского маньеризма предыдущей эпохи, то есть XVI века. Среди художников, десятилетиями живших и работавших в Риме, были Хонтхорст, Дирк ван Бабюрен, Паулюс Бор, Тербрюгген. Последний встречался в Риме с самим Караваджо и оказался под впечатлением от его произведений.
Поселился и всю жизнь провёл в Италии Маттиас Стом, чьи работы стали достоянием культуры двух стран — Италии и Голландии XVII века.
Известная культура Нидерландов
Нидерланды дали миру известные фамилии живописцев и философов, спортсменов и математиков. Культура Нидерландов богата наследием, которое доступно для восхищения всему миру. Каждый школьник знает из курса математики про систему Декарта, но никто не делал акцент, что этот француз – физик и математик – делал научные открытия в Нидерландах. Живопись Ван Гога и Рембрандта оценивается в миллионах евро и хранится в музейных галереях Амстердама. Философские работы Спинозы являются предметом изучения в университетах, а оригиналы его работ хранятся в центральной библиотеке Амстердама. Можно сказать, что культура этой страны принадлежит всему миру…
Франс Халс
Франс Халс родился около 1581 г. в Антверпене в семье ткача. В юношеском возрасте он приехал в Харлем, где и жил почти безвыездно до самой смерти (в 1616 г. он посетил Антверпен, а в середине 1630-х гг. — Амстердам). О жизни Халса известно немногое. В 1610 г. он вошел в гильдию Св. Луки, а в 1616 г. — в камеру риторов (актеров-любителей).
Очень быстро Халс стал одним из самых известных портретистов Харлема. В XV-XVI вв. в живописи Нидерландов существовала традиция писать портреты лишь представителей правящих кругов, известных людей и художников. Искусство Халса глубоко демократично: на его портретах мы можем увидеть аристократа, зажиточного горожанина, ремесленника и даже человека из самых низов. Художник не пытается идеализировать изображаемых, главное для него — их естественность и неповторимость. Его вельможи держат себя так же раскованно, как и представители низших слоев общества, которые на картинах Халса изображены жизнерадостными людьми, не лишенными чувства собственного достоинства.
Ф. Халс. Портрет молодого человека с черепом в руках. Ок. 1626-1628 гг.
Большое место в творчестве живописца занимает групповой портрет. Лучшими работами этого жанра стали портреты офицеров стрелковой роты Св. Георгия (1627) и стрелковой роты Св. Адриана (1633). Каждый персонаж на картинах имеет свою яркую индивидуальность, и в то же время эти произведения отличаются целостностью.
Халс писал также заказные портреты, на которых в непринужденных позах размещены состоятельные бюргеры и их семьи («Портрет Исаака Массы», 1626; «Портрет Хетхейсена», 1637). Образы Халса живые и динамичные, кажется, что люди на портретах разговаривают с невидимым собеседником или же обращаются к зрителю.
Яркой выразительностью и непосредственностью отличаются представители народной среды на портретах Халса. В изображениях уличных мальчишек, рыбаков, музыкантов, посетителей кабаков чувствуется симпатия и уважение автора. Замечательна его «Цыганка». Удивительно живой кажется улыбающаяся молодая женщина, лукавый взгляд которой направлен на невидимого зрителям собеседника. Халс не идеализирует свою модель, но образ веселой, растрепанной цыганки восхищает своим задорным очарованием.
Очень часто портреты Халса включают элементы жанровой сцены. Таковы изображения детей, поющих или играющих на музыкальных инструментах («Поющие мальчики», 1624-1625). В таком же духе исполнена знаменитая «Малле Баббе» (начало 1630-х), представившая известную в Харлеме содержательницу харчевни, которую посетители за глаза называли харлемской ведьмой. Художник почти гротескно изобразил женщину с огромной пивной кружкой и совой на плече.
Франс Халс. Цыганка. Ок. 1630 г.
