Путешествия и вдохновение
54-летний художник начинает путешествовать. В 1958 году он отправляется в Венецию, а годом позже приезжает в Рим. Это путешествие по Италии впоследствии вдохновит де Кунинга на целый цикл рисунков голубой тушью, в которых впервые с 1955 года появляются антропоморфные формы.
Gotham News, 1955
Поводом для следующих путешествий мастера за границу являются всё более частые персональные выставки. В 1968 году де Кунинг появляется в Париже, а потом в Голландии. Через год художник едет в Японию, после чего направляется в Италию. Между этими путешествиями он не перестаёт творить.
Merritt Parkway, 1959
Door to the River, 1960
Clam Diggers, 1963
Untitled, 1964
Цены на его картины становятся просто астрономическими. Полотно де Кунинга “Interchange” (1955) было продано с аукциона за 20 миллионов 680 тысяч долларов. Это — непревзойдённый рекорд цены, заплаченной за картину живого автора.
Interchange, 1955
3 место: Поль Сезанн, «Игроки в карты»
Дата продажи: Примерно апрель 2011 г.
Окончательная цена: Около 250 000 000$.
Одна из пяти картин в серии французского художника Поля Сезанна, написанных им в конце XVIII в. Примечательно, что непростой характер художника мешал ему писать картины с незнакомых людей. Поэтому среди мужчин, которые позировали для картины, были и работники фермы в поместье Сезанна, которые, вероятно, удивились бы, узнав, сколько стоит их изображение.
Но почему так дорого? Во-первых, это неотъемлемая ценность Сезанна. Он был «отцом всех нас» для Пикассо и авторитетом для Матисса («Если Сезанн прав, то и я прав»). Еще есть таинственность редко встречаемого шедевра.
Греческий судоходный магнат Джордж Эмбирикос долгое время оставлял картину в частной коллекции и отклонял все предложения о покупке с девятизначными цифрами. Еще бы: об этой картине когда-то говорил весь мир!
Нефтяное королевство Катар, пожалуй, может считаться интеллектуальной меккой мирового класса: в 2011 году греческий миллиардер всё же продал полотно королевской семье из богатой арабской страны.
Сочинение по картине Леонардо Да Винчи Мона Лиза (Джоконда) описание (описание)
Леонардо Да Винчи — Мона Лиза (Джоконда)
Передо мной полотно всемирно известного итальянского художника. Наверное, не найдется не одного человека, который бы ни разу не слышал и не видел репродукцию Моны Лизы или Джоконды.
На холсте нарисована молодая женщина по имени Мона Лиза. Сложив крест накрест изящные руки, с маленькими тонкими пальчиками, она внимательно взирает на людей своей знаменитой, ставшей легендой улыбкой, с чуть сощуренными глазами. Эта улыбка, улыбка человека, который гармоничен сам с собой, чист душой, уверен в своих силах, умеет любить и быть преданным.
В ней прячется множество самых разных позитивных и негативных эмоций – любовь и презрение, доброта, забота, безразличие, горделивость, а вместе с тем, и нежность и непостижимость…
Ее внешность типичная для среднего века – высокий лоб, убранные назад и разделенные пробором черные волосы, поверх которых вьется едва заметная полупрозрачная вуаль.
Одета она в богатую тяжелую узорчатую парчу. Тонкая лебединая шея изящно переходит в плечи, на которых держатся накидка и изумрудное платье женщины.
На заднем фоне, ничем непримечательный пейзаж – вьющиеся лентами пыльные дороги, уходящие вдаль, островки темно-зеленого леса, горы и неровные холмы, и конечно, река, сливающаяся с горизонтом.
Глубокий, проницательный, слегка насмешливый взгляд чудесных карих глаз неотступно преследует зрителя. Во всем ее таинственном образе, проскальзывает нежность, загадочность и откровение. Ее секрет пытаются разгадать десятки лет, но она и по сей день остается самой обворожительной и романтической особой.
Кто она? Чем пленит и заставляет снова и снова неотрывно любоваться ее обликом?
4 класс
Годами это таинственное выдающееся творение привлекает ценителей искусства необычным колоритом, мягкой цветовой гаммой, мягко переливающейся, четкой и одновременно, словно подернутой мутной дымкой. Не смотря на темноватые оттенки мазков, картина из под пера гения, воздушна, легка и великолепна.
