Абстрактные 70-е
В 70-е поиски нового продолжились. Герхард Рихтер начал эксперименты с воздействием цвета на зрителя, обратившись к традициям абстракционистов. Был создан цикл картин под общим названием «Серое». Это были полотна с различными оттенками серого цвета, ставшего для художника любимым.
В цикле картин «Цвета» эксперименты продолжились: к серому цвету как основе Рихтер стал примешивать цветную палитру. В итоге им было получено свыше 4000 тонов, которые легли в основу серии полотен «Абстрактная живопись». В 1972-м Герхард стал триумфатором Венецианской биеннале, а спустя год прошла первая выставка в США.
Живопись
Первые известные картины Босха, которые носят яркий сатирический характер, предположительно относятся к середине 1470-х годов. Так, например, в период 1475-1480 годов создаются работы «Семь смертных грехов и Четыре последние вещи», «Брак в Кане», «Фокусник» и «Удаление камней глупости» («Операция глупости»).
Картина Иеронима Босха «Семь смертных грехов и Четыре последние вещи»
Эти произведения гипнотизируют современников. Например, король Испании Филипп II даже вешает картину «Семь смертных грехов…» в своей спальне, чтобы размышления о греховности человеческой натуры ощущались более остро.
В первых картинах Иероним высмеивает людскую наивность, их уязвимость перед шарлатанами, в том числе в монашеском одеянии. В 1490-1500 годах Босх создает еще более жестокую картину «Корабль дураков», на которой изображены монахи. Они распевают песни в окружении простолюдинов, а судном правит шут.
Картина Иеронима Босха «Корабль дураков»
Имеет место в творчестве Босха и пейзаж. Например, в триптихе «Сад земных наслаждений» Иероним изображает мир на третий день Творения Божьего. В центре картины — обнаженные люди, замершие в блаженном полусне, а вокруг них — животные и птицы, поражающие своими размерами.
Картина Иеронима Босха «Сад земных наслаждений»
Самым масштабным из уцелевших произведений Босха считается триптих «Страшный суд». В центральной части изображен непосредственно Страшный суд, где праведникам на голубеющем небе противопоставлены проткнутые стрелами и копьями грешники. На левой створке — Рай в динамике. На переднем плане показано сотворение Евы, на среднем — сцена искушения Адама и Евы яблоком раздора, а на заднем — херувим, который изгоняет их из Эдема. На правой створке триптиха изображен Ад.
Картина Иеронима Босха «Страшный суд»
Босх тяготел к подаче творчества через триптих. Например, картина «Воз сена» также состоит из трех частей. В центральной части изображена обезумевшая толпа, разбирающая на пучки большой воз сена. Таким образом художник обличает алчность.
Кроме того, на полотне можно найти гордыню в образе светских и духовных владык, любострастие во влюбленных парах и чревоугодие — в располневшем монахе. Левую и правую створки украшают уже знакомые мотивы — Ада и грехопадения Адама и Евы.
Картина Иеронима Босха «Воз сена»
По картинам Босха нельзя сказать, что он тяготел к определенному жанру живописи. В его полотнах находили отражение портреты, пейзажи, архитектурная живопись, анималистика и декор. Тем не менее, Иеронима считают одним из прародителей пейзажной и жанровой живописей в Европе.
Отличительная особенность творчества Иеронима Босха заключается в том, что он стал первым из соотечественников, кто создавал этюды и эскизы прежде, чем перейти к полноценному творению. Некоторые наброски так и увидели свет в виде картин и триптихов. Часто зарисовки являлись плодом воображения живописца, вдохновленного образами готических чудовищ, которых он видел на гравюрах или церковных фресках.
Картина Иеронима Босха «Блаженные и проклятые»
Характерно и то, что Иероним Босх не подписывал и не датировал свои произведения. По данным искусствоведов, лишь семь картин были подписаны рукой мастера. Те названия, которые полотна имеют сегодня, возможно, были придуманы вовсе не самим автором, а сохранились по музейным каталогам.
Иероним Босх творил в технике а ля прима (от ит. а la prima — «в один присест»), которая заключается в том, что слой масла заканчивают накладывать до его полного высыхания. В традиционном методе рисования художник ждет, пока высохнет слой краски, прежде чем положить следующий.