В 1640-х гг. в стране намечаются признаки перелома. Прошло всего несколько десятилетий после победы революции, а буржуазия уже перестала быть прогрессивным классом, опирающимся на демократические традиции. Правдивость живописи Халса больше не привлекает богатых заказчиков, которые хотят видеть себя на портретах лучше, чем они есть на самом деле. Но Халс не отказался от реализма, и его популярность резко упала. В живописи этого периода появляются ноты печали и разочарования («Портрет мужчины в широкополой шляпе»). Строже и спокойнее становится его палитра.
В возрасте 84 лет Халс создает два своих шедевра: групповые портреты регентов (попечителей) и регентш приюта для престарелых (1664). Эти последние работы голландского мастера отличаются эмоциональностью и яркой индивидуальностью образов. От изображений регентов — стариков и старух — веет печалью и смертью. Это ощущение подчеркивает и колорит, выдержанный в черных, серых и белых тонах.
Умер Халс в 1666 г. в глубокой бедности. Его правдивое, жизнеутверждающее искусство оказало большое влияние на многих голландских художников.
Оценки
- В общей истории 1702 год иногда знаменует собой конец Золотого века, дата, подходящая для живописи. Слайв, который избегает этого термина (см. стр. 296), делит свою книгу на две части: 1600–1675 (294 страницы) и 1675–1800 (32 страницы).
- Ян Стен был мытарем, у Элберта Кейпа была богатая жена, которая позволяла ему посвятить себя живописи, как и другим, хотя Карел Дюжарден , похоже, оставил жену, чтобы продолжить свою работу. См. их биографии в MacLaren. Специалист по рыбе Джейкоб Гиллиг работал надзирателем в Утрехтской тюрьме, недалеко от рыбного рынка. . Среди тех, кто потерпел банкротство, были: Рембрандт, Франс Хальс, Ян де Брей и многие другие.
- Franits, 217 и сл. о 1672 г. и его последствиях.
- ↑ Фукс, 43 года
- Прак, 241
- Ллойд, 97 лет.
- Фукс, 76 лет.
- Сливе, 13-14
- Фукс, 62-69
- , 65. Голландские художники 17-го века включают Авраама Блумарта и Герарда ван Хонтхорста из Утрехта, а также Яна Стена, Паулюса Бора , Якоба ван Велсена , а также Вермеера, который, вероятно, обратился в христианство после женитьбы. .
- Сливе, 22-4
- Фукс, 69-77
- Эккарт, 17 н.1 (на стр. 228).
- Шоу-Тейлор, 22-23, 32-33 о портретах, со ссылкой на 33
- Эккарт, 118
- Эккарт (ensayo de Marike de Winkel), 72-73
- Другая версия в Эпсли-Хаусе , с другой композицией, но с использованием большинства тех же морализаторских объектов, обсуждается Франитсом, 206–209.
- Слайв, 123
- Франиц, 24-27
- Франиц, 34-43.
- Слив, 190 (другое), 195-202
- ↑ Взято из работ Алларта ван Эвердингена , который, в отличие от , посетил Норвегию в 1644 году. Slive, 203
- Слив, 273-6
- Макларен, 79 лет.
- Слайв, 279-281. Фукс, 109 лет
- И еще о нескольких см. Slive, 128, 320-321 и index, и Schama, 414. Самым выдающимся художником того периода была Джудит Лейстер.
- , 11–15, 23–4 и passim , а также списки отдельных художников.
- Reitlinger , 483-4, мимоходом.
- Рейтлингер, I, 11-15. Цитата стр.13
- Слайв, 225
«Черный квадрат», 1915
«Черный квадрат», Казимир Малевич, 1915
Художник
Казимир Малевич родился вКиеве, попроисхождению был поляком. Он увлекся рисованием еще вдетстве, первую масштабную картину написал в16 лет. Дважды пытался поступить вМосковское училище живописи, ваяния изодчества идважды получал отказ.