Леонардо Да Винчи признанный гений, изобретатель и мастер кисти, создал еще одну загадку, разгадать, которую не способен никто, кто просто смотрит и думает. Эту картину нужно прочувствовать, и заглянуть в самую ее сущность, открыв свою душу и сердце прекрасному.
4 класс.
Самые дорогие картины Кандинского
Василий Кандинский входит в топ-3 самых дорогих русских художников за последние 20 лет. Суммарный оборот продаж его картин с крупных аукционов за этот период составляет 644 млн долларов, а число проданных картин — 744. По обороту его опережают только Марк Ротко (оборот 1,45 млрд долларов) и Марк Шагал (оборот 1,2 млрд долларов). Подробнее о его рекордах в сравнении с другими художниками русской живописи можно почитать в статье «Топ-10 самых дорогих русских художников». А здесь мы рассмотрим несколько примеров наиболее дорогих продаж его картин.
Самой дорогой картиной Василия Кандинского, уходившей с аукционов за последние два десятка лет, является работа «Картина с белыми линиями». Она относится к тому плодотворному 1913 году, когда художник создал знаменитые композиции VI, VII и другие известные работы. Как раз в этом году представители нового искусства организовали в Нью-Йорке выставку, призванную продемонстрировать закостенелость академической школы и познакомить зрителя с новыми живописными идеями. Упомянутая работа Кандинского вошла в число таких неформатных работ, была широко обсуждаема общественностью и в конечном итоге признана одной из самых значительных в живописи двадцатого века. В 2017 году этот шедевр попал на торги аукционного дома Sotheby’s и был продан за 41,8 млн долларов. Эта продажа сразу подняла мастера на третью строчку самых дорогих уходов картин русских художников.
В.В. Кандинский. «Картина с белыми линиями». 1913 г.
Следующий рекорд установила картина «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». Эта работа принадлежит циклу картин, повествующих об окрестностях городка Мурнау Германии, где художник плодотворно трудился в течение нескольких лет (см. раздел о картине «Осень в Мурнау»). Эта значительная работа выполнена в 1908 году и уже содержит в себе все признаки перехода от предметной детальной живописи к абстрактному искусству художника. Это проявляется через условность контуров, широкие мазки, высокую контрастность и яркость красок. Картину по достоинству оценили на торгах, после которых она перешла в частную коллекцию за 26,4 млн долларов. Продажа состоялась на Sotheby`s в 2017 году.
В. Кандинский. «Мурнау. Пейзаж с зелёным домом». 1909 г.
Еще одна интересная работа называется «Негнущееся и согнутое» или «Прямые и кривые». Эта работа считается одной из самых значительных из серии картин парижского периода, которые когда-либо появлялись на аукционах. Написана она была в 1935 году, а в последующие десятилетия неоднократно представлялась на выставках и печаталась в изданиях, посвященных деятельности Кандинского. По словам самого художника, на создание такого сюжета его вдохновил Париж, который напомнил ему дождливые дни на родине. Особенностью этой работы является использование более светлой палитры и техники масла с добавлением песка. Все это было характерно для его парижского периода творчества. Картину продали в 2016 году на торгах Christie’s за 23,3 млн долларов.
В. Кандинский. «Негнущееся и согнутое». 1935 г.
В диапазоне около двадцати миллионов долларов уходили и другие работы художника. Например, это «Белый звук» (23 млн долларов), «Импровизация 8. Этюд» (23 млн долларов), «Этюд к импровизации 3» (21 млн долларов), «Фуга» (20,9 млн долларов). Такая высокая стоимость говорит о большой востребованности работ художника на рынке живописи. За последний год с января 2020 по январь 2021 года оборот продаж Кандинского составил 10,7 млн долларов за 28 работ. Самой дорогой картиной за последний год стала Einige Spitzen, ушедшая с молотка аукциона Bonhams в 2020 году за 3,2 млн долларов.
В. Кандинский. Einige Spitzen. 1925 г.
Помимо перечисленных картин у Василия Кандинского есть много других замечательных работ. В свое время они произвели огромное впечатление на многих людей, породив целую плеяду русских художников-абстракционистов и зарубежных коллег. Так как его раннее творчество и абстракции по-разному воздействуют на зрителей, то каждый находит в его живописи свои любимые произведения. Оценить всю силу его холстов поможет знакомство с оригиналами, так как многометровые текстурные холсты, безусловно, создают куда более мощное впечатление, чем маленькие электронные копии.