Биография
В — учился в Центральном училище технического рисования Штиглица, в — — в Рисовальной школе Общества передвижных выставок, в — — в Академии художеств. С — на преподавательской работе.
С — член Ассоциации художников революционной России.
Памятник Шевченко в Харькове () Манизера. Считается лучшим в мире памятником поэту
В — — председатель правления Ленинградского отделения Союза художников РСФСР.
Создал ряд памятников монументальной скульптуры, в том числе В. Володарскому на пр. Обуховской Обороны, «Жертвам 9 января 1905 года» на кладбище памяти жертв 9 января (бывшем Преображенском православном), Д. И. Менделееву во дворе Технологического института на Московском проспекте, памятник В. И. Ленину в Петрозаводске (арх. Ильин Л. А.), барельеф Пушкина на месте его дуэли, барельеф «Рабочий» на здании Петровского пассажа в Москве и другие.
С жил в Москве.
В 40-е годы скульптором была выполнена статуя А. С. Пушкина для нового здания вокзала в городе Пушкин (станция Детское село).
Большие монументальные работы Манизер осуществил для Московского метрополитена. Наиболее известна станция «Площадь Революции» (1939), где в низких углах арочных проходов размещены большие фигуры с атрибутами различных родов деятельности — пограничник с собакой, птичница с курицей, молодой рабочий с шестеренкой и т. д.
Умер М. Г. Манизер в 1966 году. Похоронен на Новодевичьем кладбище.
Надгробный памятник М. Г. Манизеру на Новодевичьем кладбище.
Во время Великой Отечественной войны передал присуждённую ему Сталинсккую премию в Фонд обороны:
Ханс Макарт «Полуденный отдых при дворе Медичи» (1863-64)
Ханс Макарт (1840-1884), австрийский художник, создал для барона Штиглица одно из первых своих монументальных полотен на сюжет из истории Марии Медичи — королевы Франции (1600-1610).
Стиль Ханса Макарта определил культуру целой эпохи в Вене: он писал яркими цветами и плавными формами, эстетика была для него прежде всего. Не случайно художника называли «волшебником красок». Чтобы усилить силу своих красок, он использовал асфальт в краске. С годами это привело к некоторому ухудшению качества его картин.
Ханс Макарт «Полуденный отдых при дворе Медичи» (1863-64)
Произведения Ханса Макарта выполнены в академическом стиле и состояли из аллегорической и исторической живописи. В основном это были масштабные театральные постановки. Ханс Макарт наиболее известен своим влиянием на Густава Климта и других австрийских художников.
Интересно, как художественный талант Ханса проявился в нем с самых ранних лет. Мальчик словно унаследовал талант от отца, который тоже был художником и работал в городе Зальцбурге во дворце Мирабель. Произведения искусства, хранящиеся во дворце и красивые окрестности города принесли Хансу первые яркие впечатления, которые легли в основу его дальнейших работ.
Проучившись несколько месяцев в Венской Академии Художеств, Х.Макарт вышел из нее, потому что преподавание профессоров показалось ему скучным, однако отсутствие высшего образования не помешало стать ему одним из самых выдающихся художников Австрии. Его картины изобретательны. Они показывают богатство воображения художника.
Ханс Макарт фрагменты картины «Полуденный отдых при дворе Медичи» (1863-64)
Биография и творчество Герхарда Рихтера
Будущий художник появился на свет 8 февраля 1932 года в Дрездене. Глава семьи Герхарда Рихтера, учитель по образованию, в силу причин состоял в национал-социалистической партии. Трудно сказать, что молодой отец разделял взгляды Третьего Рейха, но, судя по всему, мужчина чувствовал вину за происходившее по вине его народа во время Второй Мировой войны и внушил это неприязненное чувство подрастающему сынишке. Позднее тема нацизма и войны будет прослеживаться в полотнах Герхарда Рихтера. А пока он просто подрастал на радость родителям Хильдегарде и Хорсту. В 1936 родители Герхарда Рихтера подарили мальчику сестричку Гизелу.
Герхард Рихтер в юности
Перебравшись на остров Райхенау, подальше от восточногерманских страстей, родители Герхарда Рихтера посвятили себя всестороннему образованию сына и дочери: отец обучал мальчика точным наукам, а мама погружала ребят в волшебным мир литературы. Задатки творческой одаренности Герхарда чувствовались уже в школьные годы. А после получения аттестата парень освоил специальность художника рекламы и декораций и устроился подмастерьем к художнику-оформителю.