Малевич создал уникальное направление вабстракционизме— супрематизм. Занимался разработкой теоретического фундамента этого течения, писал философские труды, преподавал живопись.
История
Идея произведения и супрематизма в целом возникла вдекабре 1913 года. Тогда Казимир Малевич рисовал эскизы декораций кфутуристической опере, где изобразил черный квадрат как противоположность солнечному кругу. Позже Малевич написал Черный квадрат в1915 году наряду сдругими картинами для футуристической выставки. Сам художник датировал работу 1913 годом иназывал ееосновным супрематическим элементом. Датой создания полотна он считал год его придумки.
Простота изображения отражала суть картины— Черный квадрат означал новую веху вживописи, точку отсчета, нуль форм. Вместе сэтим полотном Малевич написал также Черный круг иЧерный крест, которые также легли воснову супрематической системы.
Стиль
Супрематизм развился изабстракционизма ибыл попыткой окончательно уйти отпредметности. Помнению Малевича рисование снатуры также примитивно, как инаскальная живопись.
Супрематизм стремился уравнять художника иприроду— они некопируют, асоздают снуля. Основными инструментами художника стали лишь цвет ипростейшие геометрические фигуры.
Интересные факты
- Помимо первоначального Черного квадрата 1915 года были написаны еще три авторских повторения картины. Оригинальное полотно хранится посей день вТретьяковской галерее.
- В2015 году ученые нашли ирасшифровали надпись накартине Черный квадрат. Она звучит так: Битва негров втемной пещере. Надпись предположительно наспех сделана самим Малевичем иотсылает кчерному полотну художника Альфонса Алле Битва негров впещере глубокой ночью, 1882 год.
Зеркало природы
Небывалый реализм стал одной из характерных черт живописи этого периода. Эффект света, струящегося сквозь оконное стекло, унаследован напрямую от итальянского барокко. На картине художник — вероятно, сам автор картины, хотя лицо его не видно зрителю, — работает над портретом молодой женщины. Она стоит у окна, на фоне висящей на стене большой карты Нидерландов. Складка разделяет северные и южные провинции, что символизирует политическое и религиозное противостояние. На картине множество других символических знаков, некоторые из которых отсылают к католицизму и гонениям на него. Вермеер, как ни странно, остался католиком в своей протестантской стране.
«Искусство живописи» («Мастерская художника»), Ян Вермеер, около 1666, холст, масло
Леонардо Да Винчи
Продолжительность жизни: 15 апреля 1452 г. — 2 мая 1519 г.
Национальность: итальянец
Леонардо Да Винчи
Леонардо да Винчи был идеальным человеком эпохи Возрождения, величайшим Вселенским Гением, который, помимо прочего, был художником, математиком, инженером, архитектором, ботаником, скульптором и анатомом. Однако, в течение четырех столетий после его смерти его слава, прежде всего, почивала на лаврах художника. Детальное знание анатомии, света, ботаники и геологии помогло ему создать некоторые из самых известных шедевров в истории. Да Винчи известен тем, что запечатлевает тонкие выражения, благодаря которым его картины выглядят более живыми, чем другие. Он сделал многочисленные вклады в области искусства, включая его пионерские методы, известные как сфумато, плавный переход от света к тени; и чиароскуро, использование сильных контрастов между светом и темнотой для достижения трехмерного эффекта. Да Винчи нарисовал Мона Лизу, самую известную картину в мире. Другие известные работы в его искусстве включают «Тайную вечерю», наиболее воспроизводимую религиозную живопись; и Витрувианский Человек, один из самых воспроизводимых художественных образов. Леонардо да Винчи, без сомнения, самый известный художник эпохи Возрождения.