Примечания[ | ]
- ↑ 12 идентификатор BNF (фр.): платформа открытых данных — 2011.
- Swan A., Stevens M. de Kooning: An American Master (англ.) — NYC: Alfred A. Knopf, 2004. — P. 4. — 731 p. — ISBN 978-1-4000-4175-6
- ↑ 12 Willem de Kooning
- Willem de Kooning (англ.) — 2006. — ISBN 978-0-19-977378-7, 978-0-19-989991-3
- Museum of Modern Art online collection (англ.)
- Swan A., Stevens M. de Kooning: An American Master (англ.) — NYC: Alfred A. Knopf, 2004. — P. 25—45. — 731 p. — ISBN 978-1-4000-4175-6
- Ермолович Д. И. Англо-русский словарь персоналий. — М.: Рус. яз., 1993. — 336 с. — С. 92
- The New York Times. November 18, 2006
- Рейтинг посещаемости музеев и выставок // The Art Newspaper Russia № 4 (13). — 2013. — май.
Самая дорогая картина в мире – «Спаситель Мира».
«Сальватор Мунди» или «Спаситель Мира» — холст, считавшийся безвозвратно утерянным. Предположительно он был создан Леонардо да Винчи на заказ французских королевских особ и оказался на территории Великобритании после замужества принцессы Генгриетте Марии и Карла I в 1625 году.
Почему «предположительно»? Да потому что существуют разные мнения не только на тот счет, когда именно было написано полотно (размер 64,5 х 44,7), но и на предмет авторства. Некоторые эксперты в корне не согласны с тем, что эта работа приписывается кисти Леонардо да Винчи: слишком грубо выполнены детали, кроме того изображение не соответствует стилю художника того времени.
До 1763 года ее владельцами были наследники престола, а после путь обрывается, и только в 1900 году выяснилось, что шедевр хранился в резиденции баронета Кука
Наследники баронета продали панно в 1958 году на аукционе Sotheby’s (внимание) за 45 фунтов. Это примерно 60 долларов
Причиной столь низкой стоимости стало мнение, что шедевр — не подлинник, а всего лишь репродукция. Кроме того, изначальная версия мастера была немного подправлена: в период Контрреформации шедевр решили «подправить», и дорисовали лишнюю растительность на лице (усы, бороду).
2004 год оказался поворотным в непростой истории: владельцем картины стал эксперт по старым мастерам Роберт Саймон. Исходный облик Иисусу Христу, изображенному на полотне, удалось вернуть только в 2007 году, когда за восстановление взялась Диана Модестини — сотрудник Institute of Fine Arts New York University. В 2008 году несколько экспертных групп подтвердили авторство Леонардо да Винчи, правда не сошлись во мнении, когда именно было написано полотно: в 1490-ых годах, когда писалась «Тайная вечеря» или в 1500- х, так называемый флорентийский период творчества мастера.
Как бы там ни было, в 2011 году за картиной официально было закреплено авторство за Да Винчи. Весной 2013 года панно купил миллиардер Д. Рыболовлев (Россия), проживавший в Монако, за $ 127 млн.
Но уже в 2017 году коллекционер решил проститься с шедевром. Торги организовал аукционный дом Christie’s. Было объявлено, что это последняя работа мастера, находящаяся в частных коллекциях. Ажиотаж вокруг торгов был сумасшедший. В зале Рокфеллер-Центра были сотни коллекционеров, желавших приобрести картину.
Начальной ставкой было $ 100 млн, и всего за 20 минут она выросла до $450 млн (с учетом всех премий и платежей 450 млн 312 тыс. 500 долларов). Владелец вел переговоры по телефону, а его имя, и даже страна, до сих пор хранятся в секрете. Но в декабре 2017 года журнал The New York Times сообщил, что владельцем стал друг наследного принца Саудовской Аравии Мухаммеда бен Салмана, возглавлявшего антикоррупционный комитет страны. Подтверждений или опровержений не было.
Так, с 15 ноября 2017 года «Сальватор Мунди» или «мужская версия Моны Лизы», как картину окрестили в народе, стало самым дорогим живописным творением, ушедшим с молотка в ходе открытых торгов, и самой дорогой картиной в истории.