Герхард Рихтер в молодости
Счастья поступить в Дрезденскую академию художеств с первого раза Рихтеру не представилось. Его работы сочли чрезмерно «буржуазными».
Мало-помалу начинающий художник начал осознавать, что его картины не смогут быть понятыми в нынешней политической обстановке. Ему попросту не давали возможностей для профессионального роста и самореализации.
В 1957, уже будучи женатым, Герхард Рихтер попросил политического убежища по другую сторону «стены» и переехал с женой в Дюссельдорф. Здесь для перспективного дарования открылись новые перспективы: он совершенствовался в живописи и фотографии, много путешествовал в поисках вдохновения, заводил интереснейшие знакомства, общался с коллегами, набираясь опыта.
Герхард Рихтер
К тому периоду относится его активность в сфере проб разных видов художественных техник: от откровенного поп-арта и абстракционизма до экспрессионизма и экспериментов с цветом.
Кадр из фильма о Герхарде Рихтере
Здесь особенно стоит обратить внимание читателя на целый проект под названием «Серое» состоящий из нескольких полотен, который возымел небывалый успех в среде истинных ценителей искусства
Цикл работ «Серое»
Позже появились серии видов на облака, горы, город, монохромные пейзажи и знаменитые «48 портретов» интеллектуалов.
Ретроспектива «48 портретов»
Переехав в Кельн, Герхард Рихтер подарил местному собору роскошный пиксельный витраж из мозаики.
Мозаичный витраж в Кельнском Соборе
Тогда же Рихтером были написаны наиболее известные работы «Чтение», «Бетти», «Мориц».
«Чтение»
США
Кент Рокуэлл – один из знаменитых американских пейзажистов. Его работы сочетают в себе реализм и романтизм, что очень точно передает настроение изображаемого. На его пейзажи можно смотреть часами и каждый раз трактовать символы по-разному. Немногим художникам удавалось изобразить зимнюю природу так, чтобы смотрящие на нее люди по-настоящему испытывали холод. Насыщенность цветов и контрастность – это узнаваемый почерк Рокуэлла.
XIX век богат яркими творцами, которые внесли огромный вклад в искусство. Зарубежные художники XIX века открыли двери нескольким новым направлениям, таким как постимпрессионизм и романтизм, что, на самом деле, оказалось непростой задачей. Большинство из них неустанно доказывали обществу, что их творчество имеет право на существование, но многим это удалось, к сожалению, только после смерти. Их необузданный характер, смелость и готовность к борьбе сочетаются с исключительным талантом и легкостью восприятия, что дает им полное право занимать существенную и значимую ячейку в истории.
https://youtube.com/watch?v=cgU67Ee6ziA
Интересные факты из жизни художника
О жизни живописца известно очень мало. Из-за скудных биографических сведений и совсем небольшого количества работ, каждая с которых по уровню технического мастерства и эмоционального отклика ставит его в ряд величайших художников всех времен, Вермеера также называют Делфтским Сфинксом (по месту рождения – г. Делфт).
Как уже было сказано, наследие Вермеера довольно скромное. В целом самые тщательные поиски обнаружили на сегодня 34 его достоверно подлинные работы и еще 5 под вопросом. Сюжеты картин Вермеера схожи с сюжетами картин его современников. Он следовал веяниям моды, отражал на полотне темы, которые были в ходу в повседневной жизни. Большинство работ художника являют собой композиции с немногими фигурами в до мельчайших деталей прописанных интерьерах, есть несколько портретов и несколько пейзажей города его руки.
Картины Вермеера предельно ясны для понимания, но, с другой стороны, эта простота в композиции требовала не только умения смотреть, но и видеть. Он пытался вложить в свои произведения тайный смысл, для чего использовал понятный его современникам язык символов.
В основном Вермеер писал для своих заказчиков-меценатов. Самыми большими почитателями его таланта были пекарь Хендрик ван Буйтен и хозяин печатной мастерской Якоб Диссиус, в коллекции последнего согласно историческим данным в 1682 г. находилось 19 картин художника.