Шедевр: Мона Лиза (1517)
Мона Лиза (1517)
Другие известные работы:
- Тайная вечеря (1498)
- Витрувианский человек (1490)
Образование и наука
Фундаментом для развития культуры стала популяризация образования и воспитания молодёжи. Утомлённые войной и революцией люди хотели утолить жажду новых знаний, поэтому представители власти были вынуждены ввести единую систему образования. Она была достаточно продумана, чтобы обеспечить необходимыми навыками всех граждан в зависимости от их сословия. Обучение состояло из четырёх методик. Школы делились на:
- Церковно-приходские. Они состояли из одного класса, в котором проходили обучение представители низших слоёв населения.
- Уездные училища. Двухгодичную программу были обязаны освоить мещане, купцы и горожане.
- Губернские гимназии. Провести четыре года в стенах школы могли себе позволить только дворяне.
- Университеты и прочие высшие учебные заведения были построены для богатых людей, составлявших элиту общества.
Результат, полученный в конце XIX столетия, можно охарактеризовать как залог образованной и процветающей нации. На тот момент уже были основаны 63 высших учебных заведения, количество студентов в них превышало 30 тыс. человек. Для женщин образование стало доступным с 1819 года. Реформа, отменившая крепостное право, послужила своеобразным катализатором для продвижения системы обучения. Во второй половине столетия количество грамотных людей возросло с 7 до 22%, что увеличило количество учёных и изобретателей.
Сцены повседневной жизни
В то время как в изобразительном искусстве Италии, Фландрии и Испании преобладали духовные и религиозные сюжеты, голландские мастера обратились к светской тематике, в полном соответствии с протестантским представлением о том, что человеку не следует создавать «ложных идолов». Люди, покровительствовавшие живописцам, не были ни влиятельными правителями, которые заказывали произведения искусства для своих дворцов, ни религиозными лидерами, желавшими украсить церкви. Это были обычные люди, которым нравилось смотреть на красивые вещи — свидетельства их финансового благополучия. Поэтому голландские художники изображали в основном жанровые сцены, понятные богатому среднему классу, а также писали портреты, интерьеры, натюрморты и пейзажи или картины на исторические темы. Характерной их чертой было техническое мастерство и подчеркнутый реализм. Сами работы были небольшого размера, потому что предназначались для украшения кабинетов, гостиных или помещения магазинов.
По мере того как росло экономическое могущество, менялись и требования к художникам. Произведение должно было соответствовать вкусам покупателей, поэтому автор изображал предмет в точном соответствии с местными особенностями и периодом времени — это делало его работу еще более узнаваемой
Мастера северного Возрождения, такие как Ван Эйк, уделявший особое внимание мельчайшим деталям, не имели себе равных. И современники оттачивали мастерство в своем стремлении достичь его уровня
Нигде в Европе не было такого количества городов, как в Нидерландах, и самым богатым среди них был Амстердам. Впрочем, остальные центры немногим уступали ему. В Утрехте, к примеру, несколько художников, посетивших Рим, начали творить в манере, близкой к работам Караваджо. Подобно итальянскому живописцу подчеркивая контраст яркого света и глубокого черного фона, они создали стиль, известный как «утрехтский караваджизм». В целом голландские художники находились под влиянием барокко, хотя темы их произведений отличались от работ мастеров остальной Европы.
Основными видами изобразительного искусства того периода были живопись и гравюра. Художники обычно проводили несколько лет в обучении у известного мастера, прежде чем достигали технического совершенства и начинали работать самостоятельно. В отличие от остальной Европы, где художника приглашали для выполнения определенного заказа, голландские живописцы зачастую создавали полотно на свой страх и риск в надежде потом продать его на художественной ярмарке, которые проводились регулярно и собирали множество покупателей, рассчитывавших приобрести шедевр по сходной цене. Искусство было не только предметом национальной гордости, но и частью экономики страны.
Бытовой жанр
Чувство меры и довольство малым, отсутствие переполненности в чем-либо, уют, теплота родного дома, ежедневные ритуалы и обыкновенная жизнь простого человека, — это и многое другое такое же незначительное и каждодневное изображали голландские художники в бытовых сценках. Искусство было предельно понятное, знакомое. «Низший» бытовой жанр был максимально приближен к реальной жизни.