Учеба и переезд в США
Проявляя интерес к искусству с раннего возраста, Виллем уже в 12 лет работал подмастерьем в ведущей дизайнерской фирме и с ее поддержкой поступил в вечернюю школу престижной роттердамской Академии изящных искусств и технологий, которая в 1998 году была переименована в его честь, получив название Академии Виллема де Кунинга.
В 1926 г. с помощью своего друга Лео Когана он отплыл на корабле в Соединенные Штаты и поселился в Нью-Йорке. В тот момент он не стремился к жизни художника. Скорее, как и у многих молодых европейцев, у него была своя версия американской мечты (большие деньги, девочки, ковбои и т. д.). Тем не менее после непродолжительной работы маляром он стал профессиональным художником, погрузился в творчество и нью-йоркский мир искусства, подружившись с такими известными личностями, как Стюарт Дэвис и Аршил Горки.
Герхард Рихтер
Дата рождения: 9 февраля, 1932, Дрезден
Национальность: немец
Герхард Рихтер
Герхард Рихтер — немецкий художник, которого некоторые считают величайшим художником современности. Он создал широкий спектр работ, и его искусство не может быть отнесено к одному конкретному жанру. Среди самых известных работ Рихтера — его серия Абстрактных изображений. Он написал первую работу под названием Абстрактное изображение в 1976 году и продолжал делать много таких работ в течение следующих двух десятилетий. В своих абстрактных картинах Рихтер создает накопительные слои нерепрезентативной живописи. Он начинает с нанесения больших полос основного цвета на холст. Картины развиваются поэтапно, основываясь на его реакции на прогресс картины: случайные детали и возникающие модели. В феврале 2015 года одна из картин серии, Абстрактные Изображения была продана за 44,52 миллиона долларов, самая высокая цена за картину любого ныне живущего европейского художника.
Шедевр: Серия абстрактных изображений
Год: 1986
Абстрактное изображение (1986) — Герхард Рихтер
Рембрандт, “Подвесные портреты Мартена Соулмана и Опьен Коппит”
Знаменитый голландский художник славился своими подвесными портретами, которые писал на заказ знатным людям. Особое место в творчестве занимают изображения Мартена Соулмана и Опьен Коппит.
На аукционе за них было выплачено 180 миллионов долларов, портреты нередко выставляются в музеях. Владельцами работ Рембрандта считаются Лувр и Рейксмузеум Амстердама. Поразительно, но две картины всегда выставляются вместе и никогда не “расстаются”.
Харменс ван Рейн Рембрандт «Подвесные портреты Мартена Соулмана и Опьен Коппит», 1634 годМестонахождение: Совместное владение Лувра, Париж, Франция, и Рейксмузеум, Амстердам, Нидерланды
Это только небольшая часть в списке самых дорогих картин мира. Конечно, искусство знает и по-настоящему бесценные произведения, однако данные творения были выставлены на аукционах, и участники назвали конкретную цену за каждый шедевр. Восхищаться ими или недоумевать, за что можно было выложить такие деньги, — исключительно дело вкуса каждого из нас.
Академия искусств и ремесел
В 1916 году молодой Кунинг начинает работу на предприятии, занимающемся декорацией интерьеров — Ян энд Яаап Гиддинг. В это же время он записывается на вечернее отделение роттердамской Академии искусств и ремёсел. Виллем получает там академическое образование, сводящемся, главным образом, к истории искусств и рисунку с натуры.
В это время Кунинг находится в раздумьях, определяя своё жизненное поприще. Позже он скажет об этом периоде своей жизни:
В 1920 году Виллем Кунинг прерывает обучение и становится ассистентом Бернара Ромейна, художественного декоратора и дизайнера крупного магазина, предлагающего работы, а также изделия в стиле “сецессион”. Это занятие позволяет Виллему наконец достойно зарабатывать на жизнь.
В 1924 году вместе с группой приятелей Кунинг едет в Бельгию, знакомится с достопримечательностями страны, ходит по музеям. Он посещает лекции в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, на жизнь же зарабатывает, выполняя небольшие рекламные заказы. Через год Кунинг уже снова в Голландии, где он оканчивает учёбу и получает диплом роттердамской Академии искусств и ремёсел. Однако и после получения диплома молодой специалист ещё не определился со своим призванием.