В 1672 году началась война с Францией, в Голландии наступил экономический кризис, торговля живописью замерла, впоследствии этих событий семья Вермееров, в которой на тот момент было 11 детей, полностью разорилась. Бедственное финансовое положение приблизило смерть Вермеера, наступившую от сердечного приступа 15 декабря 1675 года. Вдова художника после его кончины была вынуждена продать работы Вермеера за бесценок, чтобы расплатиться с кредиторами.
Кабаре Монмартра
На Монмартре было несколько кабаре, прежде чем он стал центром парижского авангарда. Однако к 1880-м годам началось всерьез основание новых кабаре. Они стремились предоставить более богатым людям, прибывающим по соседству, развлечения, которые они хотели: поэзию, музыку и театр.
Кабаре предлагали элитные места, где они могли «спрятаться», вдали от регулирующих сил, действующих в районах их проживания. Буржуазная аудитория состояла почти исключительно из мужчин, поскольку кабаре считались не подходящим местом для собраний «респектабельных» женщин. В кабаре мужчин развлекали популярные артисты, пили и домогались проституток.
Интерьеры кабаре спроектированы так, чтобы исполнители и меценаты находились в непосредственной близости. В отличие от театров и оперных залов, кабаре сознательно поощряли взаимодействие с аудиторией
Артисты кабаре умели удерживать внимание публики, вощбуждая и развлекая
Эдгар Дега
Начиная с 1875 года, многие картины Дега отражают его увлечение кабаре и кафе-концертами, когда он пытался передать энергию сценических исполнителей. Он играл с эффектами искусственного света на лицах своих моделей, подчеркивая подбородки и затемняя глаза.
Он часто снимал их с открытым ртом в середине выступления, делая драматический жест руками, как в «Певице с перчаткой» 1878 года.
Кабаре также служили местом, где начинающие художники могли выставить свои работы и, если повезет, что-то продать. Дега, например, начинал в кабаре, как и многие известные писатели, в том числе Золя и Александр Дюма.
Черная кошка (Le Chat Noir)
Одним из самых любимых кабаре импрессионистов было Chat Noir или «Черная кошка», открытое Родольфом Салисом в 1881 году. Салис был поэтом и эксцентричным персонажем, известным тем, что высмеивал посетителей своего кабаре и продвигал Монмартр как рай разврата.
Он цитирует слова:
В Chat Noir Салис создал дом для художников и писателей, а также для более состоятельных посетителей, которые хотели вкусить кусочек легендарной богемы Монмартра. Писатель Фелисьен Шампсаур описал сцену 1882 года, написав:
После смерти основателя (1897) кафе просуществовало ещё пару лет, затем было продано и сменило название.
Фоли-Бержер
Кабаре, увековеченное на картине Мане, было Фоли-Бержер (Folies Bergere). Созданное по образцу мюзик-холла Альгамбра в Лондоне, оно было основано в 1869 году и оставалось чрезвычайно популярным вплоть до 1920-х годов. Его успех частично объясняется его способностью идти в ногу со временем и удовлетворять то, что хочет аудитория.
Картина Мане «Бар в Фоли-Бержер» 1882 года изображает интерьер кабаре в напряженную ночь. Однако его картина необычна тем, что в ней изображен один служащий, Сюзон. Вместо того, чтобы запечатлеть яркость и кажущуюся веселость зала, Мане сосредотачивается на двусмысленном выражении лица одной из работающих там женщин.
В зеркале позади нее мы можем видеть люстры и толпу, но она отделена от других людей на сцене своим положением, как физическим, так и социальным.
Уильям Хогарт (1697-1764 гг.)
Уильям Хогарт. Автопортрет. 1745 г. Британская галерея Тейт, Лондон
Хогарт жил в непростое время. В начале 18 века в Англии только-только зародилось буржуазное общество, которое пришло на смену феодальному.
Моральные ценности были ещё зыбкими. На полном серьезе достоинствами считались корыстолюбие и обогащение любыми путями. Прямо как в 90-ые года 20 века в России.
Хогарт решил не молчать. А попытался открыть глаза своим соотечественникам на упадок моральных ценностей. С помощью картин и гравюр.
Начал он с серии картин «Карьера проститутки». К сожалению, живописные полотна не сохранились. Остались только гравюры.
Уильям Хогарт. Карьера проститутки: в ловушке у сводницы. Гравюра. 1732 г.