Что же еще рисовать, если заказов от церквей нет, монументальные картины не влезут в обычные дома, а государственных заказов не было и нет? То, что видишь вокруг.
Бытовой жанр – это сцены городской и крестьянской жизни.
Ян Стен (1626-1679) остроумно и по-доброму изображал действительность обычных горожан. Все его картины про то, что жизнь не всегда благоразумна и добродетельна, но при этом, несомненно, заслуживает внимания. Несмотря на подшучивание или же острую сатиру над обществом, в картинах Яна Стена чувствуется та самая любовь к деталям, к дому и окружению, которая присуща всем «малым голландцам».
Ян Вермеер (1632-1675) — несомненно, гений. Иначе как можно настолько трепетно и бережно относится к окружающему тебя миру? Миру предметному. Тщательно прописанный интерьер, вплоть до дверных ручек, складок занавесок, небрежно положенной скатерти, невероятный свет из окон.
У Вермеера все настолько интимное, что кажется, что ты подглядываешь через замочную скважину в чужой дом; не хочется нарушать тишину и уединение героев.
Питер де Хох (1629-1684) создавал сценки городского быта, в основном, хозяек дома. Его картины часто сравнивают с произведениями Вермеера, и совершенно непонятно, кто с кого брал пример.
Герард Терборх (1617-1681). Именно после Терборха Вермеер и де Хох начали создавать жанровые сценки, так как он первым приоткрыл завесу между общественным и домашним, показав повседневную жизнь во всей ее полноте и красоте.
Несение креста 1515—1516 гг.
Иероним Босх. Несение креста. 1515-1516 гг. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wga.hu.
Неожиданная для Босха работа. Вместо далёких горизонтов и множества персонажей — очень сильное приближение. Только передний план. Лица так близко к нам, что даже можно почувствовать приступ клаустрофобии.
Уже нет никаких монстров. Уродливы сами люди. Все их пороки читаются на лицах. Злорадство. Осуждение другого. Душевная глухота. Агрессия.
Обратите внимание, что только трое персонажей имеют нормальные черты. Раскаявшийся разбойник в правом верхнем углу
Сам Христос. И святая Вероника в левом нижнем.
Иероним Босх. Несение креста. Фрагмент. 1515-1516 гг. Музей изящных искусств, Гент, Бельгия. Wikimedia.Commons.
Они закрыли глаза, отрешившись от этого мира, который заполнен кричащей и злобной толпой. Только разбойник и Христос идут направо, в сторону смерти. А Вероника — налево, в сторону жизни.
На платке Вероники проступил образ Христа. Он смотрит на нас. Печальными спокойными глазами. Что он хочет нам сказать? Увидели ли мы себя в этой толпе? Готовы ли мы стать людьми, освободившись от агрессии и осуждения.
Босх был художником Эпохи Возрождения. Да, он был современником Леонардо да Винчи и Микеланджело.
Поэтому его главный герой — человек. Он рассмотрел его со всех точек обзора. И издалека. Как в “Саде земных наслаждений”. И очень близко. Как в “Несении креста”.
Его вердикт неутешителен. Люди погрязли в пороках. Но есть надежда. Надежда на то, что каждый из нас найдёт путь к спасению. Главное — вовремя посмотреть на себя со стороны.
***
Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.
Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.
Литература
- Верижникова Т. Ф. Малые голландцы: Портрет, пейзаж, жанровая живопись, натюрморт. — СПб.: Аврора, 2004. — 256 с. — ISBN 5-7300-0718-3.
- Власов В. Г. Голландии искусство // Новый энциклопедический словарь изобразительного искусства. — СПб.: Азбука-классика, 2010. — Т. 3. — С. 198—208.
- Киселёв А. Голландская живопись XVII века. — М.: Белый город, 2008. — 127 с.