Определение и значение
Одноствольный узор, Вильям Моррис
«Абстракционизм», называемый также «беспредметным искусством», «нефигуративным», «нерепрезентативным», «геометрической абстракцией» или «конкретным искусством», является довольно расплывчатым зонтичным термином для любого объекта живописи или скульптуры, который не отображает узнаваемые объекты или сцены. Однако, как мы видим, не существует четкого консенсуса в отношении определения, типов или эстетического значения абстрактного искусства. Пикассо думал, что такого понятия вообще не существует, в то время как некоторые искусствоведы считают, что все искусство абстрактно — потому что, например, никакая живопись не может рассчитывать на то, чтобы быть чем-то большим, нежели грубым резюме того, что видит художник. Кроме того, существует скользящая шкала абстракции: от полу-абстрактного до полностью абстрактного. Поэтому, хотя теория относительно ясна — абстрактное искусство отстранено от реальности — практическая задача отделения абстрактных от не абстрактных произведений может быть гораздо более проблематичной.
Джексон Поллок
Годы жизни: 1912-1956
В детстве художник не отличался способностью к рисованию, и никто не мог подумать, что Поллок станет лидером абстрактного экспрессионизма. Однако он внес значительный вклад в искусство второй половины XX века.
Джексон Поллок не любил прибегать к использованию кистей и красок, вместо этого он просто разбрызгивал их на холст, создавая шедевры. Сам художник назвал этот прием «льющаяся техника», за которую его называли Джеком Разбрызгивателем. Такая форма живописи имела связь с сюрреализмом, поскольку выражала эмоции своего создателя.
Джексон Поллок тяжело переживал разрыв со своей женой – Краснер, он замкнулся в себе и стал мрачным. Находясь в пьяном состоянии, художник сел в свой кабриолет, и не справился с управлением. Автомобиль вылетел с дороги и опрокинулся. Джексон скончался, ударившись о дерево.
Известные произведения: «№5,1948», «Номер 17А».
Возвращение домой
Когда в июле 1926 года Виллем де Кунинг сошел с корабля в Вирджинии, он был разочарован. В своих мечтах художник рисовал образ совсем другой Америки, с небоскребами, шумными улицами и бесконечным движением. Здесь же его ждала «какая-то разновидность Голландии, плоская страна, похожая на ту, которую я только что покинул» . Нью-Йорк же в полной мере олицетворял «американскую мечту» де Кунинга.
Однако после долгих лет жизни в самом сердце Большого Яблока художник вдруг решил перебраться в спокойный Ист-Хэмптон на Лонг-Айленде. Де Кунинг спроектировал для себя дом-студию и активно участвовал в строительстве. Здание получилось наполненным светом и как будто парящим над землей, с крышей, напоминающей крылья бабочки. Когда художник в 1971 году окончательно поселился в новом доме, его работы вновь стали меняться. Свет и ландшафты в Ист-Хэмптоне напоминали де Кунингу о родной Голландии, и он начал писать абстрактные пейзажи («Северный атлантический свет», «Без названия V»).
Цвета в работах художника смягчились, формы стали более текучими. Он снова экспериментирует с материалами, добавляя в краски воду и сафлоровое масло, делая их более жидкими и скользящими, и в то же время превращая их в очень сложную для работы субстанцию.
В 1984 году Виллем де Кунинг официально завершил карьеру, а в 1991 написал свою последнюю картину. За два года до этого умерла Элейн, а за девять ему поставили страшный диагноз – болезнь Альцгеймера. Воспоминания стали ускользать от художника вместе с образами, которые он мог бы перенести на холст. С каждым годом де Кунинг работал все меньше, при этом спрос на его ранние работы только возрастал. В 1989 году работа «Обмен» была куплена за 20,6 миллионов долларов, установив рекорд самой высокой цены за произведение искусства, проданное при жизни художника. В 2015 году это же полотно неофициально побило новый рекорд, уйдя в фонд миллиардера Кена Гриффина приблизительно за 300 миллионов (столько же стоила самая дорогая на тот момент картина в мире – «Когда свадьба?» Поля Гогена).
На момент главного творческого триумфа состояние де Кунинга уже настолько ухудшилось, что суд официально признал его недееспособным. Единственная дочь художника Лиза заботилась о нем до самой его смерти 19 марта 1997 года.
2 место: Виллем де Кунинг, «Обмен»
Дата продажи: Примерно в сентябре 2015 г.
Окончательная цена: Около 300 000 000$
Удивительно, но второе место занимает относительно «свежее» произведение искусства. Это динамическая картина, написанная де Кунингом искусства в 1955 году из резких мазков хорошо отображает технику работ художника в середине прошлого столетия. По заключению самого автора работы, полотно отражает уродливую реальность послевоенного времени.
К слову, художник скончался лишь в 1997 году и стал знаменит еще при жизни. В последние годы его поразила болезнь Альцгеймера, и рисовать он больше не мог.
На торгах в 2015 году картину купил американский миллиардер Кеннет К. Гриффин за 300 млн. $. Сейчас картину арендует Чикагский институт искусств.
Поль Гоген, «Когда ты выйдешь замуж?»
Дата продажи: примерно в 2015 г.
Окончательная цена: около $210 000 000.
Французский художник-постимпрессионист Поль Гоген создал это яркое и солнечное произведение во время первого путешествия на Таити, где позже прожил шесть лет. Автор полотна был известен своими портретами красивых девушек и создавал романтизированные образы райского острова Таити. Примечательно, что на этом полотне изображена его жена, 13-летняя Техамана.
В 2015 году после двух лет переговоров картина была продана за 300 миллионов долларов и признана самой дорогой на планете. Однако в ходе судебного разбирательства выяснилось, что покупатель заплатил только 210 миллионов долларов, что, однако, тоже немало.
Переезд в Лонг-Айленд
В 1963 г. де Кунинг перебрался из Нью-Йорка в Спрингс в Ист-Хэмптоне на Лонг-Айленде. Манипулируя пространством как скульптор, он спроектировал и построил воздушную, наполненную светом студию и дом в тихом лесистом районе, где работал в 60-х годах, прежде чем окончательно переехал туда в 1971-м.
Свет и пейзаж Ист-Хэмптона напоминал ему его родную Голландию, и изменение окружающей среды отразилось на его творчестве. Цвета смягчились, фигуры стали более условными и в теле, вместо злых и зубастых женщин появилось больше танцующих и манящих девушек. Он продолжал экспериментировать с красками, добавляя воду и сафлоровое масло. Это делало их скользкими и влажными, что многим казалось чрезвычайно сложным в работе.
Абстрактный экспрессионизм
В середине и конце 1940-х годов де Кунинг начал создавать картины, в которых почти не было репрезентативных аспектов, образных или каких-либо других. Прекрасным примером этой работы стал « Натюрморт» (1945). Затем, в конце 1940-х годов, Билл создал несколько так называемых черных картин, таких как Черная пятница (1948). Эти работы были выполнены полностью в черно-белом цвете только по той причине, что Билл не мог позволить себе покупать цветные краски! В 1983 году Элейн де Кунинг писала:
Примерно в это же время Джексон Поллок, запойный и капризный художник, штамповал свои знаменитые картины с капельницей. Де Кунинг и Поллок стали друзьями и собутыльниками. Но де Кунинг считал работы Поллока больше сюрреализмом, чем абстрактным, поэтому у них были свои аргументы. Между прочим, Поллок сказал, что де Кунинг был «чертовски хорошим художником, но он никогда не заканчивает картину».
Во всяком случае, оба художника стали, пожалуй, величайшими художниками стиля, известного как абстрактный экспрессионизм. Между прочим, де Кунинг создал несколько картин, похожих на стиль Поллока, две из которых были « Эшвилл» (1948) и « Раскопки» (1950).
Спорный «женский» сериал
В конце 1940-х — начале 1950-х годов де Кунинг создал серию картин, которые потрясли мир искусства. Находясь под влиянием кубизма Пикассо и фовизма Матисса, предшественниками этой группы картин были « Женщина» (1948) и Этюд для «Мэрилин Монро» (1951). Многие люди — критики, искусствоведы и простые люди — считали, что эти картины унизили женщин, по крайней мере, и / или что они были изображениями женщин, которые были изуродованы или даже убиты. Джеймс Фитцсиммонс в журнале Art написал, что де Кунинг был вовлечен «в ужасную борьбу с женской силой… кровавый рукопашный бой »с« женским олицетворением всего неприемлемого, извращенного и инфантильного в нас самих ».
Отвечая на эту критику, де Кунинг позже заметил: «Некоторые художники и критики нападали на меня за то , что я рисовал Женщин, но я чувствовал, что это их проблема, а не моя».
Когда в 1956 году интервьюер спросил де Кунинга, говорит ли его серия « Женщины » что-нибудь о его сексуальной идентичности, он предположил: «Может быть, на той ранней стадии я рисовал женщину во мне. Знаете, искусство — это не полностью мужское занятие. Я знаю, что некоторые критики сочли бы это признанием латентного гомосексуализма. Если бы я рисовал красивых женщин, это сделало бы меня негомосексуалом? Мне нравятся красивые женщины. Во плоти; даже модели в журналах. Иногда меня раздражают женщины. Я нарисовал это раздражение в сериале « Женщины ». Это все.»
Что касается техники де Кунинга, то при создании многих своих картин для серии « Женщины » он закрывал мокрые картины газетой, чтобы задержать процесс высыхания, чтобы ему было легче их менять. Но когда бумагу убрали, заголовки и заголовки часто переносились на масляную краску на холсте. И Билл часто оставлял эту передачу как есть, одобряя спонтанность этого эффекта «коллажа».
Удивительно, но другие абстрактные экспрессионисты, такие как Поллок, оставили в своих работах такие предметы, как окурки и пробки от бутылок. Действительно, времена в мире искусства менялись.
Во всяком случае, серия « Женщины » сделала Виллема де Кунинга всемирно известным, и вскоре он стал, пожалуй, самым влиятельным художником в мире. Излишне напоминать, что теперь он мог позволить себе покупать всю краску, которую хотел.
Между прочим, такие художники, как де Кунинг, Джексон Поллок, Марк Ротко, Клиффорд Стилл и Барнетт Ньюман, стали известны как члены Нью-Йоркской школы абстрактного экспрессионизма (собственно, первое поколение, как их впоследствии назвали). Искусствовед Клемент Гринберг назвал этих художников «важнейшими художниками двадцатого века».
Расцвет поп-арта
Тем не менее, к началу 1960-х годов абстрактный экспрессионизм постепенно стал устаревшим, по крайней мере, в умах многих. Проще говоря, изображения снова стали важными, даже банальными, такими как этикетки на банках с супом и американский флаг. Введите поп-арт. Такие художники, как Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, достигли быстрой известности и финансового успеха, особенно по сравнению с абстрактными экспрессионистами, для завоевания такой популярности и денежной выгоды потребовалось много лет.
Дверь в реку (1960)
Копатели моллюсков (1964)
Женщина под знаком II (1967)
Clamdigger (1972)
Лежащая фигура
Женщина III | Великие художники
06.01.2014
- Виллем де Кунинг «Женщина III», 1953
- Частная коллекция
- Абстракционизм
Картина “Женщина III” , принадлежащая кисти известного почитателя жанра абстрактного экспрессионизма Виллема де Кунинга, является одним из шести основных полотен автора, принадлежащих циклу “Женщины”.
Образ женской натуры не давал Кунингу свободы для создания иных сюжетов, на протяжении 10 лет с 40х по 50е годы прошлого века он нарисовал множество повторяющихся композиций, содержащих шокирующие образы, Демоны, раздираемые художника изнутри, нашли свое воплощение в остервенелых, твердых мазках, раз за разом наносимых им на полотно.
Странные фигуры, носящие им самим данное имя “женщины” скалятся с его полотен, поражая своими огромными глазами и формами. “Женщина III”, выполненная в серо-желтых тонах, является ярким представителем ряда эти образов. На ее теле обозначены силуэты одежды — чулок и белья.
Особенностью именно этой картины из цикла “Женщины” в том, что эмоции, выписанные на лице ее героини — положительные. Глаза излучают некоторую наивность и добродушие. На ее плече художник изобразил хорька, удобно пристроившегося в изгибе ее тела. Игривости образу добавляет поза книксена, в исполнении которого она нарисована.
Методичный разбор созданного автором образа до деталей наталкивает на сравнение сюжета этого полотна с шедевром мирового искусства “Дама с Горностаем” кисти великого Леонардо. Эти произведения роднит избранная авторами цветовая гамма и наивно-таинственная улыбка, прорисованная на лицах героинь.
Несмотря на свою очевидную экзотичность, полотна Кунинга быстро раскупались для частных коллекций и крупных музеев США.
- Цветные формы I
- Последовательность
- профессионального
- Четыре квадрата