Это реальная история о деревенской девушке Мэри, которая приехала в город искать счастья. Но попала в лапы старой сводни. Эту сцену мы и видим на первой гравюре. Став содержанкой, она провела свою недолгую жизнь среди изгоев общества.
Хогарт намеренно переводил свои картины в гравюры, чтобы широко их распространять. Так он стремился достучаться до как можно большего количества людей.
Причем предостеречь он хотел не только бедных девушек, таких как Мэри. Но и аристократов. Судя по его серии работ «Модный брак».
Описанная в ней история была очень типична для того времени. Обедневший аристократ женится на дочери богатого торговца. Но это лишь сделка, не подразумевающая союза сердец.
Самая известная картина из этой серии «Тет-а-Тет» демонстрирует всю пустоту их отношений.
Уильям Хогарт. Модный брак. Тет-а-Тет. 1743 г. Национальная лондонская галерея
Жена всю ночь веселилась с гостями. А муж лишь под утро ввалился домой, опустошенный от разгула (судя по его пятну на шее, он уже болен сифилисом). Графиня небрежно подтягивается и вот-вот зевнёт. На ее лице читается полное равнодушие к мужу.
И не удивительно. Она завела интрижку на стороне. История закончится печально. Муж застанет жену в постели с любовником. И будет заколот шпагой в дуэли. Любовник будет отправлен на висилицу. А графиня покончит с собой.
Хогарт не был просто карикатуристом. Слишком высоко его мастерство. Сложные и гармоничные сочетания цветов. А ещё невероятная выразительность. Вы легко «читаете» его картины, понимая, каковы отношения между людьми.
Уильям Хогарт. Модный брак. Дуэль и смерть графа. 1743 г. Национальная лондонская галерея
Заслуги Хогарта сложно переоценить. Ведь он изобрёл критический реализм. Никто до него никогда не изображал в живописи столько конфликтов и социальных драм.
Хогарт вдохновил Франсиско Гойю к созданию его знаменитых Капричос. Его хорошо знали наши русские художники-передвижники. Под его влиянием создавая свои полные социальной критики картины.
Импрессионизм и Монмартр
На протяжении веков Монмартр был деревней, независимой от Парижа и расмположенный за его городскими стенами. Однако в 1860 году, после перестройки Парижа, он был включен в постоянно растущий город.
Несмотря на аннексию Монмартра, этот район по-прежнему сохранил уникальную и самобытную атмосферу. Холмистый пейзаж сделал его непригодным для многих архитектурных реформ, которые барон Осман провел в другом месте Парижа, и в результате Монмартр сохранил узкие улочки, ветряные мельницы и маленькие лоскутные дома своего прошлого.
Ночная жизнь
Исторически известный своими религиозными связями — Монмартр означает гора мученика, названный в честь мученической смерти Сен-Дени на холме — Монмартр постепенно приобрел определнную репутацию благодаря своей ночной жизни. Вино текло свободно благодаря виноградникам в этом районе и не облагалось такими высокими налогами, как в черте города.
Другими словами, Монмартр был местом, где можно было отлично провести вечер!
… и низкая арендная плата
Низкая арендная плата и сельская красота района также привлекали художников в этот район, и к 1860-м годам многие переехали на Монмартр. Этому также способствовала его близость к Школе изящных искусств, которая находилась на другом берегу реки Сены.
На Монмартре художники могли взаимодействовать с «обычными людьми» в отличие от буржуазных кругов, более доминирующих в центре Парижа. Это было одним из источников вдохновения для импрессионистов. Художники часто набирали в качестве моделей молодых женщин из рабочего класса из окрестностей, которые часто также становились их любовницами!
Работать моделью быстро стало популярным видом деятельности для многих женщин, часто дополняя их доход от других работ в швейной промышленности.
Создание студии
Эдуард Мане, Эдгар Дега, Огюст Ренуар, Камиль Писсарро и Поль Сезанн имели студии на Монмартре. Их любимые места, как правило, были на вершине холма или butte, где располагались кафе и кабаре. Здесь также была самая дешевая аренда.
Одним из постоянных кафе импрессионистов было Cafe Guerbois на Rue des Batignolles. Именно в Гербуа Моне впервые предложил провести независимую групповую выставку в декабре 1873 года.