- Затюпа С. В. От Средневековья до барокко. История западноевропейского искусства. Живопись и декоративно-прикладное искусство. По материалам частного собрания. — М.: Центр Искусств. Москва, 2021. — ISBN 978-5-604-5971-3-2
Периоды
Зарождение – XIV век, страна – Италия. Исследователи и ученые не могут определиться с точными временными рамками эпохи. Каждый период приблизительный, поскольку страны входили в Ренессанс постепенно. Связано это с отставанием в социально-экономическом развитии, различиями во взглядах и суждениях.
Примерными датами можно назвать XIV- XVI столетия. Годы эпохи Возрождения характеризуются проявлением светского характера культуры. Религиозные взгляды уступают место гуманизации.
Возрождается интерес к античности и всему, что с ним связано. Внедрение в европейский мир античных элементов привнесло в культуру и искусство яркие мотивы, которые и сделали произведения незабываемыми. В это время появляется человек эпохи Возрождения – целеустремленный, вдохновленный, стремящийся к открытиям.
Начальные признаки эпохи Ренессанса стали заметны обществу ему в XIII-XIV веках, но твердые позиции появились в 20-х годах XV века. В Эпохе Возрождения принято выделять 4 основных периода:
- Проторенессанс.
- Раннее Возрождение.
- Высокое Возрождение.
- Поздний Ренессанс.
В каждом периоде появлялись новые веяния и стремления, позволяющие совершенствоваться и развиваться.
Проторенессанс – период, который относится к XIII-XIV векам. Появление отмечено в Италии.
Время подготовки к Возрождению подразделяется на еще 2 подэтапа – время жизни и смерти ключевой фигуры истории западного искусства, архитектора и художника Джотто ди Бондоне. В этот период на искусство оказывали влияние средневековые мотивы – готика и романтизм, а также византийские традиции.
Бурное развитие было остановлено эпидемией чумы, которая накрыла все Европу. Джотто был первым, кто наметил основные тенденции живописи, указал путь, по которому в дальнейшем пошло основное развитие Ренессанса.
Следующим был период раннего Возрождения. Примерное время развития – 80 лет. Ученые относят к нему 1420-1500 годы. В искусстве еще прослеживались веяния средневековой культуры и традиций. Одновременно активно добавляют элементы, позаимствованные у классической древности – Античности.
Условия социальной среды, взгляды и стремления быстро меняются. Основной концепцией в искусстве становятся именно античные элементы. Главной личностью, мастером на этом этапе стал живописец Мазаччо, рожденный во Флоренции. Взяв за основу идеи и взгляды предшественников, он принес в свое творчество практически осязаемую скульптурность фигур и образов на холстах картин.
Следующий этап — период высокого Возрождения. Считается пиком Ренессанса. Время – 1500-1527 годы. Развитие культуры позволило перенести центр культуры из Флоренции в Рим. Скачок произошел благодаря вступлению на престол нового Папы Римского — Юлия II.
У него были смелые и прогрессивные взгляды, которые позволили в полной мере способствовать расцвету Ренессанса. Благодаря предприимчивости, присутствующей в характере, ему удалось привлечь в Рим ведущих художников и скульпторов со всей Италии. Именно в это время появляются шедевры, которые изменят мир искусства.
Следующий этап – позднее Возрождение. Его временной отрезок 1530-1620 годы. Развитие культуры и искусства в этот период протекает неоднородно и разнообразно. Исследователи и искусствоведы спорят и не могут определиться с основными направлениями в развитии и точными датами.
Часть специалистов указывает, что эпоха Возрождения окончательно угасла с падением Рима. Южная часть Европы погрузилась в Контрреформацию, которая не позволила мыслить свободно и смело, как того требовало Возрождение.
На позднем этапе Ренессанса наблюдался выраженный кризис идей. Возникали противоречия в мировоззрении, которые переросли в маньеризм. Возникший стиль специалисты характеризуют дисгармонией и надуманностью, потерей равновесия между духовной и телесной составляющей, которая была свойственна смелой эпохе новых устремлений.
Изабелла ПортугальскаяТициан
В Венеции творили Тициан и Палладио. Их произведения не затронули противоречия кризис во взглядах. Увидеть, как смотрели на мир мастера можно на полотне Тициана «Изабелла Португальская».
Основные темы
Большинство живописцев специализировалось на каком-либо жанре. Популярны были исторические полотна, изображавшие события и подвиги прошлого, библейские, мифологические, литературные или аллегорические сюжеты. Пейзажи вызывали особое восхищение, если на них были запечатлены узнаваемые места. Прекрасно продавались серии картин, изображавших одно и то же место в разное время года, и морские виды. В моде были и жанровые сцены, где люди занимались своими повседневными делами, — унаследованный от мастеров раннего северного Ренессанса сюжет.
Зачастую художники помещали в композицию символические «ключи», имевшие определенный поучительный смысл, и поиск таких скрытых «наставлений» создавал дополнительный интерес у покупателя. Завораживающие своим реализмом детали натюрмортов демонстрировали ценность подлинной жизни и мимолетную природу тщеславия и суеты. Но наиболее распространенным жанром были, пожалуй, портреты, ибо преуспевающие представители среднего класса стремились сохранить свой образ для потомков.
В это время появилось беспрецедентное количество выдающихся художников — Рембрандт (1606-1669), Франс Хальс (около 1580-1666), Рейсдаль (около 1602-1670), Стейнвик (около 1612-1659), Де Хоох (1629-1684) и Вермеер (1632-1675).
Ре́мбрандт Ха́рменс Ван Рейн
Франс Хальс
Якоб Ван Рейсдал
Питер де Хох
Йоханнес Вермеер
Пейзаж
Пейзаж для голландца — способ показать свою искреннюю любовь к родной земле. В итальянском искусстве пейзаж обычно выступал как фон, идеально красивый, но незначительный
Художники не заостряли свое внимание на разнообразие природы вокруг, фокус был на сюжете и действии. С голландскими художниками все было по-другому: пейзаж выступал и как сюжет, и как действие
Это был главный и единственный фон. Он был разнообразен, красочен, индивидуален. В пейзаж часто вписывали какие-то промышленные здания, мануфактуры, чего раньше не делал никто. Нарисовать мельницу в поле? Изобразить мануфактуру по переработке китового жира? Да где вы это видели, это недопустимо!
А на самом деле все органично вписывается и нереально красиво смотрится.
Тинторетто
Продолжительность жизни: октябрь 1518 г. — 31 мая 1594 г.
Национальность: итальянец
Тинторетто
Венецианская школа, разработанная в Венеции в эпоху Возрождения, дала новый импульс в живописи в сторону пышных цветов и световых эффектов. Венецианский стиль оказал большое влияние на последующее развитие западной живописи. Наряду с Тицианом и Веронезе, Тинторетто был одним из трех венецианских гигантов во времена эпохи Возрождения. Во времена Ренессанса художники в Италии разработали перспективу, чтобы создать иллюзию трехмерного пространства. Тинторетто расширил эту технику до предела, используя длинные и широкие перспективы. Стиль Тинторетто был новаторским и драматичным. Его искусство известно своей радикальной природой, яркостью и современностью. Тинторетто был высоко индивидуалистическим художником, чья техника развивалась в течение всей его карьеры. Его эксперименты со светом и пространством привели к достижению яркого визионерского качества в его более поздних работах. Тинторетто считается одним из самых значительных художников позднего Ренессанса.
Шедевр: Тайная вечеря (1594)
Тайная вечеря (1594)
Другие известные работы:
- Распятие (1565)
- Тело Святого Марка, привезенное в Венецию (1566)
Исторические условия
Людолф Бакхёйзен. «Док Ост-Индской кампании в Амстердаме», 1696 год
Корнелис де Ман. Мануфактура по переработке китового жира
Гербранд ван ден Экхоут. Ботанический кружок за работой.
В 1579 году семь мятежных провинций Нидерландов в городе Утрехт создали так называемую Республику Семи Объединённых Провинций. Во время войны с Испанией ей удалось отстоять свою независимость. Испанские захватчики отомстили убийством 10 000 граждан города Антверпен, что привело к массовой эмиграции в «Объединенные Провинции» с территорий Фландрии, контролируемых Испанией. Вестфальское мирное соглашение 1648 года признало независимость «Объединенных Провинций», которые стали известны как Голландия.
Искусство Голландии логично выросло в искусстве Нидерландов XV—XVI веков, когда они были единым государством. С XVII века прошло государственное и художественное разграничение, что побудило формирование двух национальных художественных школ, единых по происхождению, но разных по признакам. Свой вклад в художественное разграничение внесли и конфессиональные разногласия. Фландрия осталась в лоне католицизма, где религиозное искусство испытывало новый расцвет в XVII в.
В XVII веке голландская нация только начинала свой исторический путь. Именно в этот период произошел решительный разрыв голландского искусства с искусством предыдущей эпохи. Простая жизнь голландских бюргеров порождала примитивные и приземлённые вкусы в искусстве, в работах художников они стремились видеть отражение собственной жизни, лишённой благородства, широкого образования, утончённых вкусов и почитания многих традиций.
Но в начале XVII века тенденция переменилась. Успешно заканчивалась борьба за собственную независимость от могущественной империи Испании. Самоутверждение было присуще и поведению жителей, и национальному искусству, активно освобождавшемуся от религиозных ограничений, которые шли от католической Испании. Господство протестантизма привело к значительному сокращению заказов на религиозную живопись, и, одновременно, к взрывному распространению светских по тематике жанров. Именно в искусстве Голландии значительную мощь и развитие приобрели портрет, пейзаж, бытовой жанр, натюрморт, подобного которому не знали даже выдающиеся центры искусства в Италии или Франции. Искусство Голландии XVII века стало своеобразным феноменом в художественной ситуации Европы XVII века. Путём, проложенным художниками Голландии, пойдут художники других национальных художественных школ Европы.
Такое видение направило голландских живописцев к новой разновидности художественного реализма, который постепенно появился во всех художественных жанрах — портретах, интерьерах, пейзажах, натюрмортах. Мода на эти работы приобрела невиданный размах среди всех слоёв общества, что породило колоссальный спрос на картины. Именно эти события привели к тому, что XVII век стал «золотым» для голландского искусства.
Активное усвоение научных исследований, технических навыков, изучение природных явлений, природных ресурсов океана и отдалённых уголков мира, колониальные войны и эмиграция из страны — характерные признаки XVII века. В портретном жанре появились изображения адмиралов и офицеров Ост-Индской кампании. Если в XVI веке насмехались над алхимиками, в XVII веке видное место заняли изображения кабинетов, где работают богословы, ботаники, астрономы — теперь уже без едких намёков на насмешки. Получили распространение посещения анатомических театров. На все эти события откликнулась и голландская живопись. Сюжетами картин голландских художников становятся также Ост-Индская кампания, мануфактуры по переработке китового жира, заседания ботанических обществ. Ряд «анатомических уроков» создали Михиль Миревельт, Рембрандт, Корнелис Трост, Корнелис де Ман, Ян ван Нек.
Ян ван Нек создал серию портретов доктора и коллекционера анатомических препаратов Фредерика Рюйша. Его коллекция была хорошо известна в Голландии, которую посещали и местные жители, и иностранцы. За фантастическую цену в 30 000 гульденов эту коллекцию приобрёл для Санкт-Петербурга в 1717 году русский царь Пётр I. Коллекция попала в Кунсткамеру.