Точно так же Novelles Athènes в том же районе стал популярным местом для общения с другими художниками и писателями. Это кафе стало декорацией для картины Дега «Абсент» 1876 года.
Покупка красок и холстов
Помимо кафе, художники часто посещали малярные мастерские с временными выставками произведений искусства. Одним из самых популярных из них был магазин красок Пера Танги, где начинающие художники целыми днями обсуждали и критиковали выставки.
Танги согласился показать некоторые из картин Винсента Ван Гога и Сезанна, что было одним из немногих мест в Париже, которые это сделали, а также работы Жоржа Сёра и Поля Гогена.
Другие места, где, как известно, выставлялись работы импрессионистов, включали Ресторан la Fourche и Cabaret du Tambourine, оба на Монмартре.
Overview
Between 1847 and 1881, Merle exhibited forty-eight pictures in sixteen Salons, many of them considered, in subject and style, rivals of the work of the celebrated French painter William-Adolphe Bouguereau (1825-1905). (Merle had been introduced to Bouguereau in the early 1860s by their mutual friend and early dealer Paul Durand-Ruel . Later, the two would leave Durand-Ruel for Adolphe Goupil .) Both artists produced life-size allegorical, mythological, and historical subjects, with Merle’s, particularly after 1870, being primarily drawn from literature. Their reliance on drawing and focus on the human figure, rendered in a highly polished, academic style, were praised by numerous contemporary critics and earned them the highest professional accolades, until the rise of Impressionism and other avant-garde art movements rendered them passé. It is only in recent years that Merle’s name has been resurrected and, like Bouguereau’s, been restored to its rightful place at the pinnacle of the nineteenth-century art historical canon.
Merle’s earliest pictures, produced in the 1840s and 1850s, featured rarefied historical themes envisioned on a grand and complex scale; the influence of his teacher Léon Cogniet (1794-1880), with whom he studied in Paris at the École des Beaux-Arts – along with nearly a hundred of France’s best-known mid-nineteenth-century artists – is felt in the subdued palette and emotive brushstrokes of these works. Praised by such notable critics at Théophile Gautier (1811-1872), the subjects of these pictures were characterized by Durand-Ruel as “aimable,” a term he invented to describe a whole genre of paintings that added a devout, even religious gloss to secular subject matter. Working directly with the artist and making frequent visits to his well-known studio, Durand-Ruel purchased numerous original paintings and répétitions by Merle during their early partnership. (“Repetitions” made up the majority of the picture trade during the mid-nineteenth century, with Merle’s being among the most highly prized. Gallery 19c recently acquired and sold an extraordinary répétition by the great Alexandre Cabanel , featuring Adam and Eve’s expulsion from the Garden of Eden.) In the 1860s, Merle adopted a jarring, high-keyed palette, and a tighter, more polished style. Compositions were simplified, distilled to their essence, and figures enlarged to fill the entire picture plane. In the final phase of his artistic evolution, Merle shifted his attention from domestic and nationalistic genre scenes to portraits and pairs of monumental literary figures, often with a romantic connection or story.
After receiving second-class medals in 1861 and 1863, and in response to his flourishing reputation, Merle was made Chevalier of the Legion of Honor in 1866. “ pictures, as well as those of his rival Bouguereau, are so highly appreciated in Europe,” observed one contemporary critic, “ that they are generally purchased even before they are finished.” By 1879, more than fifty works by the artists could be found in American collections, demonstrating the strength of his reputation even outside of France. The American Register had reported just a few months prior that Americans had spent $3 million on French art and by 1882 it was estimated that they had spent nearly five times that amount, with record amounts being paid to Merle for his society portraits and biblical and literary subjects. Merle’s student Elizabeth Gardner (1837-1922) – also the wife of Bouguereau — estimated that that the artist made more than $10,000 a year from his increasingly international clientele, a remarkable accomplishment for a painter at this time (Elizabeth Gardner to Maria Gardner, June 10, 1873, Elizabeth Gardner Bouguereau Papers, Archives of American Art, Smithsonian Institution ).
Today, Merle’s works can be found in the most prestigious museum collections in the world, including the Metropolitan Museum of Art in New York and the Louvre in Paris. Gallery 19c currently has in its inventory an extraordinary painting created in the year of Merle’s Salon debut, and exhibited at that prestigious venue one year later, in 1848.
This biography was written by Emily M. Weeks, Ph.